Geek me hard !!

Sortie ciné: Millenium, de David Fincher

2012-01-30T14:10:00.011+01:00

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Retour aux sources pour David Fincher après The Social Network, qui ne l'a jamais autant approché du succès public et critique en même temps. Un nouveau départ qui bat le pavé sur les terres de Se7en et Zodiac, où les ombres inquiétantes de serial-killers volatiles ont bien une raison d'être. Cette version de Millenium est la réinterprétation américaine du livre de Stieg Larsson, et non un remake du téléfilm suédois du même nom: si on a eu tendance à hurler à l'outrage dès que se dressent les projets de relectures, il est évident de constater que lorsque c'est un personnage de l'acabit de David Fincher qui s'y colle, il y a tout à espérer.

Conscient du matériel de base à exploiter et de ce qui a déjà été fait, Fincher s'approprie avec une grâce personnelle ce qui lui revenait de droit. Il réinvente au passage le personnage de Lisbeth Salander, plus frêle, comme son homologue du roman, et débauche Daniel Craig - qu'on n'attendait plus - dans le rôle du journaliste économique Mickael Blomkvist. Si le film est en anglais, il se passe toujours en Suède, et c'est dans un pays glacial, parfois déserté, et toujours lugubre que Fincher place ses pions. L'hiver semble éternel, même à l'échelle d'une année, et c'est en grande partie en mettant en scène l'équilibre vacillant des forces en présence dans ce contexte que Fincher trouve la force du film.

En écho à son titre anglais (politiquement correct), le film se resserre sur Rooney Mara avec insistance, et le personnage trouve en Mickael Blomkvist un héraut inattendu, qui peu à peu la plonge dans une enquête vertigineuse où son histoire trouve un écho aux destins tragiques de femmes qu'elle croise. Mais ce qui importe est moins l'enquête que la rencontre des deux personnages et de l'humanisation progressive de Lisbeth, héroïne disloquée et asociale, pendant féminin traumatique d'un Jesse Eisenberg dans The Social Network.
Lorsque l'on assiste, groggy, à l'échange de données tapissant le film, l'information à tout prix semble être l'un des grands soucis thématiques de David Fincher: à mesure que le film se soumet au point de vue d'un protagoniste à l'autre à l'aide d'un montage passionnant, il exige en même temps une une attention particulière tant les scènes fourmillent de détails, tempérées par une mise en scène atténuant la lenteur affable de certains passages du livre.

La partition délétère de Trent Reznor et Atticus Ross se marie à merveille avec l'ambiance sombre composée par Fincher et son directeur photo Jeff Cronenweth (Fight Club, K19, Photo Obsession), le score infini procurant une sensation de malaise tout au long du film. La distillation sournoise de ces effets sonores impose une atmosphère lourde en accord avec l'enquête de Mickael et son évolution vers le pire ; la bande-son et ses moments de flottements parfaitement agencés (le ballet mécanique des passages à moto, simples intertitres de progression de l'enquête), autant d'effets délicieux qui posent peu à peu le filet tressé par les artisans du film.
Il y a chez Fincher un souci méticuleux du découpage. Le montage tendu parvient au bout d'une heure à rassembler de façon satisfaisante les destins parallèles de Mickael Blomkvist et Lisbeth Salander, tout en poursuivant parfois sur des sous-intrigues construisant inexorablement les personnages (Mickael et le scandale Wennerström, Lisbeth et sa situation de pupille de l'état).

A l'image du livre qui introduisait ses différentes parties par une statistique criminelle sur les violences faites aux femmes, le film devient peu à peu un rapport de la Suède misogyne au travers du portrait de l'apparente respectabilité de la famille Vanger. Les femmes y sont brisées avec un souci méthodique, sous une avalanche de faits, de photos, de rapports de police et de documents en tous genres, dans une nuée telle qu'il est parfois difficile de suivre le cheminement exigeant du film. Pourtant le film file droit et déploie avec un trésor de minutie des plans d'une beauté effarante, montés de façon parfois vertigineuse. "Wait", fait un moment Mickael Blomkvist, visiblement incapable de suivre une Lisbeth déconnectée, condensant les faits les plus glauques dans une litanie obscure.
Courir après le temps en 2h40 de film, c'est aussi le travail des deux enquêteurs de fortune.

Le seul regret que l'on puisse avoir, c'est que David Fincher, en grand perfectionniste qu'il est, a annoncé que le film - dont le premier montage durait trois heures - ne serait pas exploité en version longue sur support numérique. 20 minutes de scènes qui ne seront pas non plus proposées en bonus, et donc perdues pour le spectateur qui ne s'y noiera pas dans l'immédiat. Fincher ayant finalement sorti une director's cut de Zodiac, on peut peut-être espérer une future version contenant les coupes qu'il a effectué sur le montage cinéma de Millenium.

The Social Network : mini avis.

Sortie ciné: Melancholia, de Lars Von Trier

2011-08-14T23:52:00.008+02:00

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Peu importe au final la fausse controverse entourant Lars Von Trier depuis le dernier Festival de Cannes : seul compte l’objet, le film, les quelques bribes aperçues, l'appréhension globale à l'entrée et l’impression de vertige à la sortie. Se jouant des codes du genre avec une liberté qui laisse hagard, le réalisateur entreprend son déroutant récit de veille de fin du monde, où une jeune femme fuit sa somptueuse soirée de mariage.

Au départ, c’est beau comme un couple à l’arrière d’une voiture : Justine et Michael (Alexander Skarsgard - transfuge de True Blood) célèbrent leur mariage en grandes pompes. Ces premières minutes (succédant à des tableaux muets citant les tragédies à s’abattre) posent cette jolie illusion du bonheur, ces moments volés qui forment autant de jalons dans la vie des gens. Attendue à la réception, Justine se révèle fuyante, préoccupée alors que l’étiquette en vigueur impose qu'elle exhibe un bonheur de circonstance.

Dans cette première partie, les personnages secondaires, grotesques à souhait, ajoutent à ce sentiment de solitude : Les parents de Justine (John Hurt et Charlotte Rampling) lui renvoient une image de couple brisé et amer, quand son beau-père et employeur, être humain abject, se joue des gens comme autant de pièces d’échecs. La sœur de Justine, Claire (Charlotte Gainsbourg), visiblement l’aînée et la plus terre-à-terre, entreprend de mener à bien une soirée financée par son mari (Kiefer Sutherland), frustré de tous ces caprices enfantins. Las, fatiguée, consciente de la vacuité de l’existence qu’elle s’apprête à embrasser, Kirsten Dunst illumine les tableaux, d’abord d’un sourire radieux qui finit par flétrir. On lui retrouve parfois les traits de Lux Lisbon, l’évanescente jeune fille blonde de Virgin Suicides qui n’aura pas eu le temps de grandir - et qu'on retrouverait, des années plus tard, en proie au malaise d'être restée en vie.

Son romantisme éthéré (la scène dans la forêt) et son point de vue (fataliste) font de Justine un personnage unique, difficile à cerner. Le pont, un point de passage de l’esprit (cité plusieurs fois dans le film) est une étape infranchissable, une incompréhension latente qui précipite sa chute.
Le personnage de Kirsten Dunst a cette volonté, ce renoncement pourtant positif qu'a le personnage d'en finir avec cette mascarade planifiée. La méthode jusqu'au boutiste de Lars Von Trier atteint parfois ses limites dans le pathos programmé (on peut facilement s'énerver de voir Kirsten Dunst se traîner ainsi), mais cela ne rend que plus fort la dernière partie du film où se révèle le personnage.

La première partie du film prend davantage de sens quant arrive la seconde partie, centrée sur le personnage de Claire, incarné par Charlotte Gainsbourg (et dernière victime consentante de Von Trier dans Antichrist). On y observe le dérèglement psychologique progressif d’un personnage jusqu’alors résistant face à l’adversité. Au fur et à mesure que les jours s’égrènent, elle perd ses repères, et le point de vue alarmiste qu’elle adopte n’est que la conséquence des choix de vie qu’elle a fait : son monde à elle, c’est son enfant et son mari.

On observe une persistance ordonnée des principes du dogme (caméra à l'épaule, cadres approximatifs) quand le réalisateur ne se décide pas à laisser reposer le tout pour une post-production purement (faussement) plastique. La mise en scène de Lars Von trier offre quelques beaux moments, quasi lunaires (la réception à l'extérieur, la voiture de golf dans la nuit), ou tout simplement majestueux, à l’aune de son plan final terrassant de beauté.
Comme inspiré par le vivier de talents qu’il met en scène, il parvient à une captation toute en douleur de moments intimes, où les personnages s’affrontent, débattent, théorisent, s’aiment et se haïssent. Ce discernement de la psyché humaine fait toute la force de Melancholia. 
La raison, matérialisée par Kiefer Sutherland, perd la main dans cet enchevêtrement d’humeurs et d’émotions : tout impact masculin est oblitéré du film, pour que ne reste que les deux sœurs quant arrive la fin.

Ce qu’offre Melancholia, c’est la fin absolue du monde. Une fin vue par le prisme de deux personnages féminins, de la relation amour-haine qu’elles entretiennent et la façon dont elles communiquent leurs émotions. Le déchaînement d’émotion et de mal-être distillé sous cette apparence de film de genre, transcendé par ses deux actrices, ont imposé un traitement à mille lieux des canons habituels. Un pur film d’auteur, déconcertant mais surtout généreux si l’on accepte de s’y abandonner.

L'instant culte: "Danger: Diabolik!" de Mario Bava (1968)

2011-08-08T15:25:00.006+02:00

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Voleur insaisissable, Diabolik est une sorte de James Bond corrompu, narguant les forces de police par ses vols de plus en plus audacieux. Aidé de sa partenaire, la sublime Eva, il met en échec toutes personnes s'attaquant à lui, avec une facilité déconcertante.

Bijou pop des sixties, Danger: Diabolik met en scène un anti-héros masqué, créée à l'origine par les sœurs Giussani dans les pages d'un fumetti (équivalent de la bande dessinée italienne). Le personnage de Diabolik, ouvertement mauvais, fait alors basculer la BD dans une optique plus adulte, où les anti-héros se meuvent dans la violence et l'érotisme outrancier propre à cette époque.

Pour ce projet, Dino de Laurentiis produit le film en même temps que Barbarella, tourné dans le studio voisin par Roger Vadim. Une nécessité, car l'interprète de Diabolik, John Philip Law, joue dans les deux films et fait les allers-retours entre les plateaux. Pour l'adaptation de Diabolik, Dino de Laurentiis choisit Mario Bava, réalisateur qui a fait ses armes à l'époque du film d'horreur gothique italien avec notamment Le Masque du Démon (1960), référence matricielle du cinéma de Tim Burton : Sleepy Hollow (1999), en plus d'être un film hommage au cinéma britannique de La Hammer, a aussi beaucoup emprunté à Mario Bava.

Rôdé par des années dans le métier, Mario Bava dispose d'un budget important mais ne peut s'empêcher de recourir au système D et à sa propre imagination pour parvenir à ses fins ; en résulte un mélange étrange où la démesure de certains décors dénote fortement avec d'autres séquences, faussement cheap.

En pleine période du pop art, Danger: Diabolik devient une vitrine d'expérimentation où tout le monde s'en donne à cœur joie. Ennio Morricone compose une musique délirante, à l'image du film, avec son générique à la James Bond, ses essais de cadrages et de filtres alambiquées, avec même une séquence de collages lors d'une scène de portrait robot du meilleur effet.
Du côté des acteurs, John Philip Law rigole comme Fantomas, fait passer tout son jeu par des coups d'œils outrancier, et Marisa Mell, qui incarne sa maîtresse Eva, est alors assurément la plus belle femme du cinéma avec Ursula Andress et Raquel Welsh. L'alchimie entre les deux partenaires est parfaite, et est le centre de quelques scènes montrant l'immoralité du duo comme un jeu de séduction passionné. Hautement suggestif, le film ne se prive pas de petites gâteries visuelles comme ces cabrioles dans un lit remplis de billets, où des déambulations dans des bases secrètes complètement james bond-iennes.

Avec le temps, les conventions formelles du cinéma ont bien changé et on peut trouver le film vieux-jeu, parfois kitsch surtout dans sa seconde partie où Mario Bava multiplie les effets, les rebondissements bizarrement coordonnés et les casses, plus grotesques les uns que les autres, donnant au film cet air unique. Le montage tantôt audacieux, tantôt hasardeux, ajoute à cette confusion des sens où les rapports spatio-temporels n'existent plus, où le déferlement de couleurs vives créent un univers de pur comic-book, à la réjouissance totale. Le côté série B ne quitte jamais le film et on peut légitimement se demander à quoi aurait ressemblé le film si Mario Bava avait utilisé la totalité du budget à disposition pour des scènes encore plus impressionnantes.
Danger: Diabolik sonne comme une réplique italienne aux productions étrangères à gros budget. En 1968, Sean Connery en est déjà à son cinquième James Bond, films produits avec un sérieux total entre l'Angleterre (aux Pinewood Studios) et les États-Unis. Le côté parodique du film de Mario Bava offre une récréation bienvenue au paysage cinématographique, et permet de désamorcer la violence intrinsèque du personnage de Diabolik, qui n'hésite pas à supprimer toute personne ne dressant sur son chemin.

Que ce soit par ses personnages, ses situations ou ses décors, un charme fou se dégage de l'ensemble, une candeur perdue depuis, qu'on jurerait ne plus revoir de sitôt. Et c'était déjà il y a plus de 40 ans... Un projet de suite a été évoqué à l'époque, qui ne s'est hélas jamais concrétisé. L'aura du film ne se dément pourtant pas, même les Beastie Boys se baseront sur le film pour concevoir le clip de Body Movin en 1998, où des extraits du film sont repris.

Une merveille !

Sortie ciné: Hanna, de Joe Wright

2011-07-11T21:09:00.004+02:00

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Étrange objet que ce Hanna post-moderne, où (pour résumer simplement) une adolescente se retrouve soudainement projetée dans une machination la dépassant. De l'anglais Joe Wright, on retient surtout ses deux premiers films: Orgueil et Préjugés, adaptation du roman de Jane Austen et film ultra stylisé, qui brisait le carcan jusqu'ici moribond du film d'époque, et Reviens-moi, histoire d'amour impossible (et lacrymal) sur fond de Première Guerre Mondiale. Au risque de juger trop vite, on n'attendait pas Joe Wright aux commandes d'un film si ouvertement contemporain, gadgetisé, presque trivial en regard des maux d'amour anglais qu'il a manié avec tant d'abnégation.

Son parti-pris est étrange et assené d'entrée de jeu: Une jeune fille est élevée loin de tout par son père, coupée du monde. Élevée à la dure, elle n'ignore rien des techniques de défense et de combats. Un jour, son père lui offre la possibilité de rejoindre le monde, sans retour possible en arrière.

Dans ce curieux conte des temps modernes règne Cate Blanchett, sorcière rousse à col roulé, sorte de descendante du personnage de Irina Spalko qu'elle interprétait dans le dernier Indiana Jones. Ses motivations sont secrètes, ses méthodes, drastiques. Elle fait appel à Tom Hollander (un habitué de Joe Wright) et lui offre un rôle de chasseur sadique fait sur mesure pour retrouver la petite fille blonde, sorte de Alice déstructurée dont le rapport aux hommes est totalement faussé par des années de réclusion.
Tout le long de sa chasse à couteaux tirés, le film développe sobrement l'art de la volatilisation des corps comme point de fuite - littéralement. Un gimmick surnaturel qui permet de prolonger la traque et les enjeux des personnages, décrits comme des êtres invincibles courant tous à leur perte, inexorablement.

Le film est dopé par la mise en scène un peu tape à l'œil de Joe Wright, à l'image de son désormais classique plan-séquence mettant en scène Eric Bana, faussé par les effets spéciaux. Le score des Chemical Brothers recouvre le film d'une enveloppe vaporeuse et de cette confusion perpétuelle des sens, issue aussi des ruptures de tons (film d'apprentissage? d'action? ou pire?), s'échappent quelques thèmes entêtants rendant le film exsangue. On attend toujours plus du film, mais, modestement, il s'attache à faire progresser son intrigue par de rares points, important finalement moins que l'évolution maladroite d'Hanna et la manière dont sera résolue l'affaire.

Malgré ses qualités intrinsèques, le film est vite handicapé par une distribution artistique très étrange. Passons encore sur le couple Olivia Williams (la divine Adelle DeWitt de Dollhouse faut-il le rappeler ?) et Jason Flemyng en voyageurs hippies, mais un thriller se passant en Europe a-t-il nécessairement besoin d'hommes de mains néo-nazis, traités avec autant de fainéantise? La fausse originalité qu'on applique à ces personnages fait immédiatement tâche sur le reste du long-métrage et c'est assez circonspect qu'on assiste au déroulement des évènements, si ce n'était pour quelques séquences diablement bien troussées, rappelant qu'une mise en scène se travaille et que Wright sait aussi y faire dans ce domaine.

Saoirse Ronan, dévoilée au cinéma dans Reviens-moi du même Joe Wright, plonge dans ce mythe revu et corrigé de l'enfant sauvage et de son premier contact brutal avec le monde des hommes (qu'une sévère Cate Blanchette, rehaussée de talons, semble diriger, n'a rien d'une coïncidence). La jeune actrice a ce côté dérangeant, malaisé, qu'elle traîne avec elle en permanence, des voyages au-delà du réel de Peter Jackson, jusqu'à la marche forcée qu'elle effectue dans Les Chemins de la Liberté. Le rôle terrible qu'elle portait sur ses épaules dans Reviens-moi semble agir sur ses personnages de cinéma comme une responsabilité qu'elle se transmet de rôles en rôles.

Joe Wright est parfois émouvant dans cette volonté de ne pas signer un film d'action conventionnel, mais plutôt le voyage initiatique d'une petite fille qui découvre qu'une autre vie est possible. Le film a ainsi des envies de délivrance à hauteur d'homme qui donne un aspect bien modeste au film, tout en paraphrasant les contes germaniques qu'il cite avec déférence, au travers de ses personnages, de certains lieux ou situations bien appuyées. L'originalité est bien là mais on ne peut s'empêcher d'être un brin déçu par cette incursion fuyante, timide, presque mal assumée.

Sortie ciné: Transformers 3D, Michael Bay m'a tuer

2011-07-04T14:38:00.014+02:00

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Ne vous méprenez pas: on sait à quoi s'attendre en entrant dans la salle, et le cinéma de Michael Bay n'est plus à critiquer, il faut s'y abandonner car toute résistance est inutile. On parlait déjà de Transformers 2 à l'époque, et de ses curieuses mais néanmoins évidentes qualités, il est maintenant temps de clôturer le cycle le plus aberrant du début des années 2000 avec toute la candeur dont est capable le plus américain des cinéastes en activité aujourd'hui.

Il faut se rendre compte de l'industrialisation de la production qui permet à Michael Bay, Dreamworks et ILM de sortir un Transformers tous les deux ans, avec une précision glaçante, symptomatique d'Hollywood et de sa production passe-partout. Le travail est énorme et les enjeux artistiques (autres que visuelles) deviennent proches du néant à mesure que les films s'empilent.
Au final, lorsque Michael Bay ne redéfinit pas le film d'action pyrotechnique, il a tout le loisir de se consacrer à ses voitures et ses mannequins de lingerie, placés sur un même pied d'égalité: Rosie Huntington-Whiteley, qui remplace Megan Fox (belle promotion pour un premier film), est une top-modèle estampillée Victoria's Secret que le réalisateur a déjà mis plusieurs fois en scène dans des clips pour la marque. Le garçon comme les autres qu'était Shia LaBeouf dans les précédents films, se demandant ce qu'il allait faire pour garder sa petite amie, n'est plus: ici, il possède, sans enjeux véritables, une petite amie trop belle - selon les standards californiens s'entend - pour être vraie.
Complètement désincarnée, elle tente vainement de participer à la narration mais ne nous fera vraiment que les honneurs d'un plan subliminal à la Basic Instinct en sortant d'une voiture.

Légèrement moins puéril, le film est toujours hystérique et ne sait parfois plus se contrôler. John Torturro rejoue la même partition, et même Shia LaBeouf s'y met, remplaçant parfois ses lignes de dialogues par des hurlements ne servant pas vraiment la progression de l'intrigue. Les nouvelles recrues, Alan Tudyk, Frances McDormand et John Malkovich (pas moins), n'apportent rien à l'ensemble si ce n'est le trait de comédie gratuit et débilitant, embrayant la machine vers des sommets de non-sens.
Pour autant, moins empêtré dans des sous-intrigues abyssales à la manière du deuxième volet, le film file droit et s'applique à retrouver le chemin traditionnel du blockbuster américain: envers et contre tous (et surtout en dépit du bon sens), sauver le monde et sauver la fille. Ce qui en soi chez Michael Bay impose un parcours du combattant pour arriver à bon port, et s'il y a quelque chose qu'on ne peut pas reprocher au bonhomme, c'est bien sa générosité toute perverse.

Les robots-jouets sont en majorité livrés à eux-mêmes, pas vraiment animés, et on ne saurait les blâmer: la team America est plus pompeuse que jamais. Entre un Optimus Prime insupportable et des barbouzes filmés comme les derniers remparts de l'American way of life contre le terrorisme, le film en jette toujours plus, sa vautrant de façon crasse dans la propagande et la belliqueuse vengeance. Au 3ème film, on aurait pu espérer que le discours évolue un peu. Toutes les situations impliquant strictement les robots sont inintéressantes, ce qui est un problème quand le réalisateur s'applique autant à les vendre grâce au placement de produit infâme, et à cause de son contrat avec la firme de jouets Hasbro l'obligeant à "mettre en scène" les robots et leurs spécificités. Au détour d'un dialogue, on apprendra que Optimus ne peut voler que s'il a sa remorque avec lui. Dur.

Et même si le petit garçon du siège d'à côté et votre serviteur tentent de déterminer dans ce tonnerre mécanique qui est qui (Starscream, c'est celui qui vole), il en faudrait beaucoup plus pour qu'on s'émeuve du destin digital de ces créatures fantasmées.

Les contraintes de la 3D ont obligé Michael Bay à s'assagir sur sa mise en scène ; considérablement calmé sur le montage frénétique de plans épileptiques, le bonhomme pond enfin des séquences lisibles, avec toujours la même ferveur pour la destruction massive. La séquence d'autoroute répond bien présente, avec des fulgurances de violence métallique qui n'auront d'écho qu'au sein du même film, une heure plus tard, dans une conclusion à rallonge au sein d'un Chicago dévasté. Les séquences sont plus incroyables les unes que les autres: couchage d'immeuble, sauts hallucinants en combinaisons de vols, pugilats exploitant tout l'environnement et chute des corps humains d'une violence inouï. Pourtant, une certaine monotonie s'empare du spectateur, habitué depuis trois films et pour qui la course à l'épate devient de plus en plus inconséquente.
Le siège de la ville aurait pu être hallucinant s'il ne durait pas aussi longtemps ; on ne parle même plus de fantôme du 11 septembre derrière ces destructions d'immeubles, mais bien de reformatage inconscient du film d'action total où s'agglomèrent tellement d'éléments qu'en sortant de la séance, on ne sait plus ce qu'on a vu. La séquence de la chute de l'immeuble coupé en deux, si elle reste lisible, originale et bien foutue malgré l'aberration évidente de la chose, est l'exemple typique du cinéma de Michael Bay, ravi de ses idées foutraques et complètement gratuites.

Constat dramatique à mesure que le film s'égrène : le montage, les ralentis, l'hyper-rythme forcé ne suffisent plus. Les vertiges et points de vues disparaissent. Rapidement, on entreverra un exemple parfait d'homme dans la machine, à peine le temps de l'évoquer que l'idée aura disparu derrière les plans de courses. Les vertiges en IMAX de The Dark Knight ne trouvent aucuns écho dans ce Transformers 3, pourtant parti pour être un joli crû qui peine à garder sa hauteur d'homme et à contrôler ses ambitions pour être vraiment satisfaisant.
Les quelques idées susceptibles de faire poindre l'émotion et d'apporter de la grandeur à l'entreprise (l'introduction, la mort des personnages, le destin de Sam) sont annihilés dès que l'idée est amorcée et ne subsiste que la narration, pressée autant que possible. Pourtant l'amorce de la chose donnait du corps à l'entreprise en suggérant que la course aux étoiles des années 60 était motivée par un évènement extraterrestre sur la face cachée de la Lune (second révisionnisme estival avec la Crise des Missiles version X-Men First Class), revisitant l'histoire des États-Unis jusqu'à l'improbable caméo du real American hero, Buzz Aldrin lui-même.

Très logiquement, le film cherche l'annihilation totale avec son scénario de fin du monde, encore une fois tiré par les cheveux mais semblant concentrer l'essentiel des enjeux (pour ceux que ça intéresse encore) entre Autobots et Decepticons (tristesse des blagues foireuses, pauvreté des personnages secondaires, assimilations malheureuses des visages acteurs/robots). Bon courage pour les 2h30 de projection avec les lunettes 3D sur les yeux, la chose ne se faisant pas sans mal.
Avec Transformers 3, Michael Bay clôture son cycle mécanique fourbu, avec cette désagréable impression de vouloir tout fourrer, tout emboîter... pour passer à autre chose peut-être ? Non, ça serait trop en demander au plus grand apôtre de la déconstruction systématique du plan. Le bonhomme perd le capital sympathie qu'il avait su engranger précédemment (on se contrefout de tous les personnages) et n'offre véritablement rien auquel se raccrocher, même si on ne peut lui enlever une série de plans inouïs au cœur d'une Amérique qu'il n'aime jamais autant que quand elle est soumise à l'adversité la plus improbable.

Pour les nostalgiques d'amour vrai et de blockbuster dégénéré parfait, on parlait d'Armageddon au cours d'une rétrospective émue consacrée à Liv Tyler ici-même. Pour les autres, il reste des "je t'aime" vides de sens, des mots parmi d'autres qu'on échange sur le champ de bataille, avant un hors-champ qu'on devine aplani et stérile.

L'inédit cinéma: Take me home tonight, de Michael Dowse

2011-07-03T12:25:00.010+02:00

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En ces temps nostalgiques (Super 8 où es-tu ?), c'est maintenant un autre film qui prend le parti de reconstituer les années 80, leur ambiance et leur douce euphorie, sous couvert d'une mélancolie typique du cinéma de John Hughes. A la fin de l'été, un jeune diplômé sans grandes perspectives se retrouve face à des choix à faire alors que la vie d'adulte s'apprête à exploser le cadre de sa petite existence. Et alors qu'il court après la fille de ses rêves, il reste le temps d'une dernière soirée pour tout corriger.

Aux manettes de ce petit film, l'acteur Topher Grace qui se dévoile enfin comme quelqu'un de sympathique malgré ses rôles au cinéma peu reluisants. Ici, l'acteur de That 70's Show semble même imaginer ce que serait devenu son personnage dans les années 80, après les étapes essentielles que sont la remise des diplômes et le bal de promotion. A la base du projet dont il a eu l'idée, il a su piloter la chose, la produire et se donner le beau rôle comme on joue dans son propre film autobiographique. Mais ici il s'agit moins de se regarder le nombril que de rendre hommage à tout un pan de cinéma classique tout en se faisant énormément plaisir.
Son meilleur ami, joué par Dan Fogler est un ersatz de personnage secondaire vu très souvent, et ne brille pas nécessairement par son originalité. Pour autant, sa participation au film est plutôt appréciée vu les dérives grotesques dans lesquelles il se vautre avec délice.

Le duo d'acteurs invite en même temps tout le cinéma de Judd Apatow, Supergrave en tête: avec les deux pieds nickelés de Take me home tonight, c'est comme si on retrouvait Michael Cera et Jonah Hill, des années plus tard et toujours aussi paumés - le film emprunte aussi à Supergrave son espace-temps d'une nuit pour tout régler. De ce mélange étrange et nourrit de ses propres accouchements générationnels (de John Hughes à Apatow) surgit un film qui s'il n'est pas parfait, est parfois surprenant dans la façon qu'il a de traiter ses personnages (avec du cœur), d'évoquer brièvement cette décennie d'excès et de folie, et de passer par le traditionnel arrêt empirique du teen movie, la dernière soirée où tous les enjeux d'une vie se rejoignent.

Surnagent aussi deux personnages féminins ; l'un, campée par la greluche préférée d'Hollywood, n'est autre que Anna Faris, enfantée par la saga des Scary Movie. Elle y joue la sœur de Topher Grace dans un registre qu'on ne lui connaissait pas, moins folle et plus mesurée. L'autre personnage est l'objet de toutes les affections, incarnée par Teresa Palmer, aux faux airs de Kristen Stewart (la capacité de jouer et d'avoir des émotions en plus). Ce faux-semblant évoque brièvement Adventureland de Greg Mottola, scandaleusement inédit en France où une trame similaire se jouait avec Jesse Eisenberg (Zombieland, The Social Network) dans le rôle de l'individu énamouré. Si le rôle de Teresa - Tori - est schématique, elle synthétise bien tous les enjeux du personnage de Topher Grace.

On peut se poser la question légitime d'avoir affaire à un film pareil, produit en 2011 avec la patte ineffaçable du produit moderne. Le production design et la mise en scène trahissent la modernité du film, pourtant pas cynique dans son approche de recréer un film de teenagers tardifs en pleines interrogations. Le parti pris est même osé, laissant de côté le langage châtié pour se vautrer dans la gaudriole et les situations explicites avec notamment la représentation frontale des drogues (le film est interdit aux moins de 17 ans aux États-Unis). Si le tout n'est pas toujours heureux, il permet des moments de franches rigolades, de réparties sublimes et tranche littéralement avec l'idée qu'on pouvait se faire du film sur le papier.
Signalons aussi la présence de Michael Biehn au générique du film, l'acteur fétiche de James Cameron ayant été rappelé de sa retraite par Topher Grace qui a su convaincre le marines de Aliens de jouer son père : pour l'hommage et le plaisir.

Le film est sorti en mars dernier aux États-Unis, mais son score très mitigé au box-office n'a pas aidé à le promouvoir correctement à l'étranger. Aucune sortie ciné n'est prévue en France à l'heure actuelle.

Sortie ciné tardive : Fast & Furious 5, de Justin Lin (oui, pour de vrai.)

2011-06-01T19:01:00.005+02:00

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Souvenez-vous, en 2009 nous étions déjà dans les salles de ciné pour vérifier ce que donnait Fast & Furious 4...

On pouvait rigoler et à juste titre penser que la série des Fast & Furious serait très vite un vestige du passé un peu honteux. Seulement voilà, 10 ans (!!) après, les personnages sont toujours bien présents dans le paysage cinématographique américain, et loin d'être faible, ce cinquième épisode réunit toute la clique et offre un spectacle satisfaisant aux amateurs.
Avec les années, la série est même devenu un terrain de jeu de pure série B où l'on expérimente et se fait plaisir : Vin Diesel, qui s'était fait la malle après le premier épisode, est vite retombé en disgrâce et il en a été de même pour Paul Walker, qui après le deuxième épisode, comptait pourtant sur d'autres projets pour alimenter sa carrière. Sauf que rien ne s'est passé comme prévu et tout ce petit monde (personnages secondaires compris) s'est retrouvé pour un épisode 4 réjouissant et légèrement stupide, jusqu'à ce Fast 5 qui joue sur les plates-bandes du film de casse et, chose improbable, se permet même de laisser parler la poudre.

Le film commence où Fast & Furious 4 se terminait et la séquence d'introduction expédiée en 45 secondes introduit le leitmotiv : Fast 5 sera bigger and louder, et s'encombrera peu de la vraisemblance de ses actions.
Le film évacue d'ailleurs chastement la traditionnelle course de voitures tunées (marque de fabrique de la série) pour se concentrer sur l'amitié virile animant ses personnages et le casse du siècle se profilant à l'horizon. Ce faisant, Fast 5 prend ses aises et se permet d'expérimenter en terrain conquis ce que donne sa team de super-héros, entre Agence tous risques (pour l'invraisemblance) et Mission Impossible (la référence). Le propos est certes moins premier degré même s'il faut toujours se venger/fuir/se convaincre qu'on est hétéro, ici on rigole, on s'engueule, on prend soin de sa famille, avec toujours cet horizon un peu neuneu qui s'installe au bout d'un moment... car dès que ça parle, tout le monde se prend bien trop au sérieux.

L'argument choc de ces retrouvailles, c'est la prise en chasse du petit groupe par un nouveau venu particulièrement réjouissant. The Rock a déjà fait montre de son humour par le passé, ici il joue le flic de choc dépêché sur place quand il n'y a plus d'espoir : l'occasion d'un mano a mano particulièrement violent avec l'autre bête de foire, Vin Diesel ; les deux molosses s'en donnent à cœur joie dans leurs rôles respectifs et assurent le spectacle, proprement réjouissant.
La filiforme Gal Gadot, rescapée de l'épisode précédent, rejoint la team de bras cassés et joue l'atout charme aux côtés de Jordana Brewster et la nouvelle venue Elsa Pataky, qui joue de ses yeux noisettes en les plissant délicieusement pendant tout le film. Un régal. Ne manque que Michelle Rodriguez, éclipsée un peu injustement dans le film précédent au profit d'un argument scénaristique tiré par les cheveux (mais on ne sait jamais...)

L'histoire des Fast & Furious pèse aussi lourd dans la balance de ces retrouvailles : Tokyo Drift, s'il était anecdotique, avait le mérite d'introduire le personnage de Han, japonais entraîné dans ces courses illégales. Chronologiquement parlant, les épisodes 4 et 5 se déroulent avant Tokyo Drift où meure justement Han, coureur auto lorgnant du côté de Speed Racer (la coolitude tokioïte, comprenez-vous). Le voir agir autant à la cool, draguer et finalement annoncer qu'il irait bien faire un tour à Tokyo (boucler la boucle) a ce petit quelque chose de réjouissant.

FF joue ainsi beaucoup avec sa "mythologie", des scènes de courses devenant des scènes de poursuites empiétant chez Michael Bay à la récupération mécanique et quasi aberrante de toutes ses guests passées (mais où est Devon Aoki ?). Il est d'ailleurs étrange de voir cet objet filmique se citer avec autant de révérence alors qu'on l'a toujours limité à ce qu'il est (une série B)... pourtant le plaisir est bien là et la scène post-générique, comportant le caméo le plus réjouissant de cette année tous films confondus, témoigne bien de cette sympathie indéniable qu'on a pour ces fugitifs.

Hey coucou ! J'suis enceinte et je fais du freeride !

Les personnages passent le plus clair de leur temps à fuir, oblitérant le doux passé où nous les avons connus : branleurs, à bord de leurs automobiles customisées. Ici, il convient systématiquement d'aplanir, d'assainir, quel que soit le mode de transport : la vraie ouverture, celle du train, pose toutes les problématiques du film. Et tant pis si on est moins discret et subtil que la bande de Danny Ocean, ici, même les filles savent conduire (y compris les camions poubelles).

Avec son rythme endiablé et son ballet de ferraille qui vole, Fast 5 pèse lourd dans la balance des blockbusters de cette année, et le fait plutôt admirablement bien. Entre une course à pieds dans les favelas qui a l'air de faire très mal (d'ailleurs, plus c'est gros, plus ça passe) et un final rocambolesque où les deux larrons (Paul Walker et Vin Diesel) détruisent les limites du cadre en cherchant encore et toujours à s'enfuir, il y a à boire et à manger dans ce FF, entre plans iconiques jubilatoires, punchlines débiles et pure gratuité de la destruction mécanique.
Un régal pour qui sait reconnaître un spectacle bien préparé en ces temps de film d'action faisandé.

En attendant l'apparemment extraordinaire Drive de Nicolas Winding Refn avec Ryan Gosling en octobre prochain (prix de la mise en scène à Cannes cette année), le film d'automobiles (peut-on pousser jusqu'à l'appellation de "road-movie" ?) a de beau jour devant lui, entre ses conducteurs torturés, ses écrans de poussière à traverser et sa mécanique à triturer.

Ryan Gosling dans Drive

TREE OF LIFE, de Terrence Malick

2011-05-31T15:07:00.002+02:00

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Annoncé depuis plusieurs années comme un projet tout aussi mystérieux que l'est son auteur, Tree of Life devait être présenté à Cannes en 2010, avant de se voir repoussé à l'édition de cette année où la patience et la méticulosité de Terrence Malick semblent avoir payé : reparti avec la Palme d'Or du festival, le film ne laisse pas indifférent les spectateurs s'essayant à l'expérience.

Situé en partie dans les années 50, Tree of Life suit la vie d'un couple et de leurs trois enfants dont l'aîné assiste, impuissant, à la fin de l'innocence.

A l'image de sa bande-annonce, impressionnant travail à regarder en boucle, Tree of Life est d'une beauté sidérante qui semble tout à fait inédite. Le film en son entier est un voyage émotionnel d'une rare pureté, qui en dit long sur l'individu et ses choix, sur sa façon d'influer sur le monde, lui-même et ceux l'entourant ("if you do not love, your life will flash by"). Des questionnements difficilement traduisibles sur pellicule, qui, avec le cheminement personnel du personnage, portent sur l'origine et le sens de la vie (les Monty Python s'y sont aussi essayé), sur l'existence de la foi et du combat quotidien, à hauteur d'homme, vers une probable illumination ou simplement, une réponse ("Some day we'll understand it all, all things"). Des années plus tard, c'est justement ce fils aîné (Sean Penn), survivant, que l'on retrouve, au cheminement spirituel erratique, perdu.

Les comédiens sont éblouissants. Ces quelques corps qui peuplent le film sont les parfaits réceptacles du récit. Lancinante, la caméra les caresse de l'objectif, les entoure et capte des moments paraissant inédits, profondément touchants ; des visages filmés si près, dont on lit les tourments sans embarras, qu'on est tenté de détourner pudiquement le regard.
Brad Pitt, dont le statut aurait pu vampiriser le film, est au contraire en retrait, tout entier dévoué à la cause de Malick. Loin de parader, l'acteur accepte la prise de risque, l'âge, le rôle, et se fond tout entier dans cette figure de père autoritaire, double invariable de Dieu, à la colère incompréhensible, châtiant pour éduquer ("the way of nature"). Comme le questionne Job dans la Bible, citée en ouverture, quel est ce Dieu qui martyrise les hommes qu'il semble pourtant aimer indéfectiblement ? Ici, le parallèle est dressé.

Sans réponses préfabriquées, laissez-vous submerger par l'émotion insondable de Jessica Chastain (les premières minutes du film sont d'une beauté terrassante), les plans à la National Geographic des origines du monde, les virevoltements de la caméra autour des corps, ou ceux, proprement hypnotisant, du choc des vagues et du ressac infini... "The way of grace", incarnée par la figure de la mère, est une création divine. Un être si évanescent qu'on a trop peur de le perdre dans les méandres de la corruption inhérente au monde. Fondamentale, elle l'est assurément, tout comme l'est Jessica Chastain maintenant à nos yeux.
Tout appelle à la contemplation, comme une introspection sur grand écran où les personnages questionnent leurs rapports à Dieu, leur place dans l'univers, et de façon certes naïve, les traditionnels questionnements philosophiques tenaillant les hommes. Si le tout n'est pas d'une subtilité à toute épreuve (tout représenter n'était peut-être pas une si bonne idée), le travail a le mérite d'exister, réalisé en totale ostracisme certes, mais avec une abnégation et un sens du devoir proprement bouleversants.

Le film décrit avec une rare acuité la relation parents/enfants, les rapports de force en jeu à mesure que le temps passe et les préceptes d'une éducation menée de main de fer. Noyés dans le flot d'information continue du film, ces moments de pause dans un espace temps que l'on contrôle (le passé des personnages et de Malick lui-même) touchent et émeuvent, nous renvoyant à notre propre position de spectateurs.
Les dialogues sont rares, et tout le film est porté par ce flottement, ce poème inachevé, cette pensée toujours active, matérialisée par une voix off et par les interventions des comédiens, qui parcourent le film comme une épine dorsale nécessaire. La chute de la cellule familiale telle que décrite par Malick est terrible, et le centre d'un récit aux ramifications multiples.

Volontairement abscons, le film se vit plutôt qu'il ne se comprend vraiment, et c'est dénué de sarcasmes qu'il faut se prêter au jeu ; devant l'ambition incroyable de ce Tree of Life (entre autres, la vie d'une famille comme reflet de la Vie - là aussi c'est désuet), Terrence Malick embrasse ses thématiques à bras-le-corps et avec un sens touchant de la représentation, poussant aussi loin que possible la crédulité du spectateur face au spectacle désarmant, inouï et total qui s'affiche de façon tangible sur grand écran. Cette frontière passée, nombreux sont ceux à arrêter les frais, quand l'importance de la réflexion est à venir pour le cheminement du personnage de Sean Penn, et celui, plus personnel que l'on peut en retirer chacun de son côté.

Un point de vue comme un autre, qu'on peut choisir de suivre ou pas, mais qu'il faut en tous cas respecter tant la démarche à ce petit quelque chose d'héroïque et de fragile.

Totalement ragaillardi par cette expérience de cinéma, Terrence Malick est déjà en tournage de son prochain film avec entre autres grands noms Ben Affleck et Rachel McAdams (les craintes de voir le film vampirisé par ces acteurs sont de nouveau bien réelles). De la part du plus discret des réalisateurs - 5 films en 40 ans, chapeau -, l'annonce du projet est accueilli dans la liesse la plus totale, pour ce Untitled Terrence Malick Project décrit comme "a powerful and moving love story". Même en se vendant de la sorte, on y croit dur comme fer.
Revient, Malick.

9/10

Un tour non exhaustif de la comédie US des années 2000

2011-05-20T15:41:00.007+02:00

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Nul n'est censé ignorer que la comédie US fait un retour en fanfare depuis quelques années, avec un paquet de nouveaux visages prêts à en découdre avec l'humour potache (mais pas seulement). Comme une bonne partie de ces films ne trouve jamais le chemin des bacs à DVD en France, voici un petit tour d'horizon très humble de ce qui se fait de mieux en la matière : l'occasion aussi de réaliser que les talents comiques ont une forte tendance à communiquer entre eux, à se faire de multiples renvois pour sans cesse progresser.

Si un nom revient souvent, c'est bien celui de Judd Apatow, qui par son dynamisme, a relancé un peu tout l'intérêt de ces films. Déjà créateur de l'éphémère série Freaks and Geeks où il fait découvrir James Franco et Seth Rogen (parmi tant d'autres), il réalise quelques films sur le tard largement médiatisé en France : 40 ans toujours puceau (2005), En cloque - mode d'emploi (2007) et Funny People (2009), trois films intéressants dans leur description de la société américaine actuelle, n'échappant pas cependant à un schéma bien-pensant qui finit par distancer son public, surtout européen.
En fait, ce sont surtout ses productions alternatives, avec d'autres acteurs et d'autres réalisateurs, qui ont attiré l'œil et se révèlent être pour certains de très bons films, rassemblant une cohorte de comédiens dont on sait pertinemment qu'on les a vu ailleurs auparavant.

Superbad (Supergrave en VF - 2007), produit par Apatow, est un peu le haut du panier. Avec des archétypes d'ado américains représentés par Michael Cera (Scott Pilgrim - critique), Christopher Mintz-Plasse (Kick-Ass) et Jonah Hill, le récit suit les derniers moments d'une amitié avant la séparation pour la fac. Avec ses dialogues très offensifs (surtout grammaticalement) mais franchement réjouissants, c'est un peu à une dernière sortie de groupe qu'on assiste, entre les interrogations personnelles et celles, plus largement répandues, concernant le sexe féminin. On y rencontre le désormais légendaire McLovin, Bill Hader du SNL et Seth Rogen en flics un peu spéciaux.
La sempiternelle histoire d'amitié entre puceaux illumine le film et Emma Stone, rousse flamboyante qui joue aussi dans Easy A (critique ici, numéro 15) et Bienvenue à Zombieland, y fait des débuts prometteurs.

Pineapple Express (Délire Express en VF - 2008), c'est avec Seth Rogen, James Franco et Danny McBride, un vrai film de drogué pour les drogués qui aiment les drogues. A voir impérativement pour rire grassement, le film part dans des délires limites obscurs, éclate le carcan de la réalité avec ses outrages grotesques, et s'achève en vrai film d'action totalement assumé. En bonus, un épilogue en forme de discussion dans une cafeteria, paraît-il entièrement improvisé, scelle l'amitié de ses personnages déviants. Le film est réalisé par David Gordon Green, jusqu'ici plutôt tutélaire d'un certain ciné indé américain : on est tombé de haut.

On peut déjà dégager de ce film une sous-catégorie, un produit dérivé si l'on veut, de cet essai réussi : le comédien Danny McBride, qui d'éternel second rôle se voit un jour offrir le rôle-titre d'une série chez HBO. La série en question, Eastbound and Down, est un monument de comédie redneck où l'acteur joue un ancien joueur pro de baseball ayant foiré sa vie, et forcé de faire le prof dans sa ville natale.
Le produit garanti 100% offensant à chaque épisode est né des esprits de David Gordon Green (réalisateur), Jody Hill (réalisateur), Adam McKay (producteur), Ben Best (acteur, producteur), Will Ferrell (en caméo dans la saison 1) et Danny McBride lui-même, soit une ribambelle de sacrés rigolos exploitant leurs talents un peu partout (on y reviendra).

Autre production Apatow, You don't mess with the Zohan (Rien que pour vos cheveux en VF) est un OVNI dans le paysage ciné lorsqu'il sort en 2008. Dans un rôle d'agent du Mossad souhaitant rendre les armes pour devenir coiffeur à New-York, Adam Sandler (qu'on apprécie mal en France) trouve un rôle à sa juste démesure. Entre pur slapstick et blagues particulièrement offensives, le best of the best de l'anti-terrorisme n'y va pas par quatre chemins et explose littéralement tout ce qui lui barre le chemin, obligé qu'il est d'affronter à nouveau son nemesis historique incarné par John Torturro, cabotin comme jamais.

Parfois lourdingue dans ses séquences placements de produits, le film s'étire sur près de 2h et offre un spectacle ahurissant de bêtise mais parfois très vrai dans sa représentation des laissés pour compte du rêve américain, représenté par une communauté israëlo-palestienne où se réfugie Zohan. Une situation propice aux piques plus ou moins finaudes, étalant du stéréotype discutable par couches entières sans pour autant se moquer d'une situation politique encore très délicate.

Le film a malheureusement la fâcheuse tendance à fatiguer très vite si on n'est pas préparé au spectacle incongru, mais à voir dans une salle de ciné ricaine déchaînée, c'est une expérience unique !
> La critique sur EcranLarge

L'un des autres immanquables de cette liste est incontestablement Forgetting Sarah Marshall (Sans Sarah rien ne va en VF - 2008), une comédie romantique très chouette, l'une des meilleures réussites de l'écurie Apatow qui continue de prospérer. Soit l'histoire d'un compositeur (Jason Segel, Marshall de la série How I Met Your Mother) quitté par sa copine (Kristen Bell), tâchant de faire son deuil lors de vacances à Hawaï... jusqu'à ce qu'il retombe sur elle et son nouveau copain (Russel Brand, profession rock star).
Kristen Bell (inoubliable Veronica Mars) n'a pas le beau rôle mais s'en sort très bien, et le film, de tisser une jolie love story et le parcours d'un homme blessé qui essaie de se remettre. Attention, la délicate Mila Kunis y est irrésistible et entame une reconversion dans le ciné réussie. Jonah Hill, Paul Rudd, Bill Hader et James McBrayer (transfuge de 30 Rock) complètent les seconds rôles avec délectation et chaque ânerie débitée est parfaitement calée.

Un spin-off de ce film est sorti l'année dernière sous le titre de Get Him To The Greek (American Trip en VF - 2010). Le film reprend deux acteurs du film Sans Sarah rien ne va (Russel Brand et Jonah Hill), leur modifie légèrement la continuité établie (notamment pour Jonah Hill) et en fait un film différent, libéré, hyper drôle dans sa première heure et beaucoup moins après. Kristen Bell revient le temps d'un caméo et Puff Daddy mène la danse, où l'agent d'une firme musicale doit s'assurer du bon fonctionnement d'un évènement colossal en escortant une rock star déjantée à bon port. Et de Londres à Los Angeles, il y a une foule d'escales prétextes au n'importe quoi le plus grotesque.

The Hangover est un cas un peu à part dans cette liste, à cause de son succès surprise immédiat lors de sa sortie en 2009, sortant la comédie autiste de son coin pour la célébrer sur grand écran à grands coups de R Rated, une classification pourtant pas tendre avec les films qui la tentent.
Réalisé par le vétéran Todd Philips (Starsky et Hutch et surtout Back to School, avec déjà Vince Vaughn, Will Ferrell et Owen Wilson), The Hangover joue sur l'idée du black-out total d'une bande de 4 mecs venus fêter l'enterrement de vie de garçon de l'un d'entre eux, à Las Vegas, cité de tous les vices. Ce film est le tremplin pour Bradley Cooper (Alias, Serial Noceurs) qui depuis enchaîne les rôles de beau gosse, et pour Zack Galifianakis, depuis tiré de l'anonymat et splendide dans la géniale série new-yorkaise Bored to Death.
Le générique de fin de Very Bad Trip remporte tous les suffrages, surtout dans sa version Unrated. Et sa suite, sobrement intitulée Very Bad Trip 2, se passe à Bangkok, sort bientôt et reprend sans vergogne la même recette que le premier film. Succès garanti.

Il était temps d'y arriver : Les films de Will Ferrell sont en partie l'épicentre de ce mouvement où le comique règne en maître depuis de nombreux films. Dont l'indispensable Stepbrothers (Frangins malgré eux en VF - 2008) où, en compagnie de John C. Reilly, Will Ferrell campe un adulte abruti se comportant comme un gamin. Les deux sont bientôt forcé de cohabiter ensemble à cause du remariage de leurs parents respectifs, et la dégénérescence progressive s'ensuit, entre blagues nazis, crises de somnambulisme et plans débiles.
Le film dure peut-être un peu trop longtemps mais il y a de vrai morceau de bravoure géniaux, entre joutes verbales et situations débiles réjouissantes, dont le tournage du fameux clip "Boats and Hoes". Le tandem d'acteurs ayant déjà officié sur Ricky Bobby s'avère d'une redoutable efficacité dès qu'il s'agit d'agir comme des abrutis, et le couple formé par Richard Jenkins et Mary Steenburgen (parents à l'ouest) le leur rend bien.

L'année dernière, The Other Guys (Very Bad Cops en VF) est sorti, avec Will Ferrell et Mark Wahlberg dans les rôles titres, l'histoire de deux flics très nuls qui vont essayer de mener une enquête qui les dépasse. Là aussi c'est conneries sur conneries, avec un sens du rythme évident.
Et au-delà des pirouettes à effets spéciaux, il y a du dialogue plus ou moins subtil, des moments semblant volés (Michael Keaton jouant avec son flingue), un timing de comédie impeccable. Michael Keaton, Eva Mendes, The Rock et Samuel L. Jackson font ce qu'ils peuvent pour limiter les dégâts, mais trop tard, c'est la meilleure comédie déviante de 2010.

Autre film estampillé Will Ferrell à voir, celui par lequel presque tout commence : Présentateur Vedette: La légende de Ron Burgundy (2004), où Will incarne un présentateur TV à San Diego dans les années 70, alors en pleine révolution des mœurs. Un film qui compile prodigieusement le style Ferrell, constamment entouré d'acteurs aussi tordus que lui, pointant dans une direction, allant dans une autre, et hyper sensible à la gaudriole non-sensique. Un must du genre où l'on retrouve Steve Carrell, Seth Rogen, Paul Rudd, Chris Parnell et la géniale Christina Applegate qui essaie de se faire sa place auprès de la chaîne locale, comme co-présentatrice et collègue de Will Ferrell.

Pour compléter, jetons un coup d'œil à Talladega Nights (Ricky Bobby - Roi du circuit en VF, 2006), véritable charge contre le consumérisme américain et introduction au Nascar (sport religieusement suivi aux États-Unis), où Sacha Baron Cohen (Borat) joue un pilote français répondant au doux nom de "Jean Girard".

Fidèle compère de Will Ferrell, John C. Reilly y incarne son meilleur ami, coureur automobile lui aussi. Constamment à l'ombre de son ami, John C. Reilly sera finalement premier rôle dans Walk Hard - The Dewey Cox Story (2007), satire de biopic d'une rock star se basant sur les histoires d'artistes existant ou ayant existé, où Jack White des White Stripes incarne Elvis le temps d'un caméo.

Et Jack Kasdan, le réalisateur, n'est pas en reste puisqu'il réalise Bad Teacher, une comédie avec Cameron Diaz en prof détestable n'en ayant rien à faire de l'éducation qu'elle est censée dispenser à sa classe. Jusqu'à ce qu'arrive un proviseur susceptible de la tirer de sa misère, incarné par Justin Timberlake (trop facile)... Bonus de la chose, Jason Segel en plein bourre, lorgnant plus ou moins innocemment sur son rôle dans Forgetting Sarah Marshall. A l'heure où nous écrivons ces lignes, pas de détails si ce n'est un Red Band Trailer offensif comme jamais, où Cameron Diaz laisse enfin tomber le bien-pensant hypocrite pour lâcher du lest sur tout ce qui passe. Plus vraiment de subtilité, mais une dose énorme de vulgarité lancée telle quelle, pour tous les amateurs de jolies répliques.

Ces derniers temps, la comédie régressive reprend du poil de la bête avec des concurrents vraiment remontés. Si les frères Farrelly se font plus discrets qu'à la fin des années 90, on réalise peu à quel point ils ont été actifs dans les années 2000, avec pas moins de 7 films sortis sur grand écran (+ leurs productions annexes). Survoltés du bulbe et nantis d'une incroyable humanité envers leurs personnages, anti-héros d'une Amérique en ébullition, les Farrelly se sont fait pendant longtemps les fers de lance du film de freaks gentiment demeurés.
Dans leur production des années 2000 émergent L'Amour extra-large, Deux en un, Les Femmes de ses Rêves, soit autant de joyaux cachés où la galerie de freaks improbables mangeant l'écran, mettant peu à peu mal à l'aise le public tout-venant. Dans Deux en un, Matt Damon et Greg Kinnear sont frères siamois reliés au bassin, tentant pour l'un de devenir une star de cinéma à Hollywood, l'autre souhaitant se contenter d'une vie calme auprès d'une jeune fille. Le spectacle est total et tacle à tous les bastions de bienséance, tout comme dans L'Amour extra-large où Gwyneth Paltrow se grime en femme obèse dont Jack Black ne voit que la beauté intérieure. L'histoire est réjouissante et tend un moment à verser vers le politiquement correct si ce n'était pour cette scène bouleversante où le très superficiel personnage qu'incarne Jack Black réalise l'étendu du gâchis qu'il commet, alors qu'il visite des amis pensionnaires d'un hôpital.
Les Femmes des ses rêves, en plus de sa charge réjouissante sur l'institution du mariage, ajoute même un côté subversif à la politique des États-Unis en montrant son héros Ben Stiller bloqué au Mexique, tentant dans une scène hilarante de traverser la frontière illégalement pour rentrer chez lui.

En 2011, les Farrelly reviennent en force avec Hall Pass (Bon à tirer en VF, du nom du document final prêt à être "tiré" qu'on remet à l'imprimeur), avec le rescapé Owen Wilson (on t'aime Owen) et Jason Sudeikis, habitué du SNL et de 30 Rock, prenant enfin le premier rôle ! L'histoire est simple comme bonjour, voyant deux maris un peu scabreux se faire offrir par leurs femmes respectives un permis d'une semaine de folies en tous genres, sans conséquences pour leurs mariages. Comme par hasard, Christina Applegate est aussi dans les parages !
Le trailer est particulièrement réjouissant, où le rire passe par l'insinuation ou le lapsus vulgaire, où l'on revient enfin à un rire ouvertement régressif et provocateur uniquement pour le public facilement indigné : parce que les personnages, eux, n'en ont rien à faire.

Mais attention, il n'y a pas que Will Ferrell, les Farrelly et Apatow dans la vie, il y a aussi Kevin Smith ! Le monsieur est là depuis un moment et son intérêt pour la culture geek n'est plus à démontrer - c'est à se demander pourquoi il n'a toujours pas réussi à convaincre des producteurs de le laisser réaliser une adaptation de comics. Par le passé, Kevin Smith s'est fait grand maître dans l'art de cerner ses personnages, leurs intérêts et leurs envies par des dialogues ciselés et souvent réjouissants, malgré une légère tendance à l'autosatisfaction passant par des comédies aux intérêts discutables... Mais aujourd'hui, on parle de bons films :

Dans Clerks (1994), Kevin Smith filmait alors en noir et blanc deux employés d'une épicerie en proie aux problèmes existentiels mais aussi purement matériels de leurs vies respectives. 12 ans après, le constat est toujours le même alors que l'on retrouve ces deux employés quelques années plus tard, travaillant dans un fast food du New Jersey.
Clerks 2 (2006) retrouve ces deux personnages clefs (Dante et Randal) auxquels s'ajoutent Jay et Silent Bob ainsi que quelques autres personnages hauts en couleurs. Une nouvelle histoire d'amitié, de mecs qui savent pas quoi faire de leur vie, qui veulent tomber amoureux et tout laisser tomber, une sujet bien universel en somme qui n'a évidemment pas eu les honneurs d'une sortie salle en France.
Attention, il y a Rosario Dawson dans le film, jolie fille accomplie qu'on aime très fort, et des caméos de Ben Affleck, Jason Lee et Ethan Supplee (tous deux issus de la série My name is Earl) ainsi que Kevin Weisman (Marshall, dans la série Alias).

Autre Kévin Smith sorti en Direct-to-DVD en France, c'est Zack & Miri make a porno (Zack & Miri font un porno - 2008). Seth Rogen et Elizabeth Banks (l'autre blonde de la bande, avec Christina Applegate), sont deux colocs sans le sou qui pour payer leur loyer vont avoir l'idée de... tourner un porno, produit et réalisé par leurs soins.
Le film est d'une violence verbale ahurissante (et surtout hyper drôle) dans sa première heure, avant de perdre son rythme, la faute incombant à une histoire d'amour pointant le bout de son nez, prouvant une nouvelle fois que Kevin Smith est avant tout un romantique passionné.

L'autre atout indéniable de ce film, c'est sa volée de seconds rôles parmi lesquels Craig Robinson, Gerry Bednob en tenancier raciste, Brandon Routh et Justin Long qu'on attendait absolument pas là, ainsi que Jason Mewes en pornstar (autre habitué de Kevin Smith).
Regardez-le, c'est une fois de plus très très recommandé et Seth Rogen y est génial, notamment lors d'une scène de réunion entre anciens élèves.

En parallèle de cette petite bande se dressent les trublions du Saturday Night Live, émission à sketch (live) venue des États-Unis et véritable mine d'or de comiques, de Dan Aykroyd à Tina Fey. Les agitateurs d'aujourd'hui se nomment Adam Samberg, Akiva Schaffer, Jorma Taccone et Bill Hader, et en 2007, ils ont sortis Hot Rod, un film fabuleux, entre hommage et redécouverte ludique, sur un jeune homme auto-proclamé cascadeur, parti pour réaliser LA cascade à moto impossible. Tout cela pour réunir assez de fonds afin de sauver son beau-père mourant (Ian McShane).

Très rapidement, Hot Rod pose les bases d'un univers un peu déjanté où le slapstick sert la blague, entre chutes et collisions mortelles, rien n'arrête le cascadeur de l'extrême destiné à accomplir son rêve et pour cela entouré d'une équipe de bras cassés. Les blagues fusent, les jeux de montages se ressentent jusque dans les dialogues ("So ? Cool beans ?"), et parfois on se demande légitimement ce qu'on est train de regarder... Adam Samberg est formidable en cascadeur obsédé et profondément débile, entiché d'une jolie fille (Isla Fisher, choupicute).

Là encore, joli casting de suiveurs avec les habitués Bill Hader et Jorma Taccone, mais aussi Danny McBride (toujours) et Will Arnett (transfuge de feu la série Arrested Development qui a vue naître Michael Cera). Le prodigieux Chris Parnell (qu'on peut déjà admirer dans le rôle du Dr Spaceman dans la série 30 Rock), est aussi de la fête et joue ici un DJ de radio sur ondes AM, exhibant un tatouage montrant son mépris de la télé et de la radio FM.
Notez que le film est réalisé par Akiva Schaffer, troisième membre du groupe The Lonely Islands, qui nous délectent de tubes tels que I just had sex, I'm on a boat et Jizz in my pants.

Mais pas de Hot Rod sans une paternité difficile, un lien quasi filial unissant ce film avec le merveilleux Napoleon Dynamite de Jared Hess, sorti en 2004 et produit par MTV. Prenant à contre-courant tout le folklore teen-movie pour mieux l'écraser, le film prend le risque de se mettre à dos tout son public mais offre une chronique douce-amère sur un magnifique loser un peu lent, perdu au beau milieu de l'Amérique profonde entre un oncle abusif et un frère dragueur sur internet. Attention, je suis encore bien loin de vous avoir dévoilé toute la beauté de la chose qu'il faut vivre pour comprendre : lenteur posée de film indé, personnages abracadabrants, continuum espace-temps flingué (mais ça se passe quand ?) et désespoir à fleur de peau sont les constantes de cette superbe comédie. Attendez de voir débarquer les autruches, Pedro et sa campagne d'élection (l'acteur joue d'ailleurs dans la saison 2 de Eastbound and Down) ou la machine à remonter le temps, c'est réjouissant au possible sans se moquer de son spectateur.

L'autre WTF vidéo de cet article, c'est Observe & Report (2009), un film de Jody Hill qui n'est pas sorti en France mais qu'il vaut mieux regarder. L'éternel Seth Rogen y joue un flic de supermarché complètement abruti, amoureux d'une pouffe (Anna Faris, des Scary Movie), faisant régner l'ordre du mieux qu'il peut sur sa "juridiction".
Le film est d'une cruauté inconcevable envers ses multiples personnages, qui se trouvent tous être des losers, et le récit se suit comme une sorte d'hymne total à la stupidité. Sans rigoler c'est quelque chose de voir ça, le film ne recule devant rien et s'y fourvoie avec bonheur.
A ce titre, le final ubuesque et très discutable fait date, c'est à voir pour le croire. Avec en guest-stars Ray Liotta, Michael Pena (qui joue aussi dans la saison 2 de Eastbound and Down), des jumeaux chinois, un exhibitionniste, une mère alcoolique, du tabassage de skateurs... que du bonheur en somme !

Les offenses ne s'arrêtent pas là car Your Highness (Votre Majesté en VF) s'apprête à sortir. Avec une partie du casting du Pineapple Express en roue libre, il y a de quoi se réjouir : Danny McBride (un habitué maintenant), James Franco (il y jouait un dealer) et le réalisateur David Gordon Green, autrefois espoir du ciné indé américain. La divine Natalie Portman, qui suite à Black Swan (critique) peut tout se permettre, complète le casting, ce qui est un argument supplémentaire pour suivre des yeux le projet... L'autre atout féminin du film, Zooey Deschanel, commence à tourner en rond : à trop faire la fifille mutine et rétro (cf. ses derniers films et son rôle de leader du groupe She & Him), la voilà rabaissée à simple demoiselle en détresse légèrement nunuche.

Le film sort en France le 28 septembre 2011. Mais entre les blagues potaches et le décalage inhérent aux effets spéciaux montrant un monde d'heroic-fantasy, le doute est quand même de mise...

C'est en faisant un tel récapitulatif qu'on se rend compte à quel point les comédies US sont communicantes, au niveau du casting comme des créatifs, semblant s'influencer les unes les autres.
La crème de la crème de ces acteurs se réunit d'ailleurs dans un court-métrage commandité par les Beastie Boys eux-mêmes, à l'occasion de la sortie de leur album Hot Commitee Part II, et qu'on peut déjà trouver sur le net.

NB: Tous les liens fournis sont pour la plupart des liens IMDb car l'IMDb est la seule base de données ciné en ligne que vous devriez utiliser. Oubliez les autres.

Un article dédié à Olivier et Clément, qui m'encouragent.

True Grit, de Joel et Ethan Coen

2011-03-27T14:33:00.009+02:00

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Après l'incursion aux frontières du western qu'avait été No Country for Old Men, les frères Coen entrent dans le vif du sujet avec cette réinterprétation (selon leurs dires) du livre 100 dollars pour un shériff... lui-même déjà adapté au cinéma en 1969 avec John Wayne. Rythmé par une musique inquiétante de Johnny Cash à la funeste promesse, écho de la fuite du tueur Tom Chaney (Sooner or later / God's gonna cut you down), le premier trailer est une promesse de western particulièrement savoureuse.

D'emblée, True Grit adresse un hommage appuyée au passé dont il est issu. C'est en introduisant discrètement au score une reprise du thème "Leaning on the everlasting arms", qu'on dégage déjà une mélancolie intrinsèque au film, un air funèbre en marche. Un classique rendu célèbre au cinéma (pour les non-américains) par son utilisation répétée dans le chef d'œuvre éternel qu'est La Nuit du Chasseur de Charles Laughton (1955), air que le faux-prophète interprété par Robert Mitchum tend à ressasser.
La majorité de la bande-originale composée par Carter Burwell est d'ailleurs une variation autour du thème "Leaning on the everlasting arms", rappelant une sorte de parenté jamais reniée.

Si True Grit revêt bien les apparats du western, les deux frères semblent se concentrer ailleurs. La chasse est lancée, l'intrigue est linéaire... à la menace de traverser les territoires indiens, on ne trouve aucune réelle représentation, et le voyage n'est prétexte qu'au plaisir de croiser certains personnages cocasses. Lancé en pilotage automatique, les deux frères semblent sacrifier leur sens de la loufoquerie habituelle au profit d'une histoire sans réelle surprise, aux chemins banalisés : le film a d'ailleurs été un succès incroyable aux États-Unis lors de sa sortie, si l'on prend en compte le genre du film (le western en désuétude) et ses réalisateurs (pas reconnus pour leur production de blockbuster).
Malgré tout, le film offre dans ses plans, son montage et ses promesses des variantes réjouissantes de situations déjà vues, qui peuvent en remontrer à bien des tâcherons.

True Grit se veut un hymne à la vengeance sourde, mais pas barbare : Mattie Ross sait parfaitement qu'elle n'est pas de taille et pourtant, au nom de la justice et de son bon-droit, elle entend punir l'assassin de son père (elle-même s'il le faut comme le montre la séquence de la rivière). Le personnage est plein de bon-sens et de logique et est parfaitement consciente de la dureté de l'environnement dans lequel elle évolue. Elle n'hésite pas à avoir recours à une certaine ténacité, tout en sachant se montrer convaincante par une clarté d'esprit, allié à la précision et la justesse d'un vocabulaire semblant échapper au monde adulte : le comptable capitule, Rooster Cogburn accepte la mission, Tom Chaney, surpris, se laisse avoir.
Pour autant le personnage de Mattie Ross a une faiblesse : celui de ne pas être suffisamment humain, un paradoxe, quand on constate à quel point la jeune Hailee Steinfield peut être bouleversante.

Même si le second degré et l'absurde semble bien loin de ce film des frères Coen, certaines situations tendent à nous rappeler le sens de l'humour des frangins, qui dédramatise rapidement la chose : le personnage de Jeff Bridges est un ivrogne, Matt Damon est ridicule et n'aura jamais le temps de déclamer ses punchlines, et on trouve parmi la bande de cowboys sans foi ni loi quelqu'un d'un peu perdu poussant des cris d'animaux... Dans cette histoire, la vraie victime est la petite Mattie Ross, qui suite à cette aventure ne fera jamais vraiment le deuil des hommes ayant traversé sa vie à cet instant.

Le fameux Tom Chaney, cowboy un peu minable, n'est qu'un pantin un peu lent, pas bien conscient des enjeux en cours. La beauté de la chose, c'est ce grand écart de Josh Brolin, qui offre enfin l'assurance que celui-ci peut bien jouer les cowboys : le montage en flux ultra-tendu de Jonah Hex ne lui avait pas donné le temps de nous assurer de la chose, malgré un rôle originellement très intéressant et parfaitement tragique si l'on se réfère au comic-book original.
Comme tous les hommes de ce long-métrage, Tom Chaney disparaît en hors-champ et s'éclipse comme si de rien n'était. Au final, peu importe son sort, qu'on sait funeste (c'était la promesse du long-métrage), bien vite on passe de nouveau à autre chose, dans le sillage d'un conte un peu tordu de far-west... mais c'est déjà fini.

La dernière pirouette du scénario n'est qu'un prétexte à clôturer la douce épopée, où le chasseur de primes et son employée se trouvent tous deux un autre rôle, complémentaires l'un avec l'autre. L'occasion d'une dernière balade dans les plaines (qui manque singulièrement de Scope), la nuit, où règne l'ombre de La Nuit du Chasseur.
Pour boucler la boucle, "Leaning on the everlasting arms" est finalement ouvertement reprise dans cette séquence crépusculaire, adaptant les paroles à l'action (plus ou moins, "se reposer sur les bras jamais faillibles d'un sauveur"). La beauté intrinsèque de la scène, quoique déjà vue, est foudroyante.

Malheureusement moins riche, implacable et définitif que ne le laissait supposer sa bande-annonce, True Grit est tout de même un petit bonheur de film qui, à mesure qu'il s'égrène, nous fait réaliser ses évidentes qualités tout en mettant en lumière ses faiblesses : à trop l'avoir joué accessible, prémâché, les frère Coen ont perdu un peu de cœur, de cran. De "grit", en somme.

Photographe à ses heures, Jeff Bridges a profité du tournage pour prendre quelques clichés mis en ligne sur son site. Cliquez ici pour accéder à des panoramiques en N&B, des images de western ou d'acteurs au repos... tout ce qu'on aime.

L'Amérique oubliée des ados: J.J. Abrams (Super 8) + Spike Jonze (Scenes from the suburbs)

2011-03-18T14:44:00.008+01:00

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Au départ, un simple trailer assez obscur précédant Iron Man 2 où un train déraille spectaculairement, suggérant la catastrophe d'origine inconnue à venir. A ce moment-là, on ne sait rien du film et ce n'est qu'avec le premier spot de trente secondes diffusé pendant le Superbowl que l'on découvre ces bribes d'histoires et ce retour à l'essentiel, à la petite bourgade et aux années 80 qui nous ont émerveillés. Le premier trailer de Super 8 est enfin disponible et là, miracle : une promesse de blockbuster divertissant et ambitieux, bien réalisé et en appelant à tout un pan du cinéma nous ayant élevé, comme une euphorie nostalgique.

Super 8 nous propulse dans une ville de l'Ohio en 1979 où au cours d'un été, quelques amis décident de tourner un petit film grâce à une caméra Super 8. Témoin d'un accident ferroviaire majeur, la petite ville va se retrouver exposée à des phénomènes inexpliqués qui mettront en émoi toute la communauté.

Derrière ce projet, deux têtes pensantes très actives : J.J. Abrams qui réalise ici son troisième film après les très ludiques Mission Impossible 3 et Star Trek, et le parrain de toute la génération entertainment, Steven Spielberg lui-même. Impossible de ne pas penser à lui à la vue des premières images, de l'atmosphère générale et du sujet en lui-même : la recette qui a fait de ses films passés un trésor inestimable semble ici réincarnée. Cependant, la paternité du projet revient à J.J. Abrams qui en a conçu le scénario et dont la façon de teaser la chose rappelle la campagne marketing de Cloverfield, qu'il a produit à l'époque. Le trailer, très malin et immensément respectueux de ses spectateurs, ne spoile aucunes péripéties et semble vouloir montrer la volonté d'égrainer les surprises petit à petit.

Un film touchant de multiples genres, semblant tout prêt à rendre hommage à un pan du cinéma, et déjà doté d'une mise en abîme paternelle et appuyée : Spielberg qui produit un film "à la Spielberg", un film dont on aurait pu croire l'existence reléguée à nos merveilleux souvenirs d'enfance.
Et pourtant tout est là, à portée de mains. Sortie le 3 août 2011 en France.

Tourné comme un écho à ce film mais aussi dans la continuité du clip The Suburbs réalisé l'année dernière pour le single d'Arcade Fire, le réalisateur Spike Jonze se replonge dans un souvenir similaire, attaché qu'il est à cette période perdue. Le court-métrage annoncé de 28 minutes et appelé "Scenes from the suburbs" a été réalisé avec le concours des membres du groupe Arcade Fire, une bande de jeunes débutants et toute l'excitation d'un projet original.
Soit l'histoire d'une bande d'ados confinés militairement dans leur petite ville de l'Amérique profonde, alors qu'à l'extérieur de la ville une guerre éclate. Retenus dans cette ville, ils ont l'été et toute la vie devant eux, à moins que le monde des adultes ne s'immisce trop rapidement dans leur quotidien.

Le propos à moins à voir avec la situation géopolitique fantasmée que les tranches de vie adolescentes ici représentées, entre glandes d'après-midi, errements aux limites de la ville et autres occupations. À ce titre, l'album entier de Arcade Fire, The Suburbs, peut se réécouter dans cette pure optique de souvenirs, d'étés perdus, de premières fois et finalement, de mélancolie intrinsèque.

Sortie du court-métrage en DVD au mois de mai ; trailer tout de suite :

Black Swan, de Darren Aronofsky : Cygnes extérieurs de richesse

2011-02-16T19:38:00.002+01:00

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Deux ans après The Wrestler, Darren Aronofsky refait surface. Loin de céder aux sirènes du blockbuster (l'hérétique remake de Robocop, bloqué depuis quelques temps maintenant), le réalisateur se replonge tout entier dans un projet pour lequel on ne lui refuse plus rien, reprenant une formule déjà éprouvée, sertie de quelques joyaux de taille... Et en suivant l'histoire d'une jeune ballerine, membre d'une éminente troupe de New-York, le réalisateur trouve un sujet en or.

Il est étrange de voir ainsi révélée Natalie Portman, comme si on la découvrait enfin alors qu'on l'a toujours côtoyée, sur pellicule ou dans les magazines. Notre génération l’a toujours connue et estimée, de Léon en 1994 à V pour Vendetta en 2006, en passant par son rôle assez transparent de Princesse Amidala dans la nouvelle trilogie Star Wars. Car il est vrai que la jeune femme se sera rarement illustrée au cinéma, malgré une présence et un charisme indéniable. Closer était vite oublié, et My Blueberry Nights, malgré son rôle, lui donnait peu de constance face à Norah Jones et surtout Rachel Weisz. Les initiés avaient tôt fait de la retrouver aussi intrigante que séduisante dans Hotel Chevalier, le court-métrage ouvrant The Darjeeling Limited de Wes Anderson.

L’instant de bluff ultime, c’était dans Retour à Cold Mountain et ses 15 minutes de présence à l’écran où Natalie est nommée à l’Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Avec Black Swan, la belle Natalie gagne ses galons d’authentique actrice, durement gagnés. Pour un rôle qu’elle estime aujourd’hui « nocif », combien d’actrices auraient loupé le virage, celui de manœuvrer correctement un script parfois sibyllin, retors et aisément incompréhensible. Elle s’en sort avec les honneurs, ce dont on n’avait jamais douté. Il faut voir son corps meurtri, étranglé, asphyxié, tout entier dévoué à la cause de son rôle. En Nina Sayers, Natalie Portman crève l’écran.

Bien vite, Darren Aronofsky ne cache plus sa douleur : avec son ballet en crise, il va faire plonger ses personnages très loin, jusqu'à un point de non-retour particulièrement éprouvant. Sous la douceur infinie des représentations se cache un enfer de préparation, de pression morale et physique impossible à gérer sans un tempérament de fer, d’une rare combativité. Au-delà de la simple préparation physique, aussi cruelle qu’astreignante pour le corps, se dissimule une face cachée, celle de la compétition et des coups tordus, des tentations et des valeurs auxquelles tenir.

Dans cette décharge d'énergie et de non-dits mis en scène, un regret cependant : qu’en systématisant la caméra à l’épaule, pour être au plus proche de ces tranches de vies, Aronofsky sacrifie la lisibilité de chorégraphies ultra millimétrées, où l’erreur n’a aucun champ libre. Quelques rares séquences en plan fixe permettent de mesurer la beauté et l’investissement qu’il faut à ces femmes pour réussir.

Outre Natalie Portman éclate un casting de talents indéniables : Wynona Ryder, qu’on croyait jeune à jamais dans le recoin de nos souvenirs ténus, nous rappelle la dure réalité des années qui passent. Mila Kunis, récemment redécouverte sur grand écran (Forgetting Sarah Marshall, The Book of Eli – critique), joue ce qu’elle sait jouer de mieux : la tentatrice, l’idéal d’assurance et de féminité, bien consciente de ses charmes. Quant à Vincent Cassel, plus à l'aise que chez Cronenberg, il compose un rôle de chorégraphe ambiguë ajoutant au parfum trouble qui baigne le long-métrage, noyant davantage son actrice principale déjà étouffée par une mère possessive, vivant ses rêves par procuration (Barbara Hershey, de plus en plus troublante).

Aronofsky réitère l’exploit et décrypte de manière clandestine un milieu caché, hyper exclusif, dur et envoutant : suivant sa troupe de ballet et son héroïne meurtrie, il nous offre un portrait de femme magnifique, trop dévouée à son art pour faillir, trop humaine pour réussir.

8/10

2010 au ciné : La suite et fin en 10 films

2011-01-03T15:08:00.005+01:00

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Suite et fin du top 2010 avec les 10 autres films qu'on retiendra cette année. Surprise de dernière minute, j'ai eu l'occasion inattendue de combler un retard en matière de film français qui entre directement dans la liste et chamboule un peu l'ordre préétabli.

Les 5 premiers lauréats se trouvent ici.

6 - Toy Story 3 ( Lee Unkrich)
A force de truster les places chaque année avec leur production annuelle, on a failli laisser passer le Pixar nouveau, suite tardive au Toy Story 2 sorti en 1999. Avec à son bord Lee Unkrich, habitué des studios, le projet est entre de bonnes mains dès sa gestation après failli passer chez Disney avec à son bord une nouvelle équipe de développeurs. Jouant avec un équilibre ténu entre la nostalgie et la nécessité d'aller de l'avant, reprenant dans les grandes largeurs des thèmes universels comme l'amitié et la nécessité de faire front commun face à l'adversité, le film part sur des registres connus avec un nouvel environnement et un univers familier. Après une mise en situation classique, le film fait soudainement très fort dans sa plongée vers le film d'évasion, vers un point de non-retour pour les protagonistes de l'histoire. Ajoutant des péripéties aux échos singuliers, on est soudain confronté à l'inconcevable, au détour d'une séquence hallucinante : baissant les bras, les héros sont soudainement résignés à leur situation.

Et voir finalement ce benêt inconscient d'Andy ému à l'idée de quitter sa bande de jouets nous renvoie à notre simple position de spectateur, avec un gros pincement au cœur.

7 - Bright Star (Jane Campion)
Le crève-cœur en costume.
Un couple parfait (Abbie Cornish et Ben Wishaw).
Un petit chat qui essaie d'attraper des papillons.
Du vent dans les rideaux.
La plus belle affiche de l'année.

On en parlait ici.

8 - An Education (Lone Scherfig)
Déjà présent dans le top de Tarantino l'année dernière, le film n'est sorti en France qu'en début d'année, autorisant une mise au point tardive. Scénarisé par Nick Hornby (spécialiste des petits tourments affectifs), le film se fait l'écho d'une certaine Angleterre, peu avant les Swinging Sixties l'ayant emportée très loin. On y trouve un Peter Sarsgaard en gendre idéal malgré les secrets l'entourant, s'entichant d'une jeune fille prête à s'affranchir, qu'on ne lâchera pas d'une semelle entre le foyer familial stérile et l'école poussiéreuse.
Dans cette chronique douce-amère, trois actrices adorées : Carey Mulligan, dont la jolie frimousse salvatrice joue à son avantage dans cette intrigue jamais ennuyeuse mais quelque peu convenue, Olivia Williams (épouse délaissée dans The Ghost Writer, PDG dominatrice dans la série Dollhouse) en prof avisée à qui on ne la fait pas et enfin la merveilleuse Rosamund Pike, malheureusement parfaite dans un rôle d'idiote écervelée.

De cette chronique d'une époque et d'une fille trompée, la réalisatrice se contente de réaliser un film d'apprentissage classique marchant à l'énergie de ses comédiens. Pas de surprises majeures à relever, malgré les personnages abordés (Alfred Molina , tâchant juste d'être un bon père), tous perdus au tournant du siècle, tous confinés à se tenir à ce qu'on attend d'eux plutôt que d'aller de l'avant...

*La femme de l'année au cinéma, c'est Carey Mulligan, présente partout : bouleversante à chaque apparition dans le très clinique Wall Street 2 de Oliver Stone, à la limite du caméo torturé dans Brothers et enfin, premier rôle dans Never Let Me Go, film du clippeur Mark Romanek qui ne nous fera les honneurs d'une sortie salle que cette année (trailer).

9 - El Secreto de sus ojos/Dans ses yeux (Juan José Campanella)
En 1974, Benjamin Esposito enquête sur le meurtre violent d'une jeune femme. 25 ans plus tard, le livre qu'il écrit, inspiré de l'affaire, le replonge dans l'affaire, l'Argentine troublée des années de plomb et son amour inavoué pour sa collègue de travail.
Se jouant sur deux tableaux temporels, Dans ses yeux tire la couverture à lui grâce à l'acteur Ricardo Darìn, portant le film de bout en bout. Avec une structure hyper rigoureuse dans sa construction, la gestion de ses flashbacks et de ses personnages, le film prend de l'assurance et une ampleur émotionnelle incroyable à mesure qu'il avance. Collant toujours au destin de ses personnages perdus dans la tourmente d'une époque, tous à jamais hanté par le visage d'une innocente dont on a volé la vie, le film se dirige innocemment vers le film de genre en fin de métrage. Une belle réussite, classique mais parfaitement exécutée.

En bonus, un plan-séquence hallucinant techniquement, digne d'un De Palma, commençant haut dans le ciel pour se terminer face contre terre.

10 - The Other Guys/Very Bad Cops en VF (Adam McKay)
Les retrouvailles savoureuses d'Adam McKay et Will Ferrell, après deux films dont un Stepbrothers de bonne mémoire ; cette fois-ci ils s'adjoignent les services de Mark Wahlberg, en état de grâce depuis quelques films (The Fighter, We Own the Night, Les Infiltrés) pour tomber à bras raccourcis sur le buddy-movie à forte tendance débilitante.
Ouvrant le bal, Samuel L. Jackson et The Rock font très fort et on peut légitimement se demander ce qu'aurait donné le film avec eux plutôt qu'avec les deux autres losers, mais force est de constater que le film reste très fort même sans eux. Alors qu'on assiste aux "exploits" de ces deux flics badass, une séquence qui aurait pu briser tout l'équilibre du film les envoie aux fraises et relance la machine comme jamais avec une passation de pouvoir à Ferrell et Wahlberg qui ne relâcheront jamais la pression.

Au-delà de la machinerie hollywodienne, le réalisateur capte quelques moments parfaits de comédie où tout respose sur les comédiens. De Mickael Keaton (qu'on ne voit pas assez) à Marlon Wayans (et sa dernière réplique à hurler de rire), en passant par Eva Mendès, très à l'aise dans cette débauche de stupidité, tout semble parfaitement concourir à la réussite de l'équipée sauvage. En définitive, The Other Guys est une énorme farce où rayonne les deux zigotos, doublée d'un état des lieux de la fraude fiscale en guise de générique (bien plus efficace que Wall Street 2)

Il est probable que le film vieillisse mal en regard de ses gags ou situations, mais The Other Guys est tellement efficace sur le coup qu'on lui accorde volontiers le bénéfice du doute. De plus, face à la concurrence (dont Get Him to the Greek et sa dernière heure, hors-sujet), The Other Guys tient parfaitement la distance, se fourvoie dans un grotesque constant, et ne cède rien aux culs-bénis.

11 - À bout portant (Fred Cavayé)
Samuel a une vie épanouie. Il sera bientôt infirmier, et sa femme Nadia attend leur premier enfant. Tout va bien jusqu'à ce que sa femme se fait kidnapper sous ses yeux et qu'on lui demande de faire évader un prisonnier blessé, sous bonne garde à l'hôpital où il travaille. À partir de là, rien ne va plus.
Sur ce postulat de départ très mince, Fred Cavayé (Pour Elle) monte un suspense simple mais très efficace où Gilles Lelouche, protagoniste désespéré, va se retrouver acteur d'une course-poursuite tendue jusqu'à récupérer sa femme, sans vraiment savoir où vont le mener ses actions. Le sentiment d'empathie pour le personnage monte crescendo à mesure que l'étau se resserre autour de lui, la situation de sa femme enceinte accentuant encore plus l'effet d'explosion sourde que provoque sa fuite éperdue dans un Paris couvert par les caméras de surveillance, la police et les problèmes en tous genres. Quelques grosses facilités faussent un peu l'ensemble mais au final la tension déployée amoindrit considérablement leur impact. Totalement assumé comme un film policier, voire de genre, sans scénario à ramifications multiples, À bout portant est une excellente initiative de cinéma, qui sera suivie de près par La Proie de Eric Valette, où Albert Dupontel fera aussi beaucoup de course à pieds.

12 - Fantastic Mr Fox (Wes Anderson)
Après quelques films, Wes Anderson a digéré la grammaire indé-hipster qu'il a aidé à créer, tant et si bien que son dernier projet en date ne pouvait s'exprimer que sous un nouveau cadre : le film d'animation en stop-motion, technique laborieuse et aujourd'hui délaissée pour le film de synthèse (son successeur officiel), dont le souverain en est Pixar. Basé sur un livre de Roald Dahl, Fantastic Mr Fox renoue avec Le Vent dans les Saules en racontant les aventures d'un renard malin aspirant à retrouver son animalité, étouffée par les impeccables costumes qu'il porte.
Marrant, qu'entre recherche d'ascendance sociale (le déménagement dans un meilleur "quartier") et besoin de reconnaissance de ses pairs (Mr Fox semble tout gérer, tout mener de front), le renard parte piller les fermiers locaux...

Au final, peu importent ces rumeurs alarmantes au moment du tournage indiquant que le réalisateur n'était jamais présent sur le plateau, préférant diriger ces animateurs depuis chez lui, par l'entremise de Skype... On se doute bien que la magie du film découle du savoir-faire des techniciens en charge du film, Anderson n'y apporte finalement que son prestige et un sacré casting vocal parmi lesquels George Clooney, Meryl Streep, Jason Schwatrzmann (présent depuis Rushmore et volant de ses propres ailes dans l'excellente série Bored to Death), Bill Murray et même Jarvis Cocker le temps d'une chanson (la séquence n'a d'ailleurs pas d'autre ambition que de signaler la présence du chanteur de Pulp au générique...)
Le film pose tout le temps mais le nouveau carcan et terrain de jeu déniché par le réalisateur (moitié film de marionnette et d'animation) est le lieu d'expression idéal au décalage typique du cinéma de Wes Anderson. Le bagout de George Clooney, venu frimer de sa voix suave, y est aussi pour beaucoup.

La théâtralité toute particulière développée dans les films précédents du bonhomme sied ici parfaitement au film en stop-motion. Les fameux plan de face ou de côté du réalisateur sont d'une logique imparable dès que s'animent le petit bestiaire à l'écran. On sent d'ailleurs les studios Aardman (les Wallace et Gromit) un peu anxieux à l'idée d'avoir à rivaliser avec un aussi joli film, si d'aventure le courageux studio s'essayait de nouveau à l'aventure.
Derrière la pose et le jeu constant, Fantastic Mr Fox est d'une beauté éblouissante, dont l'aspect fait-main y est pour beaucoup. Les yeux rivés sur l'écran, on est fasciné par ce qu'il s'y passe et par le soin apporté aux détails les plus minimes (poils, fumée, eau, tout y passe). Toutefois le film semble ne plus vraiment savoir comment s'achever, et le scénario réserve provoque des soubresauts d'aventures pour faire durer le plaisir...

13 - Piranha 3D (Alexandre Aja)
Le film de l'été, régressif et hilarant. Produit par Dimension Films et réalisé par le français Alexandre Aja déjà responsable du remake de La Colline a des Yeux, Piranha 3D n'inspirait pas grand chose à cause de son relent Z et opportuniste. Avec son postulat de départ aussi débile qu'attachant (des piranhas préhistoriques s'éveillent et mettent une petite ville portuaire à sang durant le Spring Break), Aja remake le Piranha de James Cameron et s'en donne à cœur joie. L'affiche ne trompe pas : tout est dans l'hommage et la bonne humeur, avec Elizabeth Shue, rescapée du Hollow Man de Verhoeven, le has-been Jerry O'Connell détestable au possible, et aussi Christopher Lloyd en mode Retour vers le Futur et même Richard Dreyfuss en ouverture.

Piranha 3D reste un film hyper tendancieux, racolant à tous vents. La présence d'actrices pornos (dont Riley Steele) dans le casting ne laisse pas de doute sur l'entreprise : on s'éclate, pousse les baffles à fond, le tout dans une orgie de boobs et de fesses que n'aurait pas renié les producteurs de Pure18. Eli Roth (Hostel) fait aussi partie de la chose, qui à mesure qu'elle avance, bute son casting, privilégie les cris à la musique et se termine en petit survival sympathique.

14 - The American (Anton Corbijn)
Le second film d'Anton Corbijn (Control) commence avec le constat effroyable que se fait un homme : s'il veut (sur)vivre, il n'y parviendra qu'en restant seul, isolé. Traqué, il se réfugie dans un village d'Italie où patiemment, il attend, s'éprend d'une prostituée, sympathise avec un prêtre... Rien de très passionnant a priori (ces situations s'imposent à lui) sauf que le personnage mis en scène par le réalisateur est suffisamment mystérieux pour qu'on s'intéresse à ses allers et venues, ses activités, son dernier "job"...
Avec sa réalisation millimétrée et parfaitement épurée (aucun effet inutilement nécessaire), le film prend doucement son temps mais n'est jamais froid et clinique dans sa façon d'aborder le quotidien d'un homme rôdé à la survie : méticulosité et sens de l'anticipation vont main dans la main vers un même destin. La réalisation sobre tend même à rendre chaleureux l'entreprise, et fait monter en puissance chaque éclair de violence ou reprise d'humanité. On s'en doutait, la véritable originalité n'est pas ici de mise et personne ne s'étonnera de retrouver un plan final similaire à celui de Control.
La tragédie comme marque de fabrique ? On attend la suite, Mr Corbijn.

♥ Coup de cœur : 15 - Easy A (Will Gluck)
"John Hughes did not direct my life". Ces paroles, prononcées à mi-parcours de Easy A par Emma Stone en pleine confession en dit long sur les intentions de base du film et à quel point le réalisateur américain a marqué les esprits dans les années 80.

Easy A, c'est - grossièrement - l'histoire d'Olive, une écolière douée qui, regrettant l'absence de romantisme dans son monde va tâcher de développer son contraire absolu : succombant à la pression de ses pairs, elle se fait passer pour la trainée de la fac, s'en amuse et assiste à son propre changement de statut dans une Amérique de campus déshumanisée (on pense notamment à Saved! de Brian Dannelly)
Depuis les belles années de John Hughes, les mœurs ont changé. On y parle ouvertement de coucher avec des garçons (et non pas avec "le" garçon), les nouvelles technologies ont envahi les relations (elles les déterminent aussi), chose à laquelle s'ajoute une confrontation bien plus directe avec ses congénères - sans oublier les adultes, bien présents cette fois-ci. Si finalement cette débauche moderne vulgarisée par de trop nombreux films se montre bien superficielle, elle sert l'instant, le moment vécu : vivre sa vie d'ado en 2010, c'est pas plus facile qu'en 1985.

Loin d'être farouche, l'héroïne est aussi sensible et intelligente, ce qui n'enlève rien à son charme. La gouaille de Emma Stone fait tout passer, les répliques sont cinglantes et malines, et le charisme de la miss dépasse le simple rôle à l'écran. On ne peut se réjouir plus de la savoir jouer Gwen Stacy dans le reboot de Spider-Man ! Le film lui réserve de très bons moments de comédie qui font aussi de Easy A la farce la plus cruelle en milieu scolaire depuis Mean Girls.
Pour une fois, même la galerie de personnages secondaires, principalement des adultes, sont intéressants. Ils vont tous à un moment ou à un autre interférer sur l'histoire, comme autant de balises sur le chemin. Thomas Haden Church est très bon en prof intègre mais ce sont les parents de Olive, interprétés par Stanley Tucci et Patricia Clarkson qui retiennent toute l'attention, présents, ouverts, hilarants et parfois aussi bien à la masse.

Bref, bonne surprise, "plaisir presque pas coupable" on dira pour s'excuser auprès des puristes. On en ressort pas l'œil mouillé ni même complètement charmé mais l'intention et les efforts sont louables, et cette reprise de Deep Purple (écho direct au Breakfast Club) en fin de film se posent comme autant de détails affirmant que la petite histoire des relations entre ados à tendance à se répéter, de décennies en décennies, avec toujours la même mélancolie.

Pourquoi pas Kick-Ass ?
Un problème à tout ça : contrairement au comics, qui bien qu'outrancier, garde une certaine ligne de conduite, le film n'hésite pas à faire basculer son personnage principal dans un grand-guignolesque de bas étage : le simple ado geek "tue des méchants" dans ses dernières séquences, de sang-froid et avec une réjouissance glaçante. Dès lors, tout lien psychologique avec lui est ici impossible et tout le cheminement narratif, jeté aux oubliettes. La séquence du jet-pack essaie de dédramatiser la chose mais le mal est fait, avec une responsabilité qui échoie sur les frêles épaules du personnage.
Reste un superbe rôle pour Nicolas Cage (diction étrange, psychologiquement instable), avec celui qu'il tient dans Bad Lieutenant.

Dans les films me restant à voir pour considérer les choses mieux, citons Enter the Void, Tamara Drewe, Robin des Bois, Esther, Rare Exports, Oncle Boonme, Mammuth, Agora, Les Chèvres du Pentagone, I Love You Philip Morris
Sinon, on a aussi eu droit à quelques gros nuls dans le tas : Salt, Le Choc des Titans, When in Rome (mon amour de Veronica Mars m'a emmené très loin, ce film ne devrait ne jamais sortir au ciné pitié, malgré quelques références à Napoleon Dynamite).
Pendant ce temps-là, on attend toujours la sortie du score de John Murphy, composé pour Sunshine !!

A bientôt pour une belle année ciné, déjà assurée par Terrence Malick et les frères Coen.

5 films qui ont marqué 2010 (partie 1)

2010-12-31T20:39:00.004+01:00

Un article à retrouver dans son environnement naturel, sur http://geekmehard.blogspot.com

Un top encore une fois personnel puisqu'ayant été exilé une année à l'étranger, j'ai loupé bon nombre des films projetés et n'ai absolument rien vu de français dans le lot...
Mes excuses pour ma présence d'Avatar dans le top de l'année dernière, on fait tous des erreurs (du moment qu'on les reconnaît). Malheureusement je me suis fait prendre en traître par le temps et n'ai pas eu le temps de faire un top complet, du coup on commence par les 5 premiers et on finira par la suite la prochaine fois.

1 - The Social Network (David Fincher)
Maintenant qu'on l'a vu, c'est d'une évidence toute palpable. Mais à l'époque, annoncer un film sur Facebook, c'était comme d'avancer la mise en chantier d'un film sur le Monopoly (en projet chez les frères Scott) : on en voyait pas vraiment l'utilité. Sauf qu'avec le scénariste Aaron Sorkin (A la Maison Blanche) et David Fincher aux commandes du projet, difficile de ne pas surveiller la chose de près.
Demi-surprise seulement, le résultat est brillant.

Où l'on suit Mark Zuckerberg, geek antisocial, fomenter une vengeance contre le monde entier. Sublimé par la mise en scène discrète de David Fincher, le site web se développe à mesure que les duels fratricides et prises de pouvoirs sournoises émaillent l'histoire cachée de Facebook. Émerveillé par un modèle dont il aimerait être l'égal (Justin Timberlake, parfait en créateur de Napster), Mark Zuckerberg continue d'écraser ses adversaires et relations sociales, plonge tête baissée dans le code et poursuit la conquête du monde, galvanisé par les chiffres du site et les procès qui tombent, qu'il traite avec un mépris jouissif.
Le film déploie une somme d'information proprement incroyable, et les retours en arrière dans la narration ne rendent pas la tâche aisée mais le film est toujours lisible et compréhensible malgré son rythme. The Social Network est une réussite imparable en terme de storytelling, montage et découpage, couvert par la musique angoissante de Trent Reznor et Atticus Ross. David Fincher a recréée le moment et parvient à réaliser le film le plus actuel, parfait reflet de notre époque.

En créant un réseau social fait à son image, Zuckerberg a paradoxalement isolé les individus les uns des autres, absorbés par un site tout-puissant sachant tout de tout le monde. Et se fait rétrospectivement élire, avec quelques années de retard, personnalité de l'année par le magazine Time.

2 - Inception (Christopher Nolan)

Le fossé continuent de se creuser entre authentiques amoureux du long-métrage et dissidents criant à la farce grotesque, mais force est de constater que le film de Christopher Nolan a fait parler de lui dans les grandes largeurs.
Avec son scénario vertigineux aux multiples plans interférant les uns avec les autres, sa mise en scène dantesque (parfois brouillonne dans la gestion des conflits), et ses acteurs aux diapasons parmi lesquels Tom Hardy et Joseph Gordon-Levitt, Inception s'est posé d'emblée comme un blockbuster capable de rassembler critiques et publics. Conçu comme une expérience totale à travers les plans de la réalité jusque très loin dans les rêves, empruntant le concept des limbes au christianisme, Nolan s'adjoint les services d'un paquet de monde très compétent, et crée une histoire de hackers de mémoire en mission pour un dernier gros coup. Facile, derrière tout ça, de se faire emporter.

En filigrane, on distingue le score martial de Hans Zimmer et James Newton Howard ; les précipitations dans les péripéties et les non-dits ont parfois l'air d'incohérences noyés dans l'information... au final, c'est plus la toute-puissance de Nolan (aussi sa mégalomanie) sur le projet et la façon qu'il a de nous marteler ses vérités qui gênent, et peut faire lâcher prise au terme d'une scène finale de 50 minutes déjouant toutes les attentes du spectateur.

3 - Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)
On en a déjà beaucoup parlé cette année, la critique du joli film de Edgar Wright se trouve chez Ecran Large. L'histoire de Scott Pilgrim, branleur rockeur énamouré de Ramona Flowers, n'a malheureusement pas trouvé son chemin vers le public, mais au moins celui vers nos cœurs (ce qui est un début).
Ultime frontière entre le cinéma et le jeu vidéo, le film brouille les pistes continuellement, tisse une intrigue limpide et parfaitement cadrée malgré ses concepts casse-gueule, et se voit en plus doté de la meilleure bande-originale vue depuis un moment, Beck assistant les essais un peu gauches du groupe Sex Bomb-Omb, dont Scott est le leader.

Piste de lecture : Youth in Revolt, à voir en écho à Scott Pilgrim où Michael Cera y joue son rôle d'éternel ado tourmenté. Les plus : un alter-égo sociopathe français, Portia Doubleday en lolita, des seconds rôles pas commodes (Ray Liotta, Steve Buscemi, Zack Galifianakis) et une pincée d'insolence et d'amoralisme en contradiction totale avec l'idée charmante qu'on peut se faire du gamin..

4 - Shutter Island (Martin Scorsese)
Le Scorsese nouveau n'est pas exempt de défauts mais son utilisation rigoureuse de comédiens chevronnés lui permet de créer l'évènement avec une facilité déconcertante. Adapté du roman de Dennis Lehane, Shutter Island envoie deux policiers dans un piège mental, une prison isolée où les pistes de résolution ne manquent pas. Parsemés de flashback d'une beauté sans commune mesure (des souvenirs douloureux à la colorimétrie presque saturée), ce crève-cœur, véritable film de cinéma, se termine brutalement, cliniquement, et laisse à genoux.
Mention spéciale à Mark Ruffalo un brin cabotin, Ben Kingsley, et Michelle Williams, dont on croyait qu'elle ne reviendrait jamais.
Amorçant un calvaire qu'il finira en revenant "d'outre-tombe" dans Inception, Leonardo DiCaprio s'impose définitivement comme la figure tragique de cette année au cinéma.

5 - Bad Lieutenant - Port of Call: New Orleans (Werner Herzog)

Après des années à jouer les éberlués au cinéma sans qu'apparemment aucun producteur ne lui dise d'arrêter, Nicolas Cage a enfin trouvé quelqu'un susceptible de contrebalancer ce grain de folie et cette démesure qui montent en lui. L'allemand Werner Herzog, réalisateur de Fitzcarraldo et d'un bon paquet de pellicules déviantes, reprend l'appellation du film de Abel Ferrara, clame à qui veut l'entende qu'il ne l'a pas vu et entreprend d'en faire non pas un remake mais une réinterprétation, avec excusez du peu, Eva Mendès, Val Kilmer (au bout du rouleau), Michael Shannon (partout et toujours grandiose) et l'allumé Nic Cage.
Dans une Nouvelle Orléans essayant de se remettre d'aplomb, le bon détective tâche de résoudre quelques enquêtes, va taxer les dealers, magouille avec certains autres et trouve un peu de réconfort dans les bras d'une prostituée. Ce qui s'y passe est parfois anecdotique mais la composition pour le coup parfaite de Nicolas Cage est une révélation, un soulagement. S'y mélangent coup de blues (littéralement), visions hallucinées et quête de rédemption dans la moiteur des bayous qu'on sent proches.
Le point de vue des animaux, inédit, est surréaliste et soudain implacable de logique quand on se met à la place du personnage, en perpétuel décalage avec ce qui se passe autour de lui. Avec son blues entêtant étouffé, les séquences prennent un air de chant funèbre glauque et moite, points relais du policier qui ne sait pas où il avance.

Vous pourrez retrouver ici la version russe de l'affiche, qui vend un film complètement différent...

A bientôt pour la suite !

Les bourrins en scène : 2010 en trois films

2010-12-31T18:26:00.006+01:00

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Dans la liste des plaisirs coupables cette année, on pourra retrouver Piranha 3D tout comme la clique des films de mercenaires, calibrés pour l'opération suicide. Et parmi The A-Team, The Expendables et The Losers, il y avait de quoi faire.

Avec sa grosse pose et Zoë Saldana, The Losers est bon dernier, avec pourtant un matériel de base assez consistant puisqu'adapté d'un comic-book ultra tendu signé Andy Digle et Jock. Incapable de jouer correctement entre un premier degré malvenu (bouh les enfants morts) et une histoire assez mal branlée, Sylvain White, réalisateur (?) de Steppin' et d'un direct-to-video poursuivant l'aventure Souviens-toi l'été dernier, ne fait au final qu'accumuler de jolis images aggloméré en un clip gigantesque. La part belle est faite au couple Saldana/Dean Morgan, notamment dans une scène de baston en chambre d'hôtel, rythmée par The Kills, parfait exemple de la vanité de l'entreprise.
Lorgnant très souvent du côté de la série B (Zoë et son lance-roquette, une bonne idée s'il en est) malgré son budget friqué, The Losers attend vainement que son scénario ne décolle, en enquillant les scènes débiles et les meeting de gros durs. Pas grand-chose à sauver en fin de projection, si ce n'est quelques jolis plans qu'on doit à la présence de Jeffrey Dean Morgan, et Chris Evans, moins relou que d'habitude.

Le gros buzz de l'année fut généré par Stallone, de retour en grâce depuis quelques années depuis Rambo 4 où une partie de la junte militaire birmane passait au hachoir. Avec The Expendables et sa troupe de gloires passées (has-been ?), c'est un retour aux années 80 avec lesquelles nous avons grandi qu'on nous promettait. Force est de constater qu'il n'y a pas tromperie sur la marchandise malgré une structure assez étrange du long-métrage où les hostilités ne semblent démarrer vraiment qu'en fin de pellicule. Les trois seuls rôles féminins du film sont réduits à l'état de prototypes, ne s'expriment que de façon monosyllabique. Finalement, on ne leur demande que de jouer un cliché ambulant : la pétasse de Mickey Rourke (infâme), celle de Jason Statham et enfin, le contact de l'équipe, seul rôle un tantinet développé, par qui passe la rédemption de Stallone (qui ne consomme pas, grand seigneur).

Quelques private jokes sur les carrières respectives des trois grands (Schwarzenegger, Stallone, Bruce Willis) éveillent l'intérêt, aussitôt étouffé par une monté de violence très brutale allant crescendo.
On en a pour son compte avec les castagnes de fin de parcours, physiques empoignées qui ont l'air de faire très mal, n'enlevant quand même pas la désagréable impression de regarder une version upgradée de Street Fighter, Kylie Minogue en moins, le pas crédible sergent Batista de chez Dexter en plus.

A mon sens, le meilleur film du lot reste The A-Team, adapté de la série éponyme ayant réjoui nos après-midi de gamins. Sous couvert d'une adaptation d'une série TV, Joe Carnahan (Narc) réalise un film de tacticiens où les mises en place des missions impossibles sont montées en parallèle d'un grand spectacle réjouissant. Et entre les missions toutes plus tendues les unes que les autres (et parfaitement régressives, en témoigne le pilotage de tank en haute altitude), son humour communicatif et ses phases de pures comédies (Bradley Cooper et sa gouaille piégeant une journaliste, Sharlto Copley en pilote frapadingue), The A-Team fait très fort et reste efficace tout du long. Jusqu'à nous sortir de nulle part un bad guy de second plan particulièrement hargneux se lançant dans une fusillade en plein centre-ville, vrai moment tendu de fuite sorti tout droit des recoins de Narc.

Au final, le film est totalement inoffensif, l'ersatz de Mr T. fait pitié mais l'ensemble du reste du casting est au diapason dans ces versions renouvelées de personnages qu'on a aimé, faisant marcher la nostalgie à fond les ballons. La dernière mission est la plus faible mais on passe un excellent moment à voir Liam Neeson mâcher son cigare. Et putain, Bradley Cooper est canon.

Scott Pilgrim - La sortie ciné en France qui fait pitié

2010-12-03T17:59:00.008+01:00

Alors que Scott Pilgrim continue son petit bonhomme de chemin en France avec la publication cette semaine du tome 4 (sur 6), l'adaption ciné du comics de Bryan Lee O'Malley daigne enfin pointer son nez dans les salles françaises... pour une sortie technique toute miteuse avec un record de 4 salles à Paris !
Là, on peut légitimement s'étonner du sort réservé au film, entre une sortie repoussée au moins deux fois par le distributeur, l'absence totale de promotion et le fait que le Blu-Ray/DVD US soit déjà dispo (et je ne parle pas de la copie qui circule sur internet)...

C'est Edgar Wright qui doit faire la gueule, non seulement le film pourtant sympa s'est ramassé cet été aux États-Unis (sorti en face de The Expendables de Stallone), mais en plus personne n'en parle et le film d'abord ciblé pour cet été sort en décembre face à Machete et le dernier Disney, Raiponce. Sortir Scott Pilgrim aussi tard aurait pu rétrospectivement convaincre les distributeurs de le marketer à destination d'un public type Kick Ass (qui a "cartonné" avec plus de 500 00 entrées), là non, on doit juste se consoler d'avoir évité le direct-to-DVD.

En tous cas, Scott Pilgrim Vs the World fait clairement partie des films qu'on retiendra cette année, du coup on dégaine la critique de l'époque, publiée sur Ecran Large.
(et je ne forcerais personne à le voir en VF, si vous me suivez...)

États des lieux : Burton en 2010, coup d'œil à Alice

2010-08-24T06:33:00.006+02:00

(Un court article exhumé des ténèbres de mes brouillons inachevés)

Perdu entre ses propres ambitions (Sweeney Todd et ses hurlements incessants) et des projets casses-gueules incontrôlés, Tim Burton fait la gueule depuis 2003 et un Big Fish le rachetant à peine de l'ignominie précédant et ouvrant son chemin de croix.
De fait, on a totalement perdu l'auteur aux méandres des années 2000 : Si on peut reconnaître un courage qui sied peu à l'ado traumatisé qu'il a été, les films réalisés ont peu à voir avec la personnalité troublée de l'auteur. Entre La Planète des Singes (remake de studio), l'adaptation d'un conte classique (Charlie et la Chocolaterie) et la comédie musicale, si le champ d'action est plus qu'étendu, le résultat est toujours plus consternant quand on a grandi avec le gothique romantique d'Edward aux mains d'argent.
Et alors que le Muséum des Arts Modernes (MoMA) à New-York présentait en début d'année une exposition rétrospective sur l'auteur, on peut légitimement se demander si on peut parler de Tim Burton au passé.

En réalité, le bougre tient toujours debout et, si, en terre hollywoodienne, il en faut bien moins pour passer à la trappe, Burton est toujours là grâce à son fandom plus vivace que jamais et même renouvelé : grâce la cure de jouvence Charlie et la Chocolaterie aidant, tous les kids ont pris le train en marche en vantant un nouveau héros. S'attaquant à un autre classique de la littérature anglaise, Burton reprend ses tics et ses tares pour classiquement nous conter l'histoire d'une gamine plus alerte que la moyenne, sombrant soudainement en plein conte de fée.

Si par ses choix singuliers, Tim Burton est en évolution permanente et embrasse ici finalement le 100% numérique (aux antipodes de son cinéma d'origine, donc), on pourrait lui adjoindre les services de personnes de bon goût susceptibles de mieux le guider. Car l'homme qui célébrait les séries Z du passé (Ed Wood) et rendait un hommage ému aux films de La Hammer, autre institution britannique, avec Sleepy Hollow, venait de commettre un viol en règle de nos rétines avec un Willy Wonka brailleur et outrancier, avant de renouveler l'expérience avec Sweeney Todd et son tout numérique rajouté en post-prod.
Continuant dans l'élan amorcé, a priori, rien n'incite à la confiance avec le numérique explosant à chaque coin de plan dans Alice. Avec son fatras de couleurs et de détails semblant n'exister que pour remplir le cadre jusqu'à l'explosion, le film menace à chaque instant de s'écrouler et ne restitue surtout jamais la splendeur faite main des premiers films du petit génie de Burbank : à trop se gaver de cette technologie, Burton perd tout simplement la beauté plastique et l'émerveillement qui ont fait sa patte.
Bordel, en regardant en arrière, on se prend même à réaliser que le bonhomme a probablement plus de mauvais films à son actif que de bons. Des remises en question comme on aimerait en avoir moins souvent.

Avec son adaptation du roman de Roald Dahl (où il se permettait de piocher dans Charlie et le Grand Ascenseur de Verre, roman-suite), Tim Burton paraît paré pour s'attaquer au monument de Lewis Carroll, popularisé davantage par le film d'animation des studios Disney (1951 !). Et tout naturellement, le monsieur plonge aussi la main dans le roman succédant à Alice, De l'autre côté du miroir, pour y trouver un regain d'entertainment : car la beauté première de voir enfin Alice en film live se voit rapidement effacée par la succession de péripéties que l'on connaît déjà.

Et là où le plaisir de voir un film traditionnel se dépêtrer de toutes ses situations aurait été un plaisir quasi jouissif, on peut rapidement se lasser des cascades numériques cachant parfois la misère. Entre les péripéties désormais habituelles s'ajoutent ses chutes et autres rajouts destinés à dépoussiérer le mythe, n'ajoutant rien de séduisant, rien d'attrayant. A trop se complaire dans la luxure d'un budget gigantesque, le Alice version 2010 perd immédiatement tout cœur à l'ouvrage.

Mais là où le projet se rattrape, c'est certainement dans son casting ; si on peut passer rapidement sur Johnny Depp, grimé à l'excès et assurant poussivement le show, la révélation du film, c'est Mia Wasikowska, une débutante parfaite. Lumineuse, la Alice de Burton a ce mélange de logique et de bon-sens, cette naïveté charmante qui nous fait plonger tête la première dans le terrier. Le film repose entièrement sur elle et sur son personnage, tiraillé par ses classiques obligations de jeune fille, et ce que lui dicte la situation parfaitement farfelue dans laquelle elle se trouve piégée.
Au final, le film ne se tient que par elle et repose sur son charmant entêtement à aller plus loin que les apparences. En fond de toile se dresse petit à petit un semblant de schéma narratif classique mais véritablement prenant, où notre héroïne devra faire face à ses démons et prendre les responsabilités adéquates. La brutale réalité, c'est que quoi que fasse Burton, on finit par se contrefoutre complètement des enjeux en cours pour ne se concentrer que sur Alice, personnage empli d'une humanité bouleversante qui irradie l'écran.

Allant jusqu'à singer son cinéma et peu soucieux de se renouveler niveau casting, Burton embauche comme d'habitude sa femme en reine de cœur (gonfler la tête d'Helena Bonham Carter, un pari casse-gueule) et lui octroie un rôle de méchante parfaitement dans la norme de ce qu'on peut attendre : abjecte, ni plus ni moins. Anne Hathaway, elle, se distancie de son petit rôle par une pirouette en running gag parfait, et fait passer son rôle de pastiche de reine blanche tout en candeur désinvolte...
Chargé de personnages réanimés par la 3D moderne, le film déroule ses enjeux avec les gros sabots habituels mais touche parfois au singulier réussi grâce au récit classique de Lewis Carroll, réarrangé en toile de fond avec cette interrogation réajustant les points de vue : Et si Alice était déjà venue par le passé, mais qu'elle avait oubliée sa visite ?
Qu'importe vraiment, au final, les tenants et aboutissants de la chose. Par son remue-ménage incessant, Tim Burton, pas vraiment cinéaste convaincant, touche au merveilleux qu'il essaie de ressusciter depuis de nombreux films. Complètement dépassé par la 3D dont il se sert uniquement comme d'une démo technique pour se faire plaisir et jeter des objets au visage de ses spectateurs, le film perd en profondeur par son besoin incessant d'en mettre plein la vue (la majorité des personnages sont malheureusement tout simplement moches) mais parvient in extremis à mettre en boîte de splendides scènes malgré le tout-venant trop cliquant (la scène finale, Narnia-esque en diable pourtant sauvée). C'est paradoxalement dans sa contre-productivité que surgit quelques détails, quelques jolies choses à sauver.

On ressort de la séance lessivé, fatigué d'en avoir pris tant sans avoir véritablement profité du voyage. Et surtout, convaincu d'avoir assisté à un carnaval de mauvais goût, mais avec l'étrange sensation d'avoir passé un bon moment.

Sortie ciné : KICK-ASS, de Matthew Vaughn

2010-05-11T07:05:00.011+02:00

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Kick-Ass, un cri du cœur qu'on hurle en sortant de la séance. Énième film de super-héros pour les uns, projet indé iconoclaste pour les autres, Kick-Ass a, dès le début de sa publication aux États-Unis, le vent en poupe.
Facile, quand à la base du projet on trouve Mark Millar et John Romita Jr, deux superstars incontournables du comics : Mark Millar vient de signer chez Marvel le crossover Civil War, projet alors le plus couillu de la maison d'édition à l'issue duquel Captain America se fait assassiner, laissant orpheline pendant longtemps la galerie de personnages Marvel. C'est aussi à lui qu'on doit Wanted chez Top Cow (depuis mal adapté en film, on en parle là) et la mini-série Old Man Logan dans lequel un Wolverine à la retraite se balade dans une Amérique post-apocalyptique. En termes de réputation, John Romita Jr n'a rien à lui envier de par son association pérenne avec Marvel, pour laquelle il a dessiné Spider-Man de façon continue pendant des années. L’artiste au trait caractéristique très carré, enchaîne les projets et n’est jamais avare en cadres tout simplement magnifiques, le rendant très populaire auprès des fans.

Annoncé à grand renfort de publicité, produit en indépendant avec les moyens qu'ils ont à leur disposition (Millar publie dans les pages du comics la liste des comic-shops les ayant soutenus), Kick-Ass #1 sort début 2008 et cartonne immédiatement. Il fait bon s'appeler Millar et Romita Jr à ce moment-là. Au moment de la sortie du deuxième numéro, tout s'emballe, on parle d'un film, les droits du comics s'apprêtent à être vendus, bref, c'est la folie et surtout un coup d'éclat magnifique à destination de tous les éventuels artistes se destinant à la réussite. Fort de ses nouveaux personnages et de son intrigue si simple qu'elle en devient parfaite (et si toi, dans ta crasse normalité, décidais de devenir un super-héros), Mark Millar laisse couler l’encre et compose avec les retards de son compère John Romita Jr, rappelé chez Marvel pour signer quelques arcs de Spider-Man qui sort alors (et toujours) au rythme effréné de trois numéros par mois (l'arc du retour s'appelle New Ways to Die dans Amazing Spider-Man #568, et depuis publié en France).

Ce n'est finalement qu'en mars 2010 que sort le 8ème et dernier numéro du premier arc de Kick-Ass, soit à peine un mois avant la sortie du film, tourné en parallèle et basé sur le comics - à quelques différences près. On n'aura pas vu collaboration plus étroite entre deux médias aussi différents : quitte à pousser le bouchon, le hardcover américain compilant les épisodes 1 à 8 de Kick-Ass sort au même moment que le film, et celui-ci se paie même le luxe de les montrer à l'écran dans l'une de ses dernières séquences - on vous le donne en mille - située dans un comic-shop. La boucle est bouclée.

Kick-Ass #8 : Je l'ai, et pas toi.

*Quelques spoilers ci-dessous pour ceux n’ayant pas vu le film – et quelques indications sur les multiples différences avec le comics*

Impossible de ne pas succomber aux attraits charmeur de Kick-Ass dès ses premiers instants : musique emballante passe-partout (Prodigy), storytelling proche du comics avec incrustation BD des repère de temps, et surtout, énorme travail sur la photographie rendant les couleurs chatoyantes au possible, composant avec une ombre ressemblant à un encrage réussi des personnages. Le tout fait que l’emballage externe de Kick-Ass est d’une splendeur indiscutable, confectionnant un écrin au poil pour un film pétaradant.
Très rapidement, Kick-Ass trouve sa légitimité à multiplier les références par son contexte de comic-book movie, produit en indépendant, supervisé par ses créateurs et sortant dans un paysage cinématographique détruit par les adaptations de comics dites adultes lorgnant du côté de la tragédie (The Dark Knight), parfois ampoulées (Watchmen) et croulant sous les déclinaisons à n’en plus finir. Se distanciant joyeusement du problème en se rattachant au réel le plus banal, Kick-Ass tombe à point nommé pour nous coller une bonne branlée, avec la maladresse de la première fois (celle qui fait saigner)

Partagé entre teen-comedy graveleuse et film de super-héros, Kick-Ass trouve un atout majeur en l’acteur Aaron Johnson, interprétant Dave Lizewski, ado lambda un brin révolté par sa triste condition. Loin d’un Tobey Maguire qui finissait par devenir fade en Spider-Man, le geek nouveau dégoté pour camper Kick-Ass fait plaisir à voir, quand bien même le scénario s’attarde moins sur ses atermoiements que ne le fait Sam Raimi avec ses personnages ; Les geeks sont les héros les plus prévisibles du cinéma par cette simple contradiction : personne ne les soupçonne, ce qui les rend capables de tout. Comme si l'indifférence polie (ou non) qu'on leur accorde les poussait à se précipiter sur les chemins de l'adversité pour finalement avoir quelque chose face à laquelle réagir. Dans le cas de Kick-Ass, c’est une opportunité à ne pas louper.

En fan-boy convaincu conscient du poids de ses aînés, Matthew Vaughn reprend insidieusement le parcours du super-héros le plus friendly tous univers confondus, Spider-Man, en appliquant ses codes généreusement dépoussiérés par Sam Raimi : Géographiquement, avec le foyer du héros, clairement situé dans le Queens comme le refuge que constituait la maison de Tante May pour Peter Parker. Entre les couloirs du lycée, les rackets, les jolies filles à l'ignorance glacée, on se retrouve en terrain balisé d'entrée de jeu. Plus tard, c'est même la scène du premier envol (le saut entre immeubles) qui est reprise dans son intégralité, à ceci près que Kick-Ass pose sa problématique dès son générique : Notre héros n'a pas été mordu par une araignée radioactive, ne porte pas d'armure volante confectionnée sur mesure (suivez le regard), n'a pas de pouvoirs magiques : Il s'agit seulement d'un ado lancé dans un trip suicidaire et qui a tout à perdre à jouer au mariole en costume. Et là-dessus, le film n'a pas peur d'être ridicule, dans ses costumes et ses punchlines de débiles.

Si Mark Millar est surtout un petit malin, qui sait jouer habilement des codes du comics pour choquer gratuitement, il développe un propos intéressant dans Kick-Ass (le comics) en interrogeant constamment le rôle de voyeur de ses lecteurs : au choc de voir son héros se faire tabasser, le scénariste réplique par une série d'outrages encore pires par la suite. Millar provoque constamment son public par ses piques geek-friendly, et trouve même à intégrer complètement le concept de comics à son bouquin grâce à la back-story de Big Daddy, absolument révoltante et fustigeant des excès hors-normes.

Si le film trouve une liberté de ton fantastique de par son statut d'indépendant (friqué, faut pas pousser), le plus fou de la BD ne se retrouve pas dans le film de Vaughn. Curieusement, le film reprend quelques situations brillantes du comics pour les retravailler à la sauce blockbuster US : poussé dans ses derniers retranchements, le film se soumet au bon vouloir de la bienséance et tâche d'y trouver au mieux un humour désinvolte, ou sinon une violence gênante traitée à la rigolade (SPOILER: Parmi les changements significatifs, signalons la relation entre Dave et sa "copine", les motivations de Big Daddy et le dernier climax, hors-sujet).
Au final, le plus gênant tient à ses ruptures de tons fondamentales entre fun de la découverte (les déambulations de Kick-Ass, apprenti justicier) et horreur de la réalité. Mais noyé dans sa bande-son pétaradante et appelant au fun immédiat, son humour parfois mal posé et ses revendications artistiques, le film perd de vue son narrateur, le héros lui-même, embarqué dans son aventure (intelligence du scénario, le jeune Kick-Ass cite American Beauty pour évoquer l'effet narratif d'outre-tombe). Malgré le temps imparti, Vaughn et son montage empêche de poser une ambiance profitable à la subtilité nécessaire pour capter les changements de tons de ses personnages face à ce qu'ils vivent. C'est d'autant plus dommage que les figures connues ont ce qu'il faut pour relever le quotient émotionnel du film, de la petite copine (trahie) à Hit Girl (manipulée), sans parler de Kick-Ass, passant du stade d'apprenti héros à celui de vigilante hardcore, achevant le film dans une apologie glauque de comportements similaires mais difficilement imitables.

A trop vouloir en faire pour capter son époque dans son acharnement à la référence et montant ses patchworks avec plus ou moins de réussite, Matthew Vaughn essaie de faire du Tarantino (l'apogée étant son utilisation d'un thème de Leone) mais se retrouve plus souvent à faire du Guy Ritchie - pas subtil pour un sou dans son montage, ses effets de style et sa propension à toujours vouloir en rajouter dans un film mené tambour battant de bout en bout, malgré ses confortables 2h de métrage. De la baston Youtubée mal filmée car se passant du point de vue des spectateurs relayant l’information aux derniers soubresauts de la Hit Girl déifiée par la caméra (les plans en noir et blanc au ralenti), le cadre se remplit peu à peu d’un paquet d’artifices pas forcément nécessaires et qui peu à peu, font tâche.
Pour autant, Kick-Ass reste un divertissement complet et plutôt bien géré dans ses excès, appelant à mieux pour la suite.

L'autre changement gênant avec la transposition dans ce nouveau média, c'est le simple fait que Kick-Ass en tant que personnage se voit poussé au meurtre. De sang froid, pour se venger et mettre un point final à l’histoire. Par ce simple changement, le jeune Dave Lizewski perd ici toute humanité et empêche le retour à la normale de son personnage, piégé dans son rôle de vengeur et surtout de fugitif, forcé de vivre avec le poids d’une culpabilité qu’un Peter Parler ne pourrait supporter. Idéologiquement, la fin du film est un vrai problème, larguant les psychologies de chacun et voulant à tout prix s'éloigner de l'horreur de la BD. Le film prend alors ses aises avec un second degré fun, désamorce toutes les interrogations générée par le scénario original de Mark Millar, et embrasse l'excès propre au film, influencé par le comic-book : on se surprend à réaliser qu'une BD devienne plus crédible qu'un film, alors qu'une BD n'a de limites que l'imagination de son scénariste et les dessins de son dessinateur (en terme de simplicité diablement efficace, Kick Ass #8 se pose là).
Visiblement à l'aise avec ses "seulement" 30 millions de dollars de budget, le film se perd dans sa fin sur des combats semi-articulés, glorifiant une violence pré-adolescente et presque ridicule dans son acharnement à vouloir en faire trop, perdant toute la crédibilité accumulée précédemment. Au dernier sursaut de violence en haut d'une tour de Manhattan, on est tenté de s'extirper du film, désamorçant in fine tous les efforts du film pour nous ramener à la normalité du réel (remember, le propos initial du film) et sa brutale confrontation avec le monde.

Le twist de la BD (Red Mist est le fils du vilain à abattre), impossible à reprendre en l'état dans le film sans prendre le public pour des idiots, oblige le scénario à repenser cet élément en l'incluant sereinement dans sa narration, suivant les parti-pris de chacun et entraîne le film ailleurs, dans des séquences plus ou moins nécessaires (l'entrepôt), gonflant le film jusqu'à nous rendre sympathique toute la galerie de tronches pas possibles et complètement anglaises du film : entre Mark Strong en big boss de fin de niveau et Jason Flemyng en valet au destin malchanceux, c'est une partie des habitués de Guy Ritchie (pote de Matthew Vaughn) qui tapent l'incruste et apportent un cachet de coolitude absolue au long-métrage.

Impossible de trouver mieux que Nicolas Cage pour camper Big Daddy. Tout simplement parce que après des choix de carrière désastreux où il campe avec toujours plus ou moins de crédibilité un héros sauvant la mise, ou tout du moins tâchant de le faire (Alex Proyas le castre en cours de chemin dans Prédictions), l'acteur a pris une dimension empathique tout simplement parfaite. Fatigué, les cheveux encore en pagaille et vêtu d'un cardigan de vieux papa, Nicolas Cage trouve dans le rôle de Big Daddy un dernier sursaut d'héroïsme mal placé, en mec dérangé cherchant à bien faire en enrôlant sa petite fille dans une guerre qui ne la regarde pas.
Bienséance du cinéma et nouveau public (plus seulement geek fou) obligent, le scénario s'allège de la vérité sur la back-story de Big Daddy, mettant à terre tout le monde dans Kick-Ass #7... Le film y perd en férocité mordante mais offre de beaux moments de bravoure à son personnage échoué, anti-héros magnifique et épave au combat perdu d'avance.
Sa relation très touchante avec sa fille, Chloe Moretz, est l’un des points réussis du film. Volant le show avec son rôle de Hit Girl, l’actrice est franchement impressionnante, entre langage très fleuri (le mot « cunt », impossible à faire passer au ciné en 2010 y est dignement représenté) et découpes en règle servant le côté subversif du film. La première scène montrant le père et sa fille annonce déjà la couleur, avec une complicité tranchant littéralement avec le côté vigilante animant le dynamic duo faisant écho directement à Batman et Robin, en plus expéditifs.

Bref, pari réussi pour Matthew Vaughn, qui, à l’époque débarqué en cours du navire X-Men 3, adresse un doigt d'honneur à l'industrie et récupère la licence de Marvel pour rebooter le tout et mettre en scène X-Men First Class l’année prochaine. Kick-Ass 2 est déjà annoncé pour une sortie en 2012, le temps que Mark Millar se penche sur le deuxième arc du comics, et que John Romita Jr nous époustoufle une nouvelle fois de ses traits si précis (le film le salue déjà au travers d’une scène dessinée par ses soins, en plus des portraits que peint Nicolas Cage).
Matthew Vaughn poursuit sa carrière peu inquiété, après son film de gangsters britanniques (Layer Cake, avec Daniel Craig avant 007) et le magnifique Stardust, conte de fée adapté d’un roman de Neil Gaiman, avec Claire Danes dans le rôle d’une étoile.

En attendant la suite, le leitmotiv est simple : SHUT UP. KICK ASS.

- Le premier tome de Kick-Ass est sorti en France en mars dernier chez Panini Comics, compile les 4 premiers numéros et coûte 11€. L'arnaque, appelant à un tome 2 au même prix qui ne devrait pas vraiment décider les lecteurs français à s'y jeter, surtout s'ils ont déjà vu le film...
- Le hardcover américain coûte lui 25$ et compile l'arc entier, composé de 8 numéros. C'est en anglais, c'est nécessaire.

Scott Pilgrim : Le tome 6 et le film arrivent à grands pas

2010-03-19T19:34:00.011+01:00

Après la chronique toute entière consacrée à la création de Bryan Lee O'Malley, on pourrait en rester là et laisser travailler les mots, sauf que l'auteur de Scott Pilgrim a une année chargée.

Bryan Lee O'Malley a annoncé ce vendredi sur son blog (Radiomaru) les premiers détails et la couverture du 6ème et dernier tome de Scott Pilgrim ! Si l'attente fébrile a cela de triste qu'elle sera la dernière concernant les tomes du mec le plus cool du monde, on tâche de profiter de l'effervescence autour du personnage, BD et ciné compris, et l'on prend son mal en patience.
Le tome 6 s'appellera Scott Pilgrim's Finest Hour et sera libéré de ses entraves dès le 20 juillet prochain, avec encore plus de bonheur à portée de mains puisque le volume fera exceptionnellement 248 pages au prix cadeau de 12$.
La sortie arrive juste à temps, selon Oni Press, pour que O'Malley fasse le déplacement au Comic Con de San Diego (malheureusement déjà sold out) et participe à une série d'évènements pour promouvoir son bouquin à travers l'Amérique du Nord.

La news était précédée la veille par la première affiche teaser "révélant" Michael Cera dans le rôle de Pilgrim. La date de sortie du film approchant (13 août 2010, tout est calé chez les américains), on ne devrait plus trop tarder à voir un trailer arriver. Si on peut légitimement s'inquiéter du travail d'adaptation pourtant confié au brillant Edgar Wright (Shaun of the dead, Hot Fuzz), les premiers échos des projections tests sont élogieux...

Allez Scott, c'est ton année !
Je rappelle que le tome 1 est paru cette semaine en France à prix-mini, toute résistance est inutile !

- Press Release chez Oni Press
- La totale Scott Pilgrim, pour tout savoir

Sortie comics indispensable : Scott Pilgrim, par Bryan Lee O'Malley

2010-03-17T18:07:00.012+01:00

Un article à retrouver sur http://geekmehard.blogspot.com/ pour plus de lisibilité.

La très bonne surprise éditoriale côté comics de ce début d'année (avec la parution soutenue des essentiels Tank Girl de Alan Martin et Jamie Hewlett, co-créateur de Gorillaz), c'est la parution française de Scott Pilgrim, projet indé absolument charmant né à Toronto en 2004, sous la plume de Bryan Lee O'Malley !! Et j'insiste sur les points d'exclamation.

Scott Pilgrim est un petit gars de 23 ans vivant lui aussi à Toronto, le cul toujours entre deux jobs, membre d'un groupe de rock et pas vraiment concerné par ce qu'il se passe autour de lui. D'ailleurs, il squatte chez son meilleur pote, en attendant mieux. Un jour il rencontre Ramona Flowers, une américaine nouvellement arrivée en ville, dont il tombe amoureux. Difficile d'aller plus loin sans déjà prendre un grand plaisir à la lecture de cette tranche de vie réjouissante et pleine de rythme.

L'alternative aux comics ayant 40 ans de continuité existe, ce serait dommage de s'en priver : Avec son statut de saga produite en indépendant, crayonné dans un noir et blanc limpide et racontant tout simplement la vie d'un gars amoureux, Scott Pilgrim devient un passage obligé dans le comics de qualité. Avec cette réappropriation passionnée et savoureuse d'un postulat de départ déjà connu, Bryan Lee O'Malley démontre qu'on peut tout autant surprendre son lectorat dans un champ pourtant défini. L'originalité des cadres et des concepts surgissent ça et là redéfinissent le média dans lequel on abordait a priori l'aventure. Le format devient ludique et enserre merveilleusement bien la précieuse chronique qui dans son tome 1, trouve une justesse confondante dans un premier rencard sous la neige. Une plongée absolue qui rend romantique, fait ressortir les vinyles et te fait traîner dans les rues, l'air hagard.

Scott Pilgrim est d'une telle fraîcheur que sans trop savoir pourquoi, on se prend à ralentir la cadence de lecture, pour savourer plus longuement chaque page. Chaque tome est curieusement agencé et publié en format manga, faisant de chaque volume des mini-digest d'une centaine de pages. D'ailleurs le storytelling de Bryan Lee O'Malley reprend quelques caractéristiques du manga, dont les grands yeux de ces personnages ou certaines représentations humoristiques indescriptibles en l'état.

Teintée de fantastique, l'odyssée abracadabrantesque de notre jeune héros est très réjouissante sans être abêtissante. Le trait très simple du dessin, qui s'affine de volumes en volumes, est l'un des charmes de cette saga très accrocheuse et ne laissant pas le lecteur indifférent grâce à un mélange des genres presque bizarre, mais intéressant à expérimenter ; entre deux chapitres, on passe soudain d'une discussion bigarrée au jeu vidéo, en passant par par une baston ultra-chorégraphiée, dans une transition qui peut laisser circonspect. Mais le fun prévaut avant tout et Scott Pilgrim se lit d'une traite, avec des personnages bien ciselés (on fait tous partie de l'entourage de Scott Pilgrim) et ses atours de chronique adolescente assez marrante, rock'n roll dans l'âme et désespérément romantique.
D'ailleurs, l'auteur ne cache jamais ses racines et on peut détecter parmi toutes les constantes du comics une certaine propension à l'autobiographie : Scott Pilgrim vit à Toronto et se balade dans une ville scrupuleusement retranscrite sur papier, tout en parlant lui même ciné, musique ou BD (le X sur l'épaule de son blouson est familier des lecteurs des X-Men).

Comme toutes les bonnes choses, une adaptation ciné est en cours ; la personnalité assez originale de Edgar Wright aura fort à faire pour retranscrire correctement l'essence du comics, et le réalisateur de Shaun of the Dead et Hot Fuzz a intérêt à gérer pour sa première commande américaine.
Le rôle-titre est tenu sans surprise par Michael Cera, idole bankable représentant le mieux l'adolescent mal ajusté depuis la série Arrested Develoment, Super Grave, Juno et dernièrement, Youth In Revolt. Le choix est du coup discutable et commence à devenir cliché ("Stop being such a Michael Cera", une insulte en devenir qui veut tout dire), mais le bonhomme est plus que rodé pour jouer les romantiques maladroits.
A ses côtés, Mary-Elizabeth Winsteadt (la cheerleader de Death Proof) joue Ramona Flowers, la copine à impressionner, et le reste est aussi motivant, avec Jason Schwartzmann et une bande de bras cassés qui ne demandent qu'à être réhabilités : Brandon Routh, Kieran Culkin, Chris Evans.
Le film, intitulé "Scott Pilgrim Vs. The World" (du nom du tome 2), sortira le 13 août aux États-Unis.

Le 6ème volume sera malheureusement le dernier de la série, prévu pour une sortie américaine au moment de la sortie de son adaptation ciné. Milady Graphics (une branche de Bragelonne), se charge de la parution française, précipitée pour servir de matériel promotionnel en amont de la sortie du film dans nos contrées ! Le premier volume est sorti ce 12 mars au prix de 7€ et est disponible partout, n'hésite donc pas à aborder ton libraire pour qu'il t'introduise à un nouvel amour fidèle et entêtant.
Bonus bienvenu, Bryan Lee O'Malley s'est soumis à l'exercice de promotion pour introduire son personnage aux nouveaux intéressés. Il en résulte une preview faisant office de mini-épisode, exceptionnellement en couleurs, présentant les personnages en 16 pages (preview disponible chez Bragelonne)

Le wiki pour en savoir plus (en français) : http://en.wikipedia.org/wiki/Scott_Pilgrim

5 volumes parus jusqu'à présent (en VO)
1 - Precious Little Life
2 - Scott Pilgrim Vs. The World
3 - Scott Pilgrim & The Infinite Sadness
4 - Scott Pilgrim Gets It Together
5 - Scott Pilgrim Vs. The Universe
6 - En juillet !

Scott Pilgrim est le mec le plus cool du monde, mangez-en !

Le Lycanthrope au cinéma : Une date, deux films

2010-02-11T09:42:00.000+01:00

Avec le Wolfman de Joe Johnston qui apparaît enfin dans les plannings (ce 12 février aux États-Unis), il convient de revoir les classiques du film de loup-garou pour se tenir à jour. Car même si ce loup-garou version 2010 semble pulluler de plans numériques un peu tristes, le tout a l'air éminemment sympathique à la vue de son casting (Benicio Del Toro, Hugh Weaving et certes Anthony Hopkins), dans sa reconstitution et son baroque a priori barbare. Les dernières tentatives à la Van Helsing et Underworld étaient quelques peu vaines, on évitera donc d'imaginer ce qu'aurait pu donner le film si les studios en avaient laissés les rênes à Mark Romanek, comme il était initialement prévu (son travail de clippeur est recensé dans l'un des volumes de la série DVD "Work of Director" qui compte aussi les travaux de Spike Jonze et Michel Gondry).

Dans le film de loup-garou, 1981 tient une place intéressante si ce n'est indispensable.

Joe Dante, alors en début de carrière, se met en tête de réaliser Hurlements (The Howling) son film aux penchants lycanthropes, avec une approche intéressante : d'entrée de jeu le spectateur est lancé en pleine enquête, suivant une journaliste sur les traces d'un serial killer qui a fait d'elle sa cible privilégiée.
La journaliste, très tête à claques (elle finit d'ailleurs par s'en prendre une bonne, tant mieux) poursuit son investigation en profondeur, dans un cadre assez sexué et malsain, démontrant que Joe Dante prenait alors son sujet très au sérieux. On suit la fuite en avant de l'héroïne avec plaisir jusqu'à des contrées originales relançant l'intérêt en cours de parcours, tendant à éloigner le film de ses penchants premiers. Malgré l'esthétique un peu Hollywood Night que tend à prendre le film (les personnages sont incroyablement kitchs et Patrick McNee en fait des tonnes), celui-ci reste passionnant par son mélange d'enquête conventionnelle mêlée à des éléments fantastiques qui surgissent peu à peu.

Le film culmine dans un final avec une bande de lycanthropes impressionnants, auquel Joe Dante a voulu donner le look cartoony du grand méchant loup pour faire appel à une terreur enfantine assez satisfaisante (les créatures restent très impressionnantes). Les transformations, très glauques et bien en chairs, ont échoué à Rob Bottin, qui allait s'atteler un an après aux effets visuels de The Thing et à certains autres films de Joe Dante dans les années à suivre (dont L'Aventure Intérieure et Gremlins).
Bonus savoureux, Hurlements, ainsi que le film qui suit, ont d'intéressants qu'ils relaient fictivement l'information au public, se terminant par un sursaut d'horreur qu'on garde en tête un moment après être sorti du film...

Le film a regarder absolument en combo avec Hurlements, c'est Le Loup-Garou de Londres, film concurrent réalisé par John Landis et sorti lui aussi en 1981. L'approche y est différente, plus irrévérencieuse et décalée grâce à ses personnages, visiblement échappés d'un teen-movie (à l'époque John Hughes faisait loi dieu merci). Le ton humoristique qui s'en dégage peut être surprenant au départ compte tenu du cadre du film, mais bien vite on se prend au jeu et cet ajout n'enlève pas au charme de la peur telle que voulue par le réalisateur des Blues Brothers.

Démarrant dans la lande écossaise, le film suit le road trip de deux étudiants américains en vacances, tombant par hasard en plein cauchemar. Le rythme très rapide du film (qui dure juste 1h30) laisse peu de place à une psychologie très achevée et permet d'aller droit au but, entre un séjour à l'hôpital, une transformation et un foutoir monstrueux. Les personnages vivent comme si demain n'existait pas et nous font regretter de ne pas avoir vécu cette période assez libérée (cf. le rôle de l'infirmière), tandis que la folie du film culmine en plein Picadilly Circus dans une conclusion grotesque et horrible, laissant le spectateur le cul entre deux chaises.
Le film a pris de la bouteille mais trouve encore le moyen de nous terrifier et de passer par les étapes entendues du genre, entre légendes entretenues par le village, transformations et course contre la montre pour empêcher le pire d'arriver. Rick Baker se chargeait des transformations de la bête, laquelle n'a malheureusement pas un grand temps d'apparition à l'écran. Mais en soi, le film est infiniment satisfaisant, respectant scrupuleusement les étapes du folklore en vigueur, démonstrations à l'appui.

2 films à (re)voir pour saisir l'importance de l'année 1981 en terme de liberté de ton et de production, et pour son inventivité constante dans l'utilisation des effets spéciaux, loin d'être numériques !

- The Howling (Hurlements), 1981, réalisé par Joe Dante
- An American Werewolf in London (Le Loup-Garou de Londres), 1981, réalisé par John Landis

Sortie ciné : Sherlock Holmes, de Guy Ritchie

2010-02-02T06:28:00.008+01:00

Un article à retrouver sur http://geekmehard.blogspot.com/ pour plus de lisibilité.

Ce 3 février, la sortie notable au cinéma en France, c'est Sherlock Holmes de Guy Ritchie. Après sa série de films mettant en scène des malfrats anglais tournant continuellement en rond, pouvait-on vraiment encore espérer quelque chose du réalisateur ?
A priori oui, sachant que le cahier des charges entourant le personnage créée par Sir Arthur Conan Doyle est sujet à de nombreuses exigences. Malgré le choix surprenant de Robert Downey Jr, le résultat est largement réjouissant, avec un personnage fort de multiples talents dont on ne soupçonnait sans doute pas l'étendue (aptitudes au combat en plus de ses talents de détective) ainsi que d'une part sombre complètement affriolante : plus malin que les communs l'entourant, le personnage préfère s'isoler et ne manque pas d'étonner par son incapacité à se socialiser auprès d'une société prête à le courtiser.

Enfin bref, trêves d'introduction, pour la critique, c'est par là ! (chez Ecran Large, bisous à Laurent Pécha qui l'a autorisée)

Focus Série : Skins S1+2 - Génération Perdue

2010-01-30T20:54:00.010+01:00

Alors que Skins saison 4 commence à peine, avec pour mission de clôturer le deuxième cycle de la série de la chaîne E4, il est temps de revenir sur les ados écorchés vifs dits de la Première Génération, couvrant les saisons 1 et 2.
Créée par un père et un fils tous deux scénaristes (Bryan Elsley et Jamie Brittain), la série offre un regard frais et plutôt virulent sur la difficulté d'être un ado à Birstol, surtout entouré de pareils amis. Si on peut voir sans problèmes les excès du drama, ceux-ci sont à la hauteur d'une écriture au cordeau. Scénarisé par des débutants pas plus âgés que les acteurs eux-mêmes, Skins est un vivier de jeunes talents qu'il faut impérativement surveiller, tant le travail effectué, mêlant humour impeccable, foutoir adolescent et traitement intelligent impose le respect.

Car Skins fait partie de cette vague du renouveau de la série britannique. Avec des séries comme Dr Who, Life on Mars (et son spin-off, Ashes to Ashes) mais encore la trilogie Red Riding, la petite lucarne UK reprend du poil de la bête. En témoigne cette série encore relativement jeune fut un temps, au départ pensée suivant un certain schéma : acteurs non professionnels, scénaristes débutants et participant de très près au show, tournage en décor naturel (beaucoup de scènes en extérieur, dans Bristol), tournage serré en HD pour l'économie et une captation maximale de l'environnement.

Au programme de cet essai de la chaîne E4, une bande de potes dont chaque épisode (de 9 à 10 par saison) s'attarde sur un personnage en particulier, tout en suivant un fil rouge aussi simple que le quotidien de branleurs dans une ville qu'ils arpentent sans relâche. Pour ces jeunes, la vie est une fête où tous les excès sont tolérés. Mais sous cette superficialité gronde une terrible réalité, immédiate si on y prête attention : toutes les figures adultes sont absentes, droguées, démissionnaires, disparues, parties, envolées. Même les profs abandonnent ou s'obstinent à ne pas comprendre. Curieusement, quelques personnages apparaissent sporadiquement pour plus ou moins guider ces jeunes en perte de repère totale. Ils ne sont au final qu'un ilot où s'amarrer temporairement, sans apporter de réelles solutions.
Complètement largués et sans gardiens véritables (seul Anwar, indien d'origine, est entouré d'une famille très présente), ils se déchirent sur des sujets de société aussi divers que possible (homosexualité, religion, drogues), complétant ce programme chargé par les déboires et histoires personnelles de chacun.

Ultra réjouissante malgré tout, la saison 1 du show développe sa "mythologie" à grands coups d'éclats à mesure que le personnage très "Valmont" de Tony, s'amuse à manipuler les gens par dépit. Le groupe, soudé face à l'adversité, affronte l'échec scolaire, les soirées qui tournent mal, les amours déçus, la vie en général. C'est tellement simple que ça pourrait en devenir niais, si ce n'était pour le traitement original, plastiquement (le tournage en extérieur y est pour beaucoup) et dans le ton : On a beau assister à des ébats terre-à-terre, la série trouve parfois un timbre assez cocasse dans ces situations, rappelant un humour non-sensique purement british.

La farce tourne court dans la saison 2, moins attractive d'emblée. Groupe disloqué, amitiés abattues, la dynamique est perdue. On perd vite pied tout comme les personnages, éparpillés. Cassie, ange blond pour lequel on ne peut que se prendre d'affection dès sa première apparition dans la saison 1, devient un fantôme errant. D'abord absente, elle finit par repasser, hante les esprits, apparaît comme bon lui semble. On lui pardonne son excentricité, même si elle sait tout. C'est paradoxalement le personnage le plus clairvoyant de la série, entre interventions gratuites et rageuses.
Alors que la reprise semblait patiner sur ses premiers épisodes, la série décolle de façon fulgurante par la suite pour abandonner toute notion de pitié vis-à-vis de ses personnages. C'est jetés dans le monde réel qu'ils se sépareront. Se terminant sur un effet de crève-cœur insoutenable avec une fuite éperdue pour chacun, on croit pouvoir distinguer la suite des opérations, finalement abandonnée comme un travail en cours jamais achevé. La grande force du show, c'est de nous donner l'espoir sans jamais nous l'imposer.

De série strictement cool, Skins gagne son âme avec sa saison 2. Il ne faut surtout pas s'arrêter sur les photos promotionnelles racoleuses cachant littéralement la misère : Skins est une série brut et brutale, singeant le pire pour au final l'étreindre passionnément. Comme au final, tout menait à cette fin, la saison 3 adapte le concept en recomposant entièrement son casting dans lequel on ne retrouve que Effy, petite sœur de Tony. Nouvelle génération, nouvelles histoires. On a eu beau s'attacher immensément à ces personnages plus humains que jamais, il faut les laisser partir. Skins achève un cycle et redémarre sur un nouveau.
A voir impérativement en anglais, pour apprécier l'accent anglais et ses dérivés joyeusement incompréhensibles.

Saisons 1 et 2 dispo en France, éditées chez Studio Canal

Sortie ciné : The Book of Eli, des frères Hughes

2010-01-21T03:46:00.007+01:00

Un article à retrouver sur http://geekmehard.blogspot.com/ pour plus de lisibilité.

Le film post-apocalyptique a plus que jamais la cote, avec de dignes représentants promouvant le genre efficacement. L'année dernière, La Route projetait Viggo Mortensen dans une fin du monde désormais bien codifiée et soutenu par un prix Pullitzer cher aux frères Coen (l'auteur Cormac McCarthy) ; cette fois-ci c'est au tour de l'ami Denzel Washington de tenter l'aventure, avec plus littéralement, un livre dans une main (et un flingue dans l'autre).

On avait laissé les frères Hughes en 2001 avec leur adaptation désossée du formidable roman-graphique From Hell, enquête d'Alan Moore posant par son érudition un point final à la grande énigme cachée derrière l'identité du tueur de Whitechapel. Tant de temps après, que pouvaient nous offrir les deux frères ? Rien de moins qu'un film qui trouve ses sources dans un recyclage massif des codes du passé, avec l'assurance d'un sujet branlant mais potentiellement intrigant : pourquoi tout le monde court après ce livre ?

Si le fond du sujet est discutable une fois qu'on sait de quoi il retourne précisément (on y parle encore de foi, comme dans Prédictions l'année dernière), le reste de l'aventure laisse entrevoir de nouvelles pistes de lectures intéressantes dans leur humilité et sobriété. Lancé tel un pèlerin dans une quête obscure, Denzel déambule sur les routes décharnées d'un continent soumis à la loi du plus fort. Et à ce petit jeu, Eli est définitivement impressionnant, administrant sa sentence dans de longues chorégraphies macabres lorsque mis le dos au mur par des rednecks. Mutique et monolithique, Eli avance vers l'Ouest, ne trouvant du réconfort qu'auprès de Al Green les soirs de nuit sans lune.

Fatalement, une telle avancée ne pouvait pas se faire sans buter contre quelques problèmes, symbolisés par Gary Oldman, boss d'une ville subsistant au milieu de ce désert de western ; cabotinant avec l'assurance du dernier maître des lieux, celui-ci est assez réjouissant dans son rôle. Dans ce festival de gueules cassées, saluons aussi le compositeur Tom Waits, de plus en plus attiré par la poussière aride et Malcolm McDowell, dernier vestige classe d'une Angleterre bien loin derrière (Doomsday l'employait aussi à cette fin).

Le film est assez riche dans ses rebondissements (difficile d'en dire plus sans spoiler), mais le tout reste cependant étonnamment sobre, notamment dans ses scènes d'actions, dissimulées en ombres chinoises ou faisant l'objet d'un travelling circulaire. Dans tous les cas, exceptés quelques plans de poses déifiant Denzel Washington, la réalisation reste discrète et permet, malgré les fusillades et les conflits, de faire de The Book of Eli un conte de fin du monde au bout duquel pointe un bout d'espoir. Ici, le prétexte de la quête amène un semblant de but qui manquait à La Route, qui restait un joli livre d'images où se succédaient caméos discrets et splendides flashbacks sur le personnage de la mère (Charlize Theron). De rôles féminins, il n'y en a guère plus dans The Book of Eli : Jennifer Beals, après la fin de The L Word, campe une femme prisonnière dont la fille, Mila Kunis, fera une rencontre déterminante. Déjà vue dans Forgetting Sarah Marshall (formidable comédie au passage), on savait Mila Kunis capable de jouer sous ses airs choupicutes ; elle assure une fois de plus, le soleil de cette apocalypse à venir lui faisant le plus grand bien.

En définitive, The Book of Eli est une excellente surprise ; sobre dans sa représentation d'un futur aride, bien mené et prenant son temps pour raconter le périple de son pèlerin, le film des frères Hughes se pare des plus beaux attributs propre au film post-apocalyptique (poussière, flingues et début de mythologie) pour raconter une fable de violence et d'espoir.

Rapport à l'image : Blow Up + Peeping Tom

2010-01-16T09:01:00.009+01:00

Un article à retrouver sur http://geekmehard.blogspot.com/ pour plus de lisibilité.

Blow-Up, de Michelangelo Antonioni (1966) / Peeping Tom (Le Voyeur), de Michael Powell (1960)

Premier film tourné en langue anglaise par l'italien Michelangelo Antonioni, Blow Up est, 50 ans plus tard, toujours précédé d'une réputation flatteuse et est depuis étudié en école de Cinéma pour ses qualités intrinsèques. Le cadre, lui, est nettement plus charmant : Dans le Londres des années 60, un photographe de mode pense avoir été témoin d'un meurtre immortalisé sur pellicule. Difficile d'en dire plus même si le film ressemble au projet de fin d'études d'un étudiant essayant d'en mettre plein la vue à qui voudra bien visionner son film. Visionné au premier degré, le film devient étonnamment abscons alors que toutes les clefs sont posées pour un résultat bien plus... nerveux. Après une première heure parfaite où l'on suit la routine d'un photographe imbu de lui-même, les éléments criminels s'enchaînent (tout doucement), laissant penser qu'on pourrait d'un moment à un autre glisser vers l'enquête de fond, où un témoin dérangeant plonge tête la première dans une conspiration géniale. Même les codes semblent s'y prêter, avec notamment cette femme en détresse bien mystérieuse, qui retrouve notre héros sans jamais laisser filtrer son identité et la pression à laquelle elle est sujette.

Perdant le spectateur là où on l'attend pas, la dernière partie du film est plus pénible malgré quelques tentatives de théoriser le rapport à l'image et notre propre rôle en tant qu'acteur/spectateur (notamment dans sa dernière séquence, assez jolie). Le héros se paye du bon temps avec des groupies (dont Jane Birkin) dans une séquence insupportable, puis se perd dans un concert, avant de finir hagard, sur la pelouse d'un parc : à trop questionner les images, il aura perdu l'opportunité de faire le cliché ultime (une quête morbide se dressant en cours de route) et son statut de voyeur, partagé avec le spectateur.
Difficile d'oublier Blow Out (1981) quand on l'a vu, remake à peine déguisé réalisé par Brian De Palma : plongeant dans l'enquête d'un preneur de son, on assiste à un vrai film de tordu auxquelles s'ajoute quelques unes des obsessions particulières du réalisateur. L'issue de l'histoire, autrement plus glauque et dantesque, nous ferait presque reprocher à Antonioni de passer à côté de son sujet, d'autant que 6 ans plus tôt et foisonnant lui aussi dans le Londres des années 60, Michael Powell réalisait Peeping Tom, authentique bijou intouchable.

En voyant les deux films coups sur coups, la différence de traitement visuelle saute aux yeux : alors que Antonioni semblait privilégier des décors naturels comme une façon très européenne d'aborder son sujet, Powell tourne la majorité de son film en studios, scarisant son film de ses couleurs criardes. Le résultat est génial, entre masures inquiétantes et studios de cinéma (mise en abime évidente) où se perd un autre héros très discret, Mark, jeune opérateur obsédé par l'idée de capturer des instants fugaces avec sa caméra.
Lequel enjeu, dans son rapport très Psycho au genre, permet à Powell de repousser les limites autorisées par le bon sens de l'époque. Le film suit en majorité l'étrange Mark, timide maladif et cumulant différents petits boulots mettant en scène ses talents portant tous autour de la capture d'image (photographie, caméra). Parfaitement conscient des dérives dans lesquelles il se lance (violence graphique pour l'époque et psychologie très sexuée), Michael Powell se lance tout entier dans l'autopsie de son inquiétant personnage et réussit un parfait portrait de déviant magnifique, lui aussi victime de son temps.
Le spectateur, lui, devient un témoin actif des agissements du personnage, ce qui déclenche à la fois une certaine empathie pour celui-ci ainsi qu'une sensation de voyeurisme partagée, à mesure que Mark avance dans son fantastique projet. Partageant avec le Psycho d'Hitchcock une certaine ambivalence ainsi qu'un trauma familial évident (+ le fait que les deux hommes collaboraient ensemble avant que Hitchcock ne parte aux Etats-Unis), Peeping Tom ne connaîtra malheureusement pas la même carrière au cinéma : Vilipendé par la critique, tué par la censure et les retraits d'exploitation, le film mettra fin à la carrière de Michael Powell.

Alors qu'en l'état, Peeping Tom reste assez splendide, on peut être attristé du fait que devant un résultat pareil, les comités de censure s'y soient donné à cœur joie pour retirer au film quelques morceaux ; les coupes réalisées (dialogues, scènes explicitées) sont aujourd'hui considérées comme perdu à jamais. Plus malin, la MGM, produisant Blow Up, avait créée une fausse commission indépendante des comités de censure de l'époque, visant à approuver le film dans son intégralité.

L'essentiel n'est pas là évidemment, les deux films fourmillent de références et de pistes à explorer en plus !

Sacré Shyamalan : La Jeune Fille de l'Eau

2010-01-11T08:14:00.007+01:00

Le pire est commis. Fidèle de Shyamalan depuis l'incroyable Incassable, je défends encore bec et ongles The Village pour ses qualités intrinsèques, dont son audacité et son sens du montage (critique fleuve de l'époque ici).

Revenu en 2006 avec Lady in the Water, Shyamalan s'y expose comme jamais, au risque de perdre toute crédibilité et tendant le bâton pour se faire battre dans cette histoire où une créature nommée Story (Bryce Dallas Howard, échappée du Village) met la main sur un gardien d'immeuble, lui priant de l'aider à rejoindre son monde. Au microcosme de l'immeuble s'adjoint un casting de voisins franchement loupé : des minorités éberluées, un gamin qui lit l'avenir dans les boîtes de céréales, le ridicule Freddy Rodriguez, et enfin, Paul Giamatti, notre héros, un peu trop sérieux dans son rôle de gardien bégayant. On croirait revoir le casting dégoutant de The Mist, la réussite en moins au final.

Rapidement, Cleveland prend Story sous son aile, et lui raconte son histoire : messagère du peuple de l'eau, elle doit retourner chez elle, par l'intermédiaire de la piscine de l'immeuble (si tu ris déjà, c'est foutu). Menacée par une créature dissidente, soumise aux lois de son peuple, Story a encore du chemin à faire...

En soi, la volonté de Shyamalan est louable. Il tâche de créer son propre conte de fées et de le crédibiliser via des personnages plus particulièrement touchés par son folklore, car ayant été éduqué avec (ici, une famille asiatique). Peu à peu, le personnage de Cleveland (Paul Giamatti), voyant se matérialiser en face de lui les enjeux d'un conte de fées, tâche de trouver dans les gens qui l'entourent ceux qui pourront remplir un rôle actif et ainsi aider Story. Comme souvent chez Shyamalan, on retrouve l'un des schémas classique de son cinéma : le personnage principal est hanté par une perte grave (Mel Gibson et sa femme dans Signes), objet de douleur qui tombera à point nommé au cours du récit pour compléter une quête et sa résolution. Mêlant sa propre influence et l'histoire qu'il essaie de mettre en place, Shyamalan perd visiblement le nord.

Le problème principal du film, c'est qu'avec son horrible casting handicapé par des idées stupides sans fondements, impossible de s'attacher à suivre correctement la chose, mal mise en scène, lourde de symboles grossiers et sujette au ridicule à chaque séquence.
Ce n'est pas faute de savoir que Shyamalan et cynisme vont mal ensemble, mais Lady in the Water, conte branlant et lâché en roue libre, s'emballe, oublie toute notion de crédible dans son casting et file vers une résolution numérique effrayante. Cinéaste du merveilleux, Shyamalan oublie de s'adresser au spectateur dans cet essai et tout l'imaginaire possible à tendance à immédiatement tomber à plat (son plan final, une contre-plongée sous l'eau, sert autant son merveilleux qu'elle cache la misère).
Là encore, on réalise que le fragile équilibre du Village aurait pu s'écrouler à tout moment (pour certains, ce fut le cas). Dans ce cas précis, Lady in the Water est le film qui va "au-delà", qui ne s'encombre plus de détails meublant son intrigue pour la rendre plus limpide (et acceptable) : c'est un conte de fée livré brut, avec ces imperfections spectaculaires (dont une photo dégueulasse) et son arrogance toute trouvée, imposée pour exister.

*Pistes supplémentaires - Léger spoilers si vos n'avez pas vu le film*
Le plus surprenant, c'est le rôle que s'attribue Shyamalan, qui aurait mieux fait de passer plus de temps derrière son combo. Le réalisateur y joue un écrivain en mal d'inspiration, à qui le personnage énigmatique du film annonce qu'il rédigera un livre essentiel à l'instruction d'un futur grand de ce monde. La grosse tête ne s'arrête pas là, puisqu'avec ce passage non seulement Shyamalan se donne des airs importants, mais on le prévient que son livre lui vaudra de se faire assassiner. Imbu de lui-même, Shyamalan se voit comme un personnage important qu'il faudra faire taire, comme un martyre à une cause évidemment pas explicitée. Entre son désir de s'imposer à nouveau comme storyteller le plus original à Hollywood et son envie de survivre visuellement au travers de ses propres films, Shyamalan semble poser toutes les cartes qu'il a sans se soucier de comment on pourrait le percevoir.

Pourtant, on sait Shyamalan capable de second degré depuis qu'il s'est auto parodié dans un épisode d'Entourage dans lequel il court après son agent Ari Gold pour lui soumettre son nouveau pitch fantastique (extrait ici même) ; peut-être pour momentanément calmer tout le monde et montrer qu'il était encore sain d'esprit, ce dont on peut sincèrement douter à la sortie de Lady in the Water.
De même, Shyamala introduit un personnage assez étrange au cours du film : un critique de cinéma, blasé, têtu et incapable de s'émerveiller au contact du cinéma (il a déjà tout vu et tout compris). Supplice final, le personnage finira réduit en pièces sans autres formes de procès par l'une des créatures du film. Réglant ses comptes avec l'industrie l'ayant parfois vilipendé, Shyamalan fait montre d'une haine assez incroyable envers ce personnage certes pas très sympa, mais croyant anticiper la suite des opérations à force - lui aussi - d'arrogance.

Chronicart y voit un film essentiel, les conspirateurs peuvent aller y faire un tour... s'ils veulent s'en convaincre. Entre grand film incompris et grosse farce grotesque les avis sont tranchés mais l'absence "d'emballage merveilleux" fait grand tort au film. Si l'on y ajoute ses personnages bigarrés et les propres reflets du réalisateur, Lady in the Water devient une farce stupide malgré les (sans doutes) bonnes intentions de départ.

Shyamalan a récidivé avec The Happening en 2008, avec Mark Wahlberg et Zooey Deschanel, on en parle bientôt...

Film du jour : Wanted, de Timur Bekmambetov

2010-01-07T05:40:00.001+01:00

Un article à retrouver sur http://geekmehard.blogspot.com/ pour plus de lisibilité.

Wanted est encore un de ces produits allègrement balancé tous les étés par une Amérique avide de divertissements teubés. Pour autant, Wanted reste intéressant dans son traitement par-dessus la jambe et sa tentative d'instaurer une mythologie branlante, dont seul le pitch de base a été grossièrement gardé pour pouvoir ensuite adapter la sauce à l'infini (Wanted 2 est actuellement en production).

A la base Wanted est un comic-book bien nerveux scénarisé par Mark Millar et dessiné par J.G. Jones, une mini-série assez grotesque et délicieuse à lire pour qui digère bien les excès en tous genres. Teinté d'un zeste de pop culture et représentant un fantasme absolu de geek, Mark Millar nous présente, triomphant, la mort de tous les super-héros dont celle d'un ersatz de Superman. Sortis victorieux de ce combat, les super-vilains restants contrôlent toutes les arcanes du pouvoir et montent une société secrète de mercenaires chargés de servir leurs besoins. Capable de séduire n'importe quel fan-boy en manque de coups de coeur, Mark Millar emporte la timbale dans ce défouloir ambiant, comme il l'a encore récemment démontré avec la mini-série Old Man Logan, histoire alternative à l'univers Marvel projetant Wolverine dans un futur où il devra traverser les territoires réorganisés des Etats-Désunis.

Bref, Wanted est en soi un condensé féroce de violence où notre héros Wesley Gibson, apprend du jour au lendemain qu'il a une porte de sortie inattendu à sa vie de loser: il est le fils du plus grand assassin du monde et doit rejoindre une organisation secrète pour accomplir son destin.

Wanted, tel que revu par le système hollywoodien, est une plongée dans le film d'action décomplexé, aux relents de comic-book se faisant fortement ressentir par la réalisation nerveuse de Timur Bekmambetov, débauché de sa Russie natale. Blindés d'idées parfois impressionnantes (certaines issues du comic-book), le film peine à réellement rendre crédible son univers mais rend son pétage de câble au bureau (post-Fight Club) bien sympathique dans une séquence tape à l'œil marrante. Les effets spéciaux en deviennent parfois tangibles tellement le réalisateur s'attarde à les rendre hyper sensitifs auprès du spectateur (on découvre plus tard pourquoi), le film essayant de faire ressentir toute altération des sens à son public. Le plus gros du travail est d'ailleurs réussi dans cette actualisation du bullet-time vite ringardisé et quoique gadget total, le propos du film se suit avec un vague intérêt quand on essaie pas de nous faire avaler des salades où James McAvoy (dont c'est le premier blockbuster américain) la joue joueur de flûte de Hamelin.

Angelina Jolie, en mode anorexique, se contente de poser dans un rôle de femme forte monolithique qui lui colle à la peau ; dans le comic-book, Mark Millar avait demandé à J.G. Jones de s'inspirer de Eminem et Halle Berry pour représenter ses héros. On peut se demander ce qu'il en aurait été si cet étrange casting avait été respecté (après tout, Hollywood a déjà écouté Millar en demandant à Samuel L. Jackson de jouer Nick Fury dans Iron Man et The Incredible Hulk)

Regarder Wanted, c'est accepter de s'enfiler un hamburger assez gras où les fautes de goût sont plus que nombreuses, mais comme il ne s'agit pas de Michael Bay et qu'on arrive pas à se souvenir clairement du nom de Bekmambetov, on laisse passer. Terence Stamp et Morgan Freeman cabotinent et apportent une certaine classe à l'ensemble, premier blockbuster depuis longtemps où l'on se contrefout complètement des innocents sacrifiés directement à l'écran (cf. la scène du train).
Dans l'immédiat, Wanted donne envie de regarder les deux essais précédents du monsieur, Night Watch et Day Watch, deux premiers volets d'une trilogie décérébrée russe, réalisés pour chacun 4,2 millions de dollar, et rendant l'effet de 100 à l'écran. Le ticket d'entrée du réalisateur pour Hollywood.

Je recommande vivement aux fans de l'expérience de se plonger dans le comic-book, paru en un volume chez Delcourt, compilant l'ensemble de la mini-série.

Sortie ciné : Whip It, de Drew Barrymore

2010-01-06T23:29:00.010+01:00

Hasards des calendriers, les écrans accueillent aussi ce 6 janvier en France Whip It, rebaptisé Bliss dans nos contrées, du nom du personnage principal féminin. Rajout et actualisation du texte, en combo avec Bright Star, sortant aussi ce 6 janvier.

Alors que pullulent sur grand écran ces comédies indépendantes américaines libellées Apatow ou non, le premier film de l'actrice Drew Barrymore sort de nulle part et se présente sous les mêmes apparats: Tranche de vie ado, actrice à l'aura inévitable et exception culturelle purement territoriale (le roller derby). Effectivement, pris ainsi, le propos peut faire peur mais contrairement à 500 Days of Summer pétant plus haut que son cul, le film se veut moins morale lourdingue que récréation belliqueuse, leçon de vie en option. Et mine de rien, avec Ellen Page (Juno) dans le rôle principal, c'est un plaisir sans cesse renouvelé.

Bodeen, Texas. Bliss (Ellen Page), en mode grunge parfait, se débat entre son boulot de serveuse dans un café, sa mère envahissante tentant d'en faire une femme (une vraie), un père absent et des études qui ne vont pas très loin : Encore une Amérique de laissés pour comptes, mais avec toujours ce petit espoir qui pointe le bout de son nez au détour d'un flyer pour des démonstrations de roller derby féminin. Le film annonce la couleur d'entrée de jeu dans sa bande-annonce (meilleure promo possible), le programme est chargé : girl power affiché, gros sons et grosses taloches sont au programme de cette aventure parfaitement réjouissante, entre comédie et jolie tranche de vie inoffensive.

Un plaisir entretenu par les phases de roller derby, où noms de codes et tenues de gangs à la Warriors sont la norme et permettent à Drew Barrymore de développer un fétichisme propre à ce sport diablement entraînant. Les règles sont fugacement expliquées, mais au final ne compte que le plaisir de la confrontation lors de séquences à la Rollerball soft, dans un hangar aménagé. Dans ce sport strictement féminin, les filles tournent sur une piste ovale et fermée, et se foutent des taloches suivant des règles vaguement expliquées, mais toujours avec une bonne humeur communicative. Juliette Lewis ne pouvait pas choisir retour plus approprié avec ce film, dans lequel elle campe la capitaine de l'équipe adverse, bitchasse haineuse à la classe imparable. S'ajoutent au casting Zoe Bell (Boulevard de la Mort), la rappeuse Eve et Andrew Wilson (frère de Luke et Owen) en coach désopilant atterré par le niveau de son équipe.

Dans Whip It, personne n'est fondamentalement méchant, et l'adversaire principal de Bliss est la bienséance américaine de rigueur dans sa petite ville du Texas... Alors certes, les raccourcis sont faciles et l'ensemble s'égrène avec la régularité de films du même type déjà vus, mais l'immanquable bon esprit qui se dégage de l'ensemble du film permet de passer un excellent moment et donne envie de se lever dans les gradins pour hurler lors des séquences sportives à peu près bien filmées. L'inévitable histoire d'amour s'actualise des apparats du film indé, à savoir qu'on y retrouve un petit rockeur hipster s'intéressant de près à Bliss. Cette partie du film, bien plus faible, ne manquera pas d'outrer les quelques spectateurs ne sachant pas à quoi s'attendre ; les autres accepteront ce passage obligé, au final assez réjouissant si on se met à la place du personnage de Bliss, véritablement largué entre ce qu'on attend d'elle et la nouvelle passion qu'elle se découvre.

Drew Barrymore, autrefois promise au même glorieux avenir que son actrice Ellen Page, se réserve un petit rôle pas prégnant, et fait preuve d'une retenue et parfois d'une pudeur étonnante tout au long du film.

Critique chez Chronicart

Sortie ciné: Bright Star, de Jane Campion

2010-01-06T06:13:00.011+01:00

C'est mercredi (journée ciné). La programmation montréalaise m'ayant permis de voir en avance Bright Star, je reprends ici la courte chronique écrite à l'époque pour me caler sur l'actualité française.

Présenté au Festival de Cannes, Bright Star est le dernier film en date de Jane Campion, célébrée pour ses portraits de femmes au cinéma depuis de nombreuses années. Toujours hanté par le souvenir ténu du Orgueil et Préjugés de Joe Wright, c'est vide de tous préjugés que je me suis lancé dans cette nouvelle autopsie d'une Angleterre révolue, qui, si elle peine à se renouveler, fait toujours aussi plaisir à retrouver.
Car si on peut reprocher une chose à ces films se voulant d'époque, c'est qu'on y retrouve en général très rapidement la série de codes en vigueur, entre amours malaisés, échelle sociale à escalader et tragédies à affronter. Or, Orgueil et Préjugés parvenait à se hisser hors du lot par l'originalité du regard de son réalisateur, croisant direction d'acteurs rafraichissante, montage subtil et surtout, réalisation inspirée. Ici, Bright Star s'attache avec beaucoup plus d'académisme à suivre la jeune Fanny Brawne, entretenant une liaison avec un poète dans l'Angleterre du XIXème siècle : une situation de départ pas des plus réjouissantes, connaissant les états dans lesquels peuvent se mettre de pareils personnages pour survivre en pleine tragédie.

Bref, dépendant de l'humeur de chacun, le film peut s'aborder différemment, mais rapidement une tendance s'affiche : on peut rapidement pencher vers le film martyrisant à outrance ses personnages (et le film réserve un lot de scènes hors du temps si insensées qu'on peut facilement choisir cette option), ou au contraire adhérer aux us et coutumes de l'époque (une étiquette restrictive au possible) et s'énamourer de ce folklore perdu à jamais, l'œil mouillé.

C'est finalement dans ces retrouvailles dociles avec le temps que Jane Campion parvient à nous émouvoir, dans une authenticité rugueuse nécessaire avec son casting minimum enfermé dans une maison voyant passer les saisons. Entre cadres étroits et tentatives forcées d'onirismes, le film traverse le quotidien lourd de stigmates d'une famille anglaise, se réjouit des quelques moments d'heureuses dispositions, et pose de jolis plans au passage. Au final, l'originalité qu'on pourrait trouver au projet réside dans le fait que le poète de notre histoire se trouve être John Keats et que loin de se reposer sur une biographie bien sage, Jane Campion prend le parti de s'attarder presque uniquement sur les épreuves que va traverser la jeune femme amoureuse de celui-ci. Comme une ligne directrice cadrant l'histoire, la vie du poète sert de bases de repères et la cinéaste brode autour l'histoire de Fanny Brawne (parfaite Abbie Cornish), amoureuse transie et muse d'une vie.
Un joli film aux codes entendus, mais impeccable dans sa retranscription d'un amour touchant, se clôturant dans un plan final parfait.

Bonus :
- Un humble essai sur Orgueil et Préjugés, film compagnon indispensable à une certaine Angleterre.

Classement ciné: 14 films qui ont fait 2009

2009-12-31T08:16:00.045+01:00

2009 s'en est allé, voici un classement pour passer le temps et au final, un choix très difficile pour élire ceux qu'on retiendra plus particulièrement cette année.

Un classement dicté par des coups de cœur personnels, mort aux détracteurs et aux cyniques.

1 - Inglourious Basterds
On a tout lu et tout écrit sur le sujet, donc passons rapidement: Tarantino s'amuse et les historiens apprécient peu. Avec sa relecture assez spéciale de la Seconde Guerre Mondiale, le réalisateur s'offre un plaisir coupable assez génial au plaisir immédiatement communicatif, grâce à son entrain, sa direction d'acteurs et ses idées (de génie). Contrairement aux promesses générées par sa bande-annonce, Inglourious Basterds n'est pas un film de guerre mais plutôt un film mêlant les genres, perdant le spectateur dans les méandres de ses possibilités, cherchant là où personne n'est encore allé (cf. sa dernière séquence). Comme dans No Country For Old Men, personne ne se croise mais tout le monde va au feu, aidé d'une bande-son prenante et de dialogues percutants. Avec en bonus, une idée géniale en fin de métrage, selon laquelle le régime nazi se fait dézinguer par le Cinéma dans son sens large.
Christoph Waltz est hallucinant, le film contient des back-stories jouissives sur ses personnages et scalper du Nazi est l'idée la plus cool vue depuis un moment, malgré son relent de série B évident.
Bordel, ça faisait combien de temps qu'on avait pas vu un vrai film de cinéma ?

2 - Là-haut / Up
Pas de surprises, on trouve "fatalement" un film des studios Pixar quand on se lance dans une rétrospective de l'année... mais quel film ! Si Up n'est pas la pépite de l'histoire en terme de scénario, elle prend au cœur et ne relâche jamais la pression. On se retrouve prisonnier des aventures du "postier" et du vieil aigri, à crier en cœur avec les enfants dans le public entre deux sanglots que le méchant "est trop méchant" et à rigoler des gags particulièrement efficaces posés ça et là.
En plus de l'émerveillement constant qui constitue la chose, saluons la prouesse technique des studios de Californie et sa réflexion absolument pas stupide sur le deuil. On retient son souffle face aux magnifiques et effroyables 15 premières minutes du film, muettes, hypnotiques, fascinantes.
Impossible de me faire parler pendant l'heure qui a suivi la sortie de salle, l'ami Erwan est témoin !

3 - L'Etrange Histoire de Benjamin Button / The Curious Case of Benjamin Button
Un choix sans doute discutable mais une date importante et quasi immédiate de l'année: le retour de Fincher, adaptant une nouvelle de F. Scott Fitzgerald, après le magnifique Zodiac, film somme d'obsédé compulsif consacré au serial killer de San Francisco (critique de l'époque ici-même).
Malgré sa réactualisation dans une Amérique pré-Katrina discutable, le projet Benjamin Button reste une jolie histoire d'amour à travers les âges, avec à l'horizon ce funeste instant à peine vécu qu'il est déjà perdu: à un seul moment du film les deux personnages se retrouveront à égalité face à la fuite du temps, à un seul moment ces deux êtres qui s'aiment oublieront les tourments d'une vie séparée l'un de l'autre. Par ce simple moment noyé dans 2h40 de métrage dense et compact, Fincher stigmatise l'ironie de vivre pour un souvenir qui finira oublié dans les sables du temps.
Parmi les avancées technologiques en matière d'effet spéciaux, notons aussi le processus de vieillissement du personnage de Brad Pitt, théorisé jusque dans ses derniers retranchements face aux enjeux de l'histoire. Littéralement hanté par son conte cruel, Fincher adjoint au chemin de croix du personnage des seconds couteaux riches en enseignements et impose Cate Blanchett et Tilda Swinton parmi les beautés diaphanes de ce millénaire.
Benjamin Button, c'est -- parmi tant d'autres choses -- une reconstitution monumentale et des tranches de vies splendides au service d'un projet insensé (et une bande-annonce qui t'achève par la grâce d'Arcade Fire (trailer))

The Wrestler est l'absent notable du classement: La faute au film de Fincher, qui m'a pris en otage une semaine avant de voir le film de Aronofsky. Eric et Benjamin n'apprécieront pas mais ce n'est pas la première fois que je les déçois. J'admets quand même que l'ampleur hollywoodienne déployée par Benjamin Button puisse constituer un défaut majeur dans le produit fini. Personnellement, j'ai été envoûté.

4 - Morse / Låt den rätte komma in
Magnifique film suédois, remède miracle contre la soupe que propose Hollywood (pas représentée en masse ici pour une fois -- crois-moi).
Let The Right One In (traduit en français par Morse, youpi) raconte l'amitié de deux enfants, abandonnés chacun à leur façon, dans un cadre perpétuellement enneigé et obscur absolument magnifique. Mieux vaut ne rien savoir pour aborder le film, ode poétique et surprenante dans son dépoussiérage méthodique d'un mythe pour le moins entêtant... Brassant ses thèmes entre difficultés de l'enfance et besoin de refuge incompris des adultes, le film ouvre en plus une multitude de pistes quant à ses personnages, ne juge personne et affirme sa rage de vivre dans des séquences glaçantes, ballets morbides magnifiques. L'expérience est hypnotisante.
A regarder d'urgence avant que son infâme projet de remake américain ne se mette définitivement en chantier.

5 - Jusqu'en Enfer / Drag Me to Hell
Une surprise monumentale, relayée par des échos cannois dithyrambiques en séance de minuit: Après son aparté dans le blockbuster mutant (les trois Spider-Man), Sam Raimi revient à ses premiers amours et nous livre un film grotesque terminal, entre horreur, comédie slapstick et burlesque soigné ! Une réussite qui doit tout à l'enthousiasme de son instigateur, frustré de devoir rendre des comptes à tout le monde depuis des années, et montant du coup Jusqu'en Enfer avec sa propre maison de production. Dans la parfaite veine de ses Evil Dead au ton si décalé, Sam Raimi livre une histoire où une jeune banquière subit les foudres d'une gitane qui lui jette une malédiction. En parfait pervers, Raimi fait subir tous les outrages à son héroïne, laquelle tâche de se sortir de ce pétrin le plus rapidement possible, qui fait de ce morceau de pellicule un remède absolu contre l'ennui, parfaitement rythmé et oscillant avec merveille entre ces genres avant de nous lâcher en pleine horreur, à terre.
En parfait réalisateur, Sam Raimi nous montre en plus que bien dirigée, même la terreur la plus grotesque fait peur. Mention spéciale à Alison Lohman, qui y déploie des talents jusqu'ici inexploitées, et pensez à la version Unrated en DVD qui se lâche encore plus dans les détails croustillants.

6 - Une Arnaque Presque Parfaite / The Brothers Bloom
Un coup de cœur absolu, vendu sur le seul premier film de Rian Johnson : Brick (2005), film bâtard appliquant les codes du film noir à un cadre de teen-movie. Au final, une réussite bourdonnante d'idées et noir en diable, blindée de jolis plans me faisant guetter le ciel chaque fois que je foule l'herbe d'un terrain de sport. 3 ans après, Rian Johnson nous propose un héritier un peu maladroit mais plein d'humour.
Maladroit, parce que dans son ambition (le film parlent de 2 frères montant des arnaques haut de gamme pour plumer les riches), le monsieur loupe son dernier acte après une bonne heure de charmantes promesses, et qu'il y a presque trop d'argent dans le projet, provoquant des choix parfois discutables. Reste un casting génial (Adrien Brody, Rachel Weisz, Mark Ruffalo), une direction d'acteurs impeccable (je vous défie de ne pas tomber amoureux de Rachel Weisz) , une ambiance douce-amer unique et une vive douleur au cœur en quittant la salle.

(On en parle bientôt si j'arrive à boucler un texte amorcé en août dernier)

7 - District 9
La claque SF de l'année (avant Avatar), sortie de nulle part. Neill Blomkamp raconte avec son film comment des visiteurs d'un autre monde se sont retrouvés parqués dans un ghetto d'Afrique du Sud pendant que les grands de ce monde se demandaient quoi faire d'eux. A la base de ce succès, un court-métrage monté par Blomkamp, remarqué par Peter Jackson, qui lui alloue les fonds nécessaires pour en faire un film. Le résultat est surprenant, mêlant les genres avec la facilité et la rage d'un Shaun of the Dead (ou glisser autre référence adéquate).
On suit en premier lieu un scribouillard de l'administration à qui il incombe de délocaliser les charmants visiteurs de l'espace, avant que tout ne dégénère. Tourné d'abord à la façon d'un documentaire, le projet est casse-gueule mais se rattrape par sa surenchère ultra crédible où de catastrophes en catastrophes, le film se trouve un final parfait dans un affrontement plus-geek-tu-meurs entre forces locales et entités extraterrestres sur le terrain (Enfin du bon gros mécha depuis Aliens, et avant Avatar !). Malgré son budget "limité", District 9 est crédible dans ses effets tout du long (on croit retrouver la belle époque de Starship Troopers) et réserve quelques superbes moments de mises en scènes, notamment dans une scène proche d'un FPS et dans son affrontement final (où l'on jette des cochons).

8 - Star Trek
Quand la mode du reboot se mêle aux adaptations éparses et que Star Wars n'est plus qu'un lointain souvenir, il est temps de s'attaquer à un monument de la culture geek US, tombé en désuétude depuis des années (et pas aidé par l'éclat de séries comme Battlestar Galactica). C'est parti pour un reboot de Star Trek, officiellement, le 11ème de la série (!).
Absolument pas familier de la saga Star Trek, J.J.Abrams prend le train en marche et monte un scénario abordant la lourde mythologie avec un entrain et une fraîcheur forçant le respect: Retour aux sources donc, avec la jeunesse du futur Capitain Kirk et de l'équipage du vaisseau, entraîné dans un baptême du feu au succès largement mérité. Sponsorisé par ILM, Star Trek version 2009 est un pur ride noyé dans les lens flares (ces flash éblouissants), une montagne-russe qui fout le vertige et dont on ressort excité, conscient des ficelles utilisées mais prêt à y retourner. Si je le pose si haut, c'est pour son entrain, son accessibilité, son rythme et le fait qu'il s'agisse tout simplement du meilleur blockbuster de l'année (allez, un petit effort, les autres films US que je pose ont des raisons différentes d'être ici)

- Pour avoir une idée de ce que donnait Star Trek "à l'époque", cliquez ici pour un report du premier film (1979).
- Bonus lecture: Un article (je l'avoue de mon crû) pour savoir qui est ton nouveau maître en matière de geekitude, entre Joss Whedon et J.J. Abrams.

9 - The Box
Adapté d'une nouvelle de Richard Matheson, The Box suit un couple face à un choix cornélien, envoyant valdinguer tout morne quotidien au profit d'un fantastique fascinant. Avec sa mécanique subversive et son score magistral (par les têtes pensantes d'Arcade Fire), The Box ne lâche rien à la première vision et torture par sa logique implacable. Richard Kelly en remet une couche et nous plonge dans les tourments inhérents à son idée très personnelle du destin.
J'aurai adoré lui adjoindre son pendant futuriste, Southland Tales, mais la soupe n'a pas pris avec moi. Sorti en catimini en direct-to-DVD en France, le deuxième film de Richard Kelly (hué à Cannes il y a trois ans) est un hachis parmentier indigeste sur lequel il est difficile de s'attarder. Malgré tout, certains collègues comme Erwan lui trouve un intérêt maximal et je ne suis pas sans accorder à Richard Kelly une unité de thématiques et d'idées visuelles superbes entre Donnie Darko, Southland Tales et The Box, en plus de savoir gérer un casting particulièrement hétéroclite et presque surprenant (The Rock, Sean William Scott, james Marsden, Cameron Diaz...)
- On en parlait déjà là.

10 - Avatar
Projet pharaonique en développement depuis des années, plus gros budget du cinéma à date, magnat magnifique à la direction... Avoir des couilles, ça aurait été de le virer de ce classement ! Mais impossible de passer sous silence le retour de James Cameron au ciné, 12 ans après Titanic. Si la 3D tient parfois du gadget, la technologie développée (bien-nommée The Volume) permet à Cameron de filmer tous les plans imaginable, sous n'importe quels angles. Une date dans la façon d'appréhender le cinéma et la façon de penser en amont sa réalisation, quoiqu'on en dise.
Le seul point noir de l'ensemble tient au fait que l'intrigue générale est par trop classique (et déjà parodiée), mais c'est au final la somme de détails et l'imaginaire foisonnant développés qui permettent l'immersion totale au sein du récit. Avec ces créatures, ces vaisseaux, ces méchas et son foutoir ambiant, Avatar est gentiment régressif mais hyper enthousiasmant et la multitude de détails crées par Cameron rendent l'expérience magnifique. Avec ses plans inédits, ses scènes de fanboys absolument réjouissantes (encore ces vaisseaux et ces méchas chers au réalisateur), Avatar tient la distance pour toute personne oubliant son cynisme à l'entrée de la salle. Et d'autant plus en Imax 3D et en anglais !!

Seul véritable regret pour cette dernière claque de l'année: Sigourney Weaver n'y pilote pas de mécha, comme c'était pourtant le cas en 1986 dans Aliens déjà réalisé par James Cameron.

11 - Moon
Un premier film singulier, isolé dans une station spatiale posée sur la Lune. Réalisé par Duncan Jones, le film a cet air glacé, qui s'affranchit des contraintes posées par ces contemporains bien avant. La Lune, si proche et à la fois si loin de la Terre. Rien de badass de frontalement abordé, au contraire presque puisque la caméra en retrait nous pose en parfait témoin d'évènements qui nous dépassent. Pas de monstres si ce n'est l'homme, qui fera toujours pire quelle que soit l'issue: à son script faisant mine d'éviter les grands thèmes pour ne pas se répéter (d'autres l'ont déjà fait, et avec talent), Moon se maintient à hauteur d'homme pour aborder l'isolement et les réactions d'un homme perdu, confronté aux agissements et débordements d'une civilisation à présent lointaine. Le seul interlocuteur de Sam est d'ailleurs un ordinateur de bord aux humeurs changeantes joyeusement arty (à qui Kevin Spacey prête sa voix).
Pas avare en traitement à passer en revue, le film voit son ambition revue à la hausse en milieu de parcours, et étiole doucement l'agonie de son personnage principal dans une atmosphère de SF glacée, trip épuré et philosophique dans ses questionnements, marqué par un score entêtant de Clint Mansell.
Avec un production design magnifique, situé quelque part entre architecture futuriste et volontairement rétro, Moon se pose comme un joli OVNI absolument fascinant, reflet d'un homme à la psyché brisée, se sachant perdu, et donne en passant une bonne leçon d'humilité à tout le monde.

Et puis merde, bande-annonce !! // Sortie ciné France en avril 2010

12 - Démineurs / The Hurt Locker
Un film de guerre peut-être, mais surtout un film sur la psyché perturbée d'un homme de terrain. En s'aventurant sur le terrain houleux du film-témoignage d'un conflit en cours, Kathryn Bigelow ne se soustrait pas pour autant aux codes en vigueur, mais inflige à ses personnages un quotidien rythmé par le compte à rebours avant le retour (sauf ?) au pays. Si la démonstration est malheureusement assez schématique (scène de conflit/repos et confrontations), l'ex-madame Cameron se lâche en originalité dans les scènes de déminages et de tensions extrêmes (la scène de sniper, les déminages houleux et ses effets presque trop modernes dans ce contexte déjà-vu)
Sans juger l'occupation au niveau individuelle (la plupart des barbouzes sont tout simplement dépassés), la réalisatrice ne rend pas non plus son ennemi complètement inhumain façon The Kingdom: sans stigmatiser l'un ou l'autre des camps, chacun tâche tout simplement d'y survivre en attendant une résolution moins invraisemblable à l'enfer ambiant et quotidien.
Le casting 4 étoiles y passe avec joie, Jeremy Renner est fantastique de conviction et la conclusion glace le sang, montant un parallèle évident entre l'enfer de la guerre et celui du morne quotidien, sans repères ni échappatoires. Comme l'annonce en ouverture le film, "La guerre est une drogue" et Kathryn Bigelow démontre une nouvelle fois qu'elle est la plus burnée des réalisatrices en activité. D'ailleurs la dame de fer concoure cette année aux Golden Globes face à son ex-mari dans la catégorie Meilleur Film... Alors, Avatar ou The Hurt Locker ?

Hors compétition : Transformers 2 & Crank 2 - High Voltage

Toi même tu sais, j'aime les plaisirs coupables qui tâchent et en foutent plein les mirettes. Si en plus on peut avoir en même temps deux stéréotypes ambulants, le plaisir n'en est que plus grand. A tout seigneur tout honneur, place donc au mastodonte de l'année, Transformers 2, signé par le fascinant Michael Bay. Impossible de s'arrêter sur la carrière du bonhomme sans se demander ce qui l'anime, car entre Armageddon et ça, il y a de quoi se poser de sérieuses questions. dans ce cas précis, toutes les réponses sont là: machinerie hollywoodienne à son apogée et prête à s'écrouler, budget pharaonique, scénario débile, hégémonie américaine n'en ayant rien à foutre des vestiges du passé (les pyramides de Gizeh s'y font souiller), Transformers 2 est un essai assez fascinant, quasiment une œuvre d'art en regard de son kaléidoscope constant d'images et de couleurs propice à l'épilepsie.

Son contrepied est surprenant et n'aurait jamais dû voir le jour : Crank 2 est - classiquement - la suite de Crank, baptisé dans nos contrées Hypertension. Dans ce film, Chev Chelios devait parcourir la ville pour espérer trouver un remède au poison mortel courant dans ses veines ; le seul moyen de repousser les assauts constants du poison étant de booster son taux d'adrénaline, prétexte à des situations osées complètement inédites et surtout stupides. Mais le brouillon est correct et visiblement pas encore assez sale pour les deux lurons responsables de ce projet...
Sans spoiler pour espérer capter ton attention, Jason Statham se réveille sur le goudron au début de Crank 2, avant de se voir délester de son cœur en salle d'opération. La mafia japonaise remplace alors l'organe par une batterie maintenant pour un temps donné Chev Chelios. Lequel va devoir se démener une fois de plus pour garder ses accus chargés à bloc et tracer à travers toute la ville pour espérer retrouver ce qui lui est sien... Débile ? Crétin ? Génial ? Le film est surtout insupportable mais nous lâche au visage un tel enthousiasme pour le bricolage de dernière minute qu'il en devient fascinant.

Son statut de pellicule décomplexé fait de Crank 2 un GTA-like crachant sur tout et surtout sur les conventions du cinéma, tourné en un temps record avec des caméras ultra-légères et peu couteuses, permettant de réaliser des plans insensées et de mettre en image des idées d'une connerie splendide. Avec son approche diamétralement opposée à celle de Transformers, les réalisateurs Neveldine et Taylor ont crée un hybride décadent et repoussant dans lequel ils ont réussi à caster David Carradine, probablement l'un de ses derniers rôles au cinéma avant son décès accidentel.
Les exploitants français ne s'y sont pas trompés et le film a été interdit d'exploitation sur le territoire (sorti en direct-to-DVD)

Pour continuer l'exploration, deux liens :
- Transformers 2, la critique à chaud
- Quelques pistes supplémentaires pour aborder Transformers 2

LA SUITE...

Je vais me faire hurler dessus pour avoir oublié Un Prophète mais malgré son air de film de genre, j'ai la sensation d'avoir assisté à quelque chose de trop clinique et froid pour le retenir ; un autre jour peut-être... Et ce n'est pas faute d'avoir tenté le film français cette année. Parmi mes quelques essais, on retiendra Non ma fille, tu n'iras pas danser (mon premier Christophe Honoré, une expérience intéressante), Les Beaux Gosses (au ton décalé cru et réjouissant), Les Regrets (catastrophe), Jusqu'à toi (un film d'amour mignon, j'étais d'humeur...) et Fais-moi plaisir (vaudeville marrant au casting féminin épatant).
Depuis l'exil au Canada, difficile de se mettre à jour.

Quatre entrées tardives dans ce classement, une nouveauté et trois retards. Avatar prend quelques places d'entrée de jeu avec sa sortie de fin d'année, les autres sont des rattrapages, n'ayant pas eu l'occasion de les voir au cinéma ou ayant sciemment choisi d'éviter la VF imposée dans ma jolie ville de province. Il s'agit de Démineurs (Kathryn Bigelow), Morse (Tomas Alfredson) et Moon (Duncan Jones), trois outsiders et au final, trois surprises de taille dans des genres très différents (guerre, fantastique, science-fiction)

Plein d'amour aux films qui suivent: Zombieland, Public Enemies (on en parlait là, dans le cadre d'une courte rétro époque), Fish Tank, The Girlfriend Experience, Zack & Miri make a porno (direct-to DVD), The Wrestler, The Chaser, Gran Torino dans lequel Eastwood se met lui-même en scène dans un dernier baroud d'honneur (trop facile !) et Les Noces Rebelles auquel je lui préfère la grandiose série Mad Men.

Pas vu pour une question de programmation: Tetro de Coppola
Déception: Max et les Maximonstres
Nullard: L'attaque du métro 123, Numéro 9

L'année ciné reprend, à bientôt

Classement des 25 films de la décennie (perso)

2009-12-25T06:45:00.016+01:00

Non, Geek Me Hard n'est pas mort mais survie par intraveineuse depuis quelques mois. Voici de quoi le renflouer avec un top 25 de la décennie, posé dans l'urgence et le besoin de témoigner, fin de décennie oblige. Un top infiniment personnel, probablement assez peu réfléchi. L'amour domine, cependant, et c'est ce qui compte.

1 - The New World
2 - Kill Bill (deux volumes)
3 - Donnie Darko
4 - We Own The Night
5 - The Dark Knight
6 - Children of Men / Les Fils de l'Homme
7 - The Fall (de Tarsem Singh, pas le film allemand)
8 - Two Lovers
9 - The Others / Les Autres
10 - Zodiac

11 - There Will Be Blood
12 - Brick
13 - The Incredibles / Les Indestructibles
14 - It's all about love
15 - 28 Days Later / 28 Jours Plus Tard

16 - Pride and Prejudice / Orgueil et Préjugés
17 - War of The World / La Guerre des Mondes
18 - Eternal Sunshine of the Spotless Mind
19 - The Village
20 - A History of Violence
21 - The Life Aquatic (with Steve Zissou)
22 - The Bourne Ultimatum
23 - The Host
24 - Hellboy 2
25 - Bad Boys 2 (pour l'abus total et la dégénérescence ambiante, toujours inégalés)

Je précise que n'ayant pas pu revoir certains films importants de la décennie, j'ai dû en mettre certains de côté - dont les Appatow, faute de place. Notons quelques absents auxquels je tenais: Lost in Translation, Collateral, The Pledge, The Departed, Mystic River, Mulholland Dr, Boogie Nights, The Descent, Blade 2, Superbad, Pineapple Express, Jarhead... et par léger souci d'objectivité, je n'ai mis aucuns films de cette année.

Je joins avec cet article le Top 25 de Julien, infiniment plus cinéphile que moi, qui permettra d'ouvrir le débat et de prolonger le plaisir (même s'il triche en mettant plusieurs films de mêmes réalisateurs) :

1 - Zodiac
2 - Kill Bill (deux volumes)
3 - No Country For Old Men
4 - Two Lovers
5 - The Host
6 - The Departed
7 - A History of Violence
8 - Mystic River
9 - Mulholland Drive
10 - Inglourious Basterds
11 - Le Nouveau Monde
12 - Million Dollar Baby
13 - The Dark Knight
14 - The Yards
15 - Match Point
16 - Old Boy
17 - King Kong
18 - Paranoid Park
19 - Un Prophète
20 - Morse
21 - Children of Men / Les Fils de l'Homme
22 - The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford
23 - Eternal Sunshine of the Spotless Mind
24 - Time and Tide
25 - Ali

G.I. Joe : L'amour à moudre, les miettes à ramasser

2009-08-19T10:50:00.001+02:00

Cette année, la Paramount voit grand en lançant en association avec Hasbro deux adaptations cinés dérivés de jouets. On croyait avoir tout vu mais les exécutifs d'Hollywood continuent de nous attérer consciencieusement tous les ans. Si Transformers 2 s'avérait au final être un plaisir coupable épileptique parfaitement conseillé après quelques séances de préparation, que pouvait-on attendre décemment de G.I. Joe, film ouvertement pro-Américain dont le pendant satirique s'appelle Team America ?

Tout simplement RIEN. Si ce n'est la satisfaction d'avoir les talents de Stephen Sommers derrière la caméra, grand absent des écrans cinés depuis Van Helsing en 2003. Ce projet de la Universal, qui voulait faire revenir au ciné ses monstres sacrés (loups-garous, vampires et autres), était au final un ride décervelé, qui perdait toute prestance dans sa boursouflure d'effets spéciaux... GI Joe, c'est la même chose, avec du pire en plus.

Au cœur du projet, l'élite secrète GI Joe et les terroristes de chez Cobra, lesquels parviennent à mettre la main sur des missiles d'un nouvel ordre. A l'équipe de GI's de récupérer lesdits missiles et de faire la nique aux méchants !

Construit autour de l'endive Channing Tatum et de la lisse Sienna Miller, le film est racoleur au possible, là où même Transformers 2 finit par paraître subtil. Visiblement pas conscient des clichés en vigueur depuis des années à Hollywood dès qu'on parle de blockbuster, les scénaristes de la chose ont foncé droit dans le mur avec son intrigue à base de missiles volés et, pire, sa sous-intrigue de méchante devenant gentille par amour pour le beau leader des gentils (ici on spoile, c'est gratuit !)

Au milieu de ce désert de bêtise, le script essaie de nous vendre que la bande de militaires est belle et sympa, toussa quoi: Mais contrairement au film de Michael Bay, toutes les tentatives d'humour tombent lamentablement à plat. Alors qu'en terme de construction de personnages, les scénarii de ses dernières années semblent ne jurer que au choix, par le trauma passé ou les vannes lancées pour détendre l'atmosphère (ici et respectivement, l'enfance de Snake Eyes et Marlon Wayans en comique de service), G.I. Joe peine sur tous les fronts à proposer un fond sympa. Chaque tentative poseuse de déclencher le rire s'écroule maladroitement. Incapable de développer ses personnages plus que le strict minimum, le film s'en sert comme de pions remplaçables destinés à nous faire passer un bon moment. Tout au plus entend-t-on leurs noms de codes respectifs, voit-on quelles sont leurs armes de prédilection (un passage obligé pour une gamme de jouets adapté au cinéma), sans autres formes de procès. Sans doute conscient de l'humiliation qui guette, Stephen Sommers s'en remet à ce qu'il fait de mieux : de l'action pétaradante, généreuse et parfois conduite à l'aveuglette si on en juge de ce qu'il se passe à l'écran.

Chapeau bas au production designer du film qui s'en est donné à cœur joie, sans avoir le plaisir de voir toutes ses créations utilisées correctement. Dans cette foire, impossible de mettre un chiffre sur le nombre de bases secrètes, véhicules futuristes, armures de combats et armes badass passés en revue. Comme une caravane de l'étrange vendue au Dieu entertainment américain, le film dote même Paris d'un tramway au couleurs de la RATP pour le plaisir de le traverser, dégâts oblige. Le point culminant du film, c'est d'ailleurs cette course effrénée dans Paris, avec certains plans larges bardés d'effets spéciaux, pour faire genre "On y est !". Autour de l'Arc de Triomphe et le long des quais de la Seine, les véhicules se percutent et explosent tandis que deux abrutis en méga-armure courent partout en défonçant le maximum de choses. C'est ahurissant, filmé n'importe comment (parfois bien quand c'est pour poser) et toujours dans l'optique de démonstration qu'il n'y en a pas encore eu assez de dégâts.

Malgré les moyens, on sent clairement la limite vaine des effets spéciaux pendant tout le film. Comme si Transformers 2 avait récupéré tout le budget estival de la Paramount, GI Joe doit faire avec un budget clairement pas assez conséquent pour illustrer proprement tous les lieux, les effets et les dérives (surtout les dérives) du scénario. En clair, GI Joe est un film des années 80 doté d'une technologie perfectible et des moyens d'un blockbuster d'il y a quelques années, le tout monté ensemble avec l'affront d'un gamin de 5 ans préparant une fin du monde dans un bac à sable. Ceux qui taxait encore Michael Bay de grand enfant peuvent se rhabiller vu la maîtrise formelle de son dernier film à côté de cette purée, que le fun dégagé ne peut totalement excuser.

Détail presque anodin et gros morceau de la bande-annonce, l'explosion de la Tour Eiffel. Il est quand même effarant de voir qu'en 2009, les américains font encore des films où l'on explose les monuments à tire-larigot, juste pour le plaisir du plan d'affaissement surdécoupé et celui du bon mot quelques scènes après ("Le gouvernement français n'est vraiment pas content, vous les comprendrez"). Michael Bay s'est aussi bien lâché sur les pyramides, alors que la suite se prépare avec (encore) Roland Emmerich et sa fin du monde dans 2012. Mais la dernière fois que la Tour Eiffel a morflé, c'était dans Team America (par les créateurs de South Park), une affiliation qui n'échappe pas à GI Joe et qui récupère à son avantage cette caractéristique pour proposer un spectacle décomplexé (comme l'était Van Helsing), parfois frustrant vu le peu d'ampleur donné à l'histoire, mais définitivement réjouissant dans ces derniers moments. Parce qu'à force d'assister à l'inacceptable, on finit par revoir ses exigences à la baisse et de laisser passer tout et n'importe quoi sous peine de bloquer dès les premières minutes.

Niveaux acteurs, Christopher Eccleston écarte tout le monde. Le Dr Who (saison 1) au faciès pourtant sympathique fait ici place à un mégalo tordu qui veut faire péter Paris pour venger un ancêtre offensé par les français 3 siècles auparavant... A l'annonce de cette magnifique réplique, on s'en veut de ne pas voir le film en VO pour savourer l'accent écossais de l'acteur s'en donnant à cœur joie dans le rôle de McCullen/Destro, appelé à revenir en renfort dans une suite déjà annoncée. Pas dupe pour un sou, Stephen Sommers fait péter toutes ses cartouches et place soigneusement ses pions à la fin, avec l'argument d'un scénario déjà "minutieusement" préparé.

Reste un casting de têtes connues passées dire bonjour à leur réalisateur, de Brendan Fraser en caméo à son némésis de La Momie, Arnold Voosloo (l'un des grands méchants de chez Cobra). Curiosité du casting, on retrouve aussi Jonathan Pryce en président des Etats-Unis: même 2012 de Roland Emmerich est à jour en plaçant à ce poste crucial Danny Glover, acteur noir-américain. Dennis Quaid, dont on adore la gueule mais qui cachetonne depuis des années, pose fièrement en Général Hawk, chef des G.I. Joe prêts à tout casser.
Mais la surprise vient d'ailleurs, puisque dans le rôle de Cobra on retrouve Joseph Gordon-Lewitt, soit la meilleure chose qui soit arrivée au ciné indé US depuis quelques années. On l'a vu dans Mysterious Skin, Brick, j'en passe et des meilleurs, personne ne l'attendait au tournant pour GI Joe. Caché derrière un masque impénétrable, on reconnaît la gestuelle du gamin, content de se prêter au jeu. Ici-bas, on continue encore de se demander ce qui a pu le motiver à l'idée de faire ce film...

La prise de conscience : Impossible, en sortant de GI Joe, de considérer encore Michael Bay comme un tâcheron. A côté de Transformers, GI Joe fait pâle figure : La première heure de long-métrage fait peine à voir, avec ses plans décadrés dans tous les sens, son absence de gestion d'espace et ces scènes d'où sortent tout et n'importe quoi comme un carnaval fantasmé de technologie militaire.
A cette purée visuelle constante s'ajoutent des dialogues atterrants finissant par être franchement drôles à force de renâcler tous les poncifs du genre, le must étant sans doute quand Dennis Quaid scande "Allez les GI Joe, on rentre à la base !" en fin de mission. Un bon moment de n'importe quoi, ouvertement mauvais.
Car il est loin le temps où le projet était pensé sérieusement ; suite à des projos presse apparemment catastrophiques, le film aurait été remonté et repensé pour se gausser de lui-même. De ces rumeurs, on ne connaît finalement pas le dernier mot mais toujours est-il qu'en se positionnant sur la ligne des blockbusters de l'été, GI Joe avait tout à prouver, et s'en sort piteusement, à quatre pattes, tendant le bâton pour se faire battre.

BONUS : Très rapidement, Snake Eyes, c'est de la balle (avec un final pompé en partie sur La Menace Fantôme), Saïd Tagmahoui ne ressemble à rien, et l'on se prend plusieurs fois au cours du film à se tourner vers son voisin pour lui souffler de façon éhontée: "Elle est bonne la rousse".
C'est aussi ça GI Joe, un film parfois si horrible qu'on se prend à devenir de bien laids êtres humains.

Transformers 2 - Pistes de lectures annexes et réflexions tardives

2009-08-05T09:33:00.003+02:00

C'est à l'occasion d'un débat animé avec Erwan (éminent représentant ciné de Radio Campus Rennes), que la nécessité s'est imposée d'elle-même : il faut revoir Transformers 2. M'étant déjà fendu d'un texte à cette époque (à cette adresse), on se contentera de quelques pistes de lectures pour vivre l'aventure autrement.

- Diplômé de la Wesleyan University dans le Connecticut, Michael Bay a pourtant tout du californien pure souche, avec sa stature de sportif et sa belle gueule dorée par le soleil. Et à dire vrai, Michael a sans doute été un de ces frat boys, espèce détestable d'étudiants retranchés dans des confréries machistes arborant un dégoût sauvage du geek et animant cette certaine idée du culte du corps. Michael Bay effectue d'ailleurs un inexplicable caméo dans Mystery Men (1999 - film de losers-héros), assis à la table d'une fratrie de beaux gosses portant les sigles d'une vague université. On le voit brailler l'espace d'un plan, puis il disparaît dans la faune du film auquel il ne participe pas plus (pas producteur et encore moins scénariste). C'est sans doute frustré par sa scolarité dans une université de l'Est qu'il parsème depuis sa filmographie de déclarations d'amour aux jeunes femmes de Californie.

Parenthèse : Michael Bay reste cependant tellement awesome qu'il a tourné dans une pub dans laquelle il se parodie lui-même.

Ainsi, Transformers 2 se transforme en retour au pays quand Sam Witwicky s'envole pour Philadelphia et une université au nom inconnu. On apprendra dans la section anecdotes de l'IMDb que deux universités ont servi de lieux de tournage, mais que face aux dégâts imposés par l'histoire au sein des murs de chacune d'entre elles, les doyens respectifs ont jugé que Transformers 2 ne serait pas la pub idéale pour leurs établissements.
Sans déconner.

Quatre exemples pour trois séquences pèles-mêles abordées avec ce nouveau cadre :

Aimer la nouvelle diversité (et ses perversités)
- On en faisait déjà des articles quand les choses s'annonçaient à peine (genre ici, par moi-même) , le casting s'enrichissait d'un personnage féminin. Je l'ai confondu un moment avec la craquante informaticienne du premier épisode, mails il n'en est rien, Isabel Lucas est bien une nouvelle arrivée. Une arrivée intéressée puisque la belle y joue une blonde aux intentions très claires et exclusivement charnelles dans ses premiers moments. Avec un empressement flippant et un rentre-dedans démentiel dès sa première scène avec Sam, on en serait aussi bloqué que lui. Complètement déshinibée, on lui doit quelques réactions stupidement géniales de la part de Sam, qui ne sait plus quoi faire pour s'en débarrasser. Ses scènes parfaitement réjouissantes laissent au final un goût d'inachevé par leur potentialité de teen movie qualitatif qui aurait pu être réussi : Megan Fox y lâche enfin un semblant de jeu d'acteur quand elle est furax, et Shia LaBeouf peut répliquer par des idées qui n'auront pas le temps d'être exploitées à cause du rythme du film (parmi les idées de dialogue : le temps mort de 10 secondes, les excuses bateaux de mecs pris la main dans le sac, les hurlements pour détourner l'attention, bref, que des ressorts qui fonctionnent en l'état vu le rythme du film)

La belle Isabel se révèle finalement être un méchant robot destinée à capturer Sam grâce à ses attraits qu'elle a nombreux. Une séquence efficace achève de la muter en créature métallique insatiable.
Le site io9.com rapportait que la création de cette séquence à elle seule avait demandé aux ingénieurs deux mois de travail pour chaque SECONDE de transformation de la bête. Voilà qui peut expliquer son peu de présence à l'écran, ainsi que sa seconde transformation, ellipsée par un plan de coupe alors qu'elle bondit sur la voiture de nos fuyards.
Reste qu'en l'état, la belle Isabel Lucas restait la meilleure réponse aux besoins de scénarios des producteurs : En exploitant plus judicieusement son faux triangle amoureux, ils auraient pu offrir une part de rêve certes typiquement balisée mais bien moins invraisemblable que son rollercoaster à présent éventé. D'autant que via un personnage rodé niveau informatique, Michael Bay se trouvait l'occasion d'un plaisir pas coupable. Un personnage qui annonçait tout de go : "On a piraté la base de données du rectorat pour avoir toutes les bombasses dans notre dortoir". La plus belle idée du film, formulée trivialement, prétexte parfait pour cadrer ses actrices comme dans un film de cul (cf. la dernière tentative d'Alice de séduire Sam) et filmer des scènes de fêtes étudiantes comme la séquence de boîte de nuit dans Bad Boys 2 (séquence où apparaissait déjà une Megan Fox -- mineure à l'époque -- créditée sous l'appellation "Bikini Kid Dancing Under Waterfall")

Cadeau, un extrait d'interview où Isable Lucas apparaît comme étant seulement jolie.

Movie Trailers - Movies Blog

Destruction des héritages du passé :
- Piste dont la paternité revient à Erwan : En bon frat boy sans cervelle qu'il a sans doute été, Michael Bay a des comptes à régler avec l'université. Prétexte à l'histoire, Sam, Mikaela et Leo se réfugient dans une impressionnante bibliothèque qui finit par voler en éclat sous les assauts répétés du robot carnassier. Comme si les vestiges de la connaissance ne comptaient plus, ou que Michael y trouvait la parfaite disposition pour sa scène d'action, le lieu est tout simplement rasée, annihilé, sans espoir d'être sauvé. Les acteurs virevoltent, sautent du sol au plafond, tentent d'échapper à la menace. Les plan se multiplient, les bibliothèques explosent, les livres se déchiquètent et le "lieu de culte" est réduit en bouillie avant de voir la suite de son action se poursuivre sur le campus.

C'est presque aussi révoltant que de voir les Piramides de Gizeh se faire escalader par des robots peu soucieux de préserver ces merveilles du monde. Quelques plans plus tôt, on nous montrait d'ailleurs la famille Witwicky en vacances à Paris, se faire agresser par un mime et recracher leurs escargots avec force rouspétance. Rien d'insultant jusqu'à présent, Transformers 2 est un film américain usant des clichés touristiques comme de gimmicks passagers. Attendez de voir comment sont traités les Egyptiens.

Dialoguer teen dans un film de robots
- C'est au sein de ces séquences de destruction qu'on découvre que Sam a la panique facile, un trait caractérisé par un débit verbal étonnant quand il doit s'exprimer. Impossible de ne pas au moins esquisser un sourire quand celui-ci, au bord de la crise de nerfs toutes les 20 minutes, doit résumer la situation à un nouvel arrivant en lui hurlant tout ce qu'il sait dans un charabias difficilement compréhensible de prime abord : mêlant analogies et beaucoup de répétitions ("des signes dans ma tête !", hurle-t-il à longueur de temps), le comique est basé le plus souvent sur cet empilement successifs de répliques hurlées comme des taglines efficaces.
Dans les séquences de l'université, on trouve aussi des moments plus posés où les échanges deviennent presque aussi récréatif que dans un film d'Apatow. Les répliques fusent et semblent naturelles, balancées du tac au tac. Même en VF le résultat est criant de vérité et réjouissant, entre grosse farce entre amis et panique exhultée par le verbe.

Au dialogue s'ajoute le jeu :
- Détendue par un gâteau aux herbes, la mère stressée accompagnant son fils devient anormalement cool et se balade sur la campus, criant à qui veut l'entendre que son petit vient d'emménager à côté (et qu'il se déguisait en Spice Boy quand il était petit). Totalement hors de contrôle, elle s'enfuit quand son mari veut la rattraper, donnant lieu à un moment d'improvisation miraculeusement capturé au sein de cette structure bien rodée.
Attention, ça va très vite et cette fois-ci, sans plans de coupes, pour une scène où Shia LaBeouf se demande presque ce qu'il fait dans le plan : Constitué pour une fois d'humains uniquement et non plus de doubles fantômes qui laisseront la place à des robots doués de la parole, ce plan reste intéressant pour sa dynamique vaguement abordée de pure comédie. Sam tâtonne, cherche à occuper ses mains, ne sait plus comment réagir face à sa mère lâchée sur le campus, puis finit par tourner le dos à la scène pour faire semblant de refaire ses lacets. Une situation de gêne portée à son paroxysme quand une fille interpelle Sam pour lui demander de s'occuper de sa mère, qu'il fait semblant de ne pas connaître.
Au sein de cette courte séquence réalisée en un plan, on sent la part d'improvisation d'un acteur et les éventuelles possibilités qui auraient pu en découler dans le cadre d'une direction d'acteurs différentes ; par la suite, il faudra se contenter de dialogues débités en rafale pour espérer percer un peu de vie derrière la mécanique huilée de l'organisation.

Fuck l'amour, vive l'art (de la guerre)
- Dans cette débauche d'effets et d'intrigues à (dé)mêler, Michael Bay perd en chemin le ressenti immédiat pour son couple gagnant, Shia LaBeouf/Megan Fox, empathie qu'on pouvait ressentir avec, par exemple, la paire Ben Affleck/Liv Tyler dans Armageddon (du même réalisateur). Avec le changement d'époque s'accompagne un changement de moeurs, de style : 11 ans séparent les deux films. Dans Armageddon, Ben et Liv s'ébrouent dans deux touchantes scènes intimes, avant de se marier en générique de fin. Transformers 2 évolue, avec ces protagonistes qui se donnent rendez-vous sur internet pour tchatter. En chemin, on se cherche dans des dialogues débités à la mitraillette et on se dit "Je t'aime" avec difficulté : une épreuve montée comme un climax émotionnel qui ne marche jamais, alors qu'on n'arrête pas de se faire aguicher en chemin, que ce soit par la mise en scène ou par les créatures qui défilent sur l'écran. La suite, en hors-champ, toujours.

Transformers 2, c'est un peu moins con que ce qu'on veut bien en penser, mais c'est vrai qu'il faut parfois chercher... reste de bonnes idées ça et là pour les déviants, et beaucoup d'espoir pour la suite !

Sortie ciné inattendue : Jusqu'à toi, de Jennifer Devoldere

2009-08-01T11:52:00.002+02:00

Avec l'été arrive la disette ciné, mais comme on est toujours prêt à tenter le diable, c'est parti pour le film français du mois ! Un premier film qui sort de nulle part, apparente sortie technique de juillet, à trois semaines de la sortie du bulldozer Inglourious Basterds. A première vue il n'y a aucun rapports entre ces deux productions, si ce n'est que le film de Tarantino partage avec Jusqu'à toi l'actrice Mélanie Laurent, l'occasion sans doute de booster un peu les chiffres d'un petit film sorti sans grosse promo.

Le pitch, c'est de l'amour en conserve : A 26 ans, Chloé vit seule à Paris. Tout semble aller pour le mieux. Un bon travail, des amis agréables, des voisins conciliants... Elle attend juste le grand Amour. Et seuls les films qu'elle loue régulièrement en DVD lui apportent une lueur d'espoir. Un jour, elle croise sans s'en rendre compte un Américain, Jack, largué par sa copine, et qui vient de gagner un séjour à Paris. Chloé va alors, par un heureux hasard, récupérer la valise de Jack, et surtout tomber amoureuse de son contenu...

Rythmé par une chanson entêtante de Kate Nash, le film suit le parcours de Mélanie Laurent, adorable et espiègle, qui perd son inaccessibilité le temps d'un film, pour devenir cette voisine qui pourrait habiter dans l'appartement d'à côté. Rêveuse, légère mais incroyablement grave dès qu'on en vient aux sentiments, elle parvient à insuffler à son personnage (Chloé) un je ne sais quoi de particulièrement original et touchant dont on ne peut que tomber amoureux.
Dans cette histoire romantique à Paris qui pourrait dès son pitch en dégoûter plus d'un, le potentiel parfum d'artificiel est vite évacué par la légèreté de l'entreprise : Le film est construit comme une enquête loufoque qui mettra à contribution toutes les personnes que Chloé connaît, pour retrouver le propriétaire de la valise rouge et oser lui parler. Entre espoirs qu'elle sait à juste titre déraisonnables et envie d'y croire, elle va faire du chemin pour sortir de sa petite bulle et faire ses premiers pas dehors. Sous ses traits si charmant, Chloé est un personnage différent qui rassure presque sur les filles de son âge : on peut être une adulte et encore rêver du Prince Charmant, un piège comme une bénédiction.

Jusqu'à toi, c'est un film au titre laissant songeur, vaguement poétique on ne sait pas pourquoi, où l'on se laisse embarquer entre les murs décrépis d'un hôtel parisien, un appart de jeune fille un peu perdue, un film où l'on passe d'un continent à l'autre l'espace d'un plan. Un postulat et une facilité qui semblent inhérentes au genre, et qui peut vite énerver si ce n'était pour la fraîcheur dégagée de l'ensemble et la conviction qui s'en dégage. L'intrigue se joue sur deux niveaux, entre Chloé et son quotidien qui dérape petit à petit, et l'américain Jack en vacances à Paris, où il attend patiemment qu'on retrouve sa valise (à ce titre, le point de vue américain sur la vie d'hôtel en France est assez hilarant).
Partagé entre anglais et français, le film ne se cantonne pas à sa situation de comédie romantique, et joue la chronique de mœurs à partir de deux personnalités assez originales espérant un peu mieux que leur présente situation. Un jeu de chaises musicales qui devient presque cruel avec ses personnages dans son dernier acte avant de nous rassurer sur le devenir de chacun. Ouf.

Jusqu'à toi se plonge dans le quotidien de ses personnages, même secondaires, au point de nous faire partager quelques facéties sympathiques. Au creux d'une séquence, on y développe un concept sympa : la théorie de la compatibilité par le DVD. Trois titres, trois films pour savoir si on se correspond. Un test qu'on n'hésite déjà pas à se faire en soirées, sans pour autant l'avoir formulé ainsi.
La réalisatrice Jennifer Devoldere enrichit au passage sa douce épopée de seconds rôles réjouissants, du réceptionniste d'hôtel odieux au père de Chloé, un peu paumé, joué par le grand Jackie Berroyer (à voir impérativement : Calvaire). On y croise aussi l'acteur Billy Boyd (Pippin dans le Seigneur des Anneaux), anglais pimpant à l'accent génial, jouant le meilleur pote de Jack, qui apporte au film une caution comique indéniable par ses interventions toujours un peu "directes".

Détail lolant entre gens bien : Chloé est une vraie consommatrice de DVD et se fournit dans un vidéo-club. Un vidéo-club que les clients d'Opération Frisson de Yannick Dahan peuvent reconnaître puisqu'il s'agit de celui servant de cadre à l'émission (sans doute suspendue depuis). Arié Elmaleh, bien moins relou que son frère, y joue le gérant qui lit Mad Movies et parle (presque) bien de ciné de genre : sont évoqués pêle-mêle The Grudge, 28 jours plus tard et The Descent. Des références "obscures" dans un film romantique, il n'en faut pas plus pour m'agiter sur mon siège.
Si tu n'as jamais vu Opération Frisson, clique ici pour de l'exemple consistant !

Jamais démonstratif, toujours dans l'attente et à l'affût du bon moment, Jusqu'à toi est le formidable récit d'une rencontre confuse et sujette au doute jusqu'à son dénouement, trop beau pour être vrai mais pourtant si évident. La vie n'est pas faite que de coups de foudres, on apprend aussi à se connaître avant.

8/10 parce que In the Mood for Love

Filmographie sélective - La vie, l'amour, les brunes : Liv Tyler en 12 films (2/2)

2009-07-28T13:02:00.006+02:00

Seconde partie du dossier films consacré à la grande brune. Si tu es perdu, tu retrouveras la première partie de nos retrouvailles juste ici.
Ceci est une tentative enjouée de faire partager quelques moments cinés d'une actrice sympathique, à la filmographie diverse et variée. Parmi ses souvenirs émus se cachent quelques chroniques de films et la joie d'y trouver des qualités différentes à chaque fois. Alors youpi !

Après l'expérience Empire Records, Liv Tyler est invitée à un caméo facilement identifiable dans U Turn (1997). Le réalisateur Oliver Stone, alors en pleine période post-Tueurs Nés, y retrouvait l'Amérique déjantée et redneck qu'il adore pour faire de ce film un sommet éprouvant de folie. Tombé en rade dans un coin paumé, Sean Penn se retrouve confronté à la faune locale, visiblement sérieusement attaquée par le soleil. Aux prises avec tout le monde, embrigadé dans des histoires de fric et manipulé par une Jennifer Lopez qui tournait encore dans des bons films (avec The Cell et Hors d'Atteinte), Sean Penn risque lui aussi de péter un câble...

U-Turn est aussi un cas typique de film au casting impressionnant, qu'on identifie pas immédiatement. Dans la tourmente se trouvent aussi Nick Nolte, Jon Voight, Billy Bob Thornton et le couple Joaquin Phoenix/Claire Danes (réunis quelques années plus tard dans le magnifique It's All About Love). Un show permanent qui tape sur le système, dans le bon sens du terme. On peut croiser Liv Tyler à la station de bus, attendant patiemment son tour au guichet derrière un Sean Penn à bout de nerfs, cherchant à fuir la ville.

Un court trailer pour se convaincre :

Petit film très sympa, Guns 1748 (Plunkett and MacLeane en anglais) est mineur mais très cool. Réalisé en 1999 par le fils de Tony Scott, on y retrouve deux fripouilles incarnés par Robert Carlyle (YEAH!) et Johnny Lee Miller (yeah?), s'invitant incognito chez les riches pour les dévaliser et tout garder pour eux. Une certaine idée de la belle vie, jusqu'à ce que l'un des deux ne tombe sur de la bourgeoise de standing incarnée par notre brune préférée qui joue de son joli minois et du port de tête avec grâce.
- Diction exemplaire de la Tyler dans cette Angleterre du 18ème siècle et formidable scène de bal avec confrontations entre le faux gentilhomme MacLeane (notre héros) et Lady Rebecca, un petit peu suspicieuse. Le film se trouve une ambition inespérée dans sa réalisation vers la fin, appliquant des méthodes très modernes de tournage à une reconstitution jusqu'ici parfaitement divertissante.

Fun fact intéressant, c'est de mémoire l'un des premiers films à nourrir un anachronisme musical bienvenu, en insérant une soundtrack actuelle dans ses scènes d'époque (Chevalier et Marie-Antoinette n'étaient pas avant-gardistes en la matière).
> Un trailer un brin ronflant pour ce film pas très connu
Mineur mais très cool, notamment grâce à Alan Cumming, formidable acteur écossais qu'on a tous connu dans GoldenEye où il jouait l'informaticien Boris Grishenko.

J'ai eu deux fois à faire à l'actrice l'année dernière, pour les sorties aux États-Unis de The Strangers et The Incredible Hulk : Deux critiques que vous pourrez retrouver sur le site Écran Large pour lequel j'écrivais en cliquant sur les images ci-dessus ;
Il est à noter qu'en raison de copinage entre critiques et distributeurs en France, j'ai dû adoucir mon texte mais globalement, The Strangers (direct-to-DVD en France), dans lequel Liv se débat contre une bande d'assaillants masqués faisant le siège de sa maison, vaut un petit 6/10 : Partant sur de bonnes bases, The Strangers est un petit film de home-invasion vraiment flippant au départ qui finit par se perdre à trop se donner d'importance.

Revu récemment, The Incredible Hulk est loin d'être honteux. Reboot des origines oubliant le film de Ang Lee, le film se débarrasse d'emblée de sa séquence "obligée" (l'accident exposant Bruce Banner aux rayons gammas), qui passe en générique. Une note d'intention assez particulière pour un "film de super-héros", qui promettait pas mal.

On retrouve immédiatement un Edward Norton exilé au Brésil tentant de contrôler la bête et de rester incognito. Très à l'aise dans le rôle, Norton donne un très bon coup de pouce aux productions Marvel pouvant passer pour dégénérés, légitimant le rôle du scientifique et fuyard Bruce Banner par sa carrure et son charisme idéal. Liv Tyler, jamais très loin dans la première partie du film, finit par le rejoindre dans une séquence de retrouvailles classique mais parfaite et touchante, avant de l'accompagner sur la route (rapprochant ainsi le film de sa série télé kitschissime, dans laquelle Bruce Banner passe de villes en villes, sans cesse poursuivi).

Le problème des films d'actions, et à fortiori, de super-héros, est de ne donner que des rôles de faire-valoir à ses actrices. Dernièrement en date, la formidable Gwyneth Paltrow dans Iron Man n'a que quelques brins de scènes vaguement convaincantes, quand Two Lovers nous en dévoile une palette insoupçonnée. C'est l'une des raisons possibles pour laquelle les critiques ont peu apprécié notre amie, un effet de comparaison inévitable quand le premier Hulk de Ang Lee pouvait se targuer d'avoir Jennifer Connelly en guise d'actrice principale. Mais Liv Tyler se défend plutôt pas mal, et fait exister correctement son personnage, marchant d'égal à égal avec Norton dans des scènes plus intimes. Avec un physique de femme forte et cette taille interminable, Liv est un grand échalas admirable.

Doté d'un score plutôt correct qui ajoute du poids aux scènes, Louis Leterrier s'en sort plutôt bien en bon artisan qu'il est : les scènes sont parfaitement troussés (sans être originales) et l'un des points culminants du film, l'attaque sur le campus, est impressionnante et techniquement à la pointe de ce qu'on peut attendre. On pensait se moquer d'un Hulk assez perfectible, on se prend à sentir les coups passer près de l'écran.
La fin du film migre vers Manhattan, le temps d'adresser une blague 100% New-Yorkaise à son public sur les moyens de transport, et de torcher la fin du film : l'ultime séquence de confrontation est pour le coup pénible et stupide, où le côté Marvel et donc très manichéen des personnages est exacerbé à son maximum. Pour un film construit sous forme de traque et qui réussissait à être extrêmement satisfaisant tout du long, c'est dommage de finir ainsi !

Pour les besoins de cette rétrospective, je me suis procuré et j'ai revisionné (avec la joie d'un plaisir coupable) Armageddon de Michael Bay. Jamais vu en VO (mon excuse donc), ce fut l'occasion DVD de combler ce manque, au service d'une hérésie faite film assez hallucinante : Armageddon est de loin le blockbuster au pitch le plus improbable des années 90, budgeté à 140 millions de dollars, supporté par un casting de bras cassé très cool. En dehors de Bruce Willis, on retrouve à bord de la navette Steve Buscemi, Owen Wilson, Will Patton, William Fichtner et Peter Stormare ; Billy Bob Thornton supervise le tout comme il peut depuis la Terre : Du beau monde !

Michael Bay a bien mené sa barque puisqu'à l'époque, on y croyait à fond, entre musique d'Aerosmith (Papa n'est pas loin), ralentis héroïques, pep talk de rigueur toutes les 5 minutes, plans de fin du monde et soleils couchants à foison. Liv Tyler y a fait naître mes premiers émois lancinants, avec ses tableaux champêtres et des scènes d'adieux déchirantes entre son Ben Affleck de boyfriend (le pique-nique d'au revoir) et Bruce Willis qui jouait son paternel (la scène d'adieux par écrans interposés). Elle a fêté ses 21 ans le jour de la sortie du film aux États-Unis, impossible à l'époque de ne pas se sentir concerné.
Mais j'ai su à cette époque que j'aimais aussi la femme mûre, pour avoir vu Chapeau Melon et Bottes de Cuir une semaine après.

Manquait à cette filmographie non exhaustive le fameux Beauté Volée (1996) de Bernardo Bertolucci, cinéaste qui a donné ses lettres de noblesse (sexy) à une autre actrice en la personne d'Eva Green dans The Dreamers. Si on s'intéressait un minimum au cinéma à l'époque de Beauté Volée, impossible d'avoir loupé ce film : retour d'un ancien grand cinéaste, casting en forme et sujet suffisamment vague pour promettre monts et merveilles. Au final, personne ne l'a vu et il ne reste qu'à se forger son opinion personnelle...

Au seuil de l'âge adulte, Lucy est envoyée en Toscane par son père. Dans la maison regroupant certaines personnes ayant connu sa mère, aujourd'hui décédée, elle va tenter de répondre à l'énigmatique question laissée en suspens dans le journal intime de celle qu'elle a si peu connu.
Isolé et sans pressions, Bertolucci filme ses protagonistes avec un ton et un recul intéressant : Retrouvant dans cette communauté un souvenir ému de ses années soixante-huitardes, il monte un film très personnel, bien différent de ce qu'on peut voir maintenant dans la production classique. S'intéressant à son intéressante utopie, il dresse un passage à l'âge adulte classique, mais cependant hyper sensuel et centré sur la jeune fille se plongeant dans un séjour étourdissant. On sent clairement le point de vue européen et ses effets sur le casting, en partie américain.

Parmi ces personnages, le plus intéressant reste la relation de la jeune Liv Tyler avec Jeremy Irons, poète malade ébloui par l'arrivée de la jeune fille : entre confrontations et paternalisme, le rôle de Irons reste ambiguë mais jamais malsain. Ironiquement, ce film sera le dernier de Jean Marais, invité incongru aux réjouissances jouant le bon vivant en fin de parcours. Surprises du casting : on y retrouve aussi Joseph Fiennes et Rachel Weisz (!).
En chemin, Liv s'essaie à l'insatiable légèreté de l'être, trouve l'amour inattendu et poursuit ce qu'elle a tenté dans Empire Records un an plus tôt. Depuis, on la suit, disparaître le plus souvent dans les volutes d'un grand secret l'entourant et qui l'extirpe de nos tentatives d'approches.

Le mérite de cette actrice, c'est surtout qu'on sache encore qui elle est : plus de 10 ans après Armageddon qui la voit exploser sur grand écran, après un premier Festival de Cannes en 96, peu de films lui ont offert du corps. A l'heure où l'on célèbre temporairement les Megan Fox du monde entier, sa fraîcheur et son joli minois lui concèdent une place de choix dans le cœur des cinéphiles pas trop déviants. Et peut se féliciter, mise à part la récréation Divine mais dangereuse où elle contrôlait tout le monde, de ne jamais eu avoir eu à se prostituer pour survivre à Hollywood. La grande classe.

(Et la pub Givenchy, c'est de l'art)

- Malheureusement, je n'ai pas réussi à mettre la main sur Inventing the Abbotts, avec Jennifer Connelly et Joaquin Phoenix.
- Filmo complète sur l'IMDb.

Toujours ok pour un tour au pays des merveilles !

Deux films, une époque : Public Enemies/Les Sentiers de la Perdition

2009-07-22T16:55:00.016+02:00

Parallèle entre deux films, partagés entre Prohibition et Grande Dépression : Public Enemies et Les Sentiers de la Perdition.
D'un côté, le bandit John Dillinger dans l'éprouvant exercice du biopic mêlé à l'Histoire, de l'autre, un homme de main plongée dans une traque vengeresse, petite histoire noyée dans la grande.

Dans le cas de Public Enemies, le terme de biopic est en fait impropre, Michael Mann s'offrant la tranche de vie d'un Dillinger déjà connu des services de police, jusqu'à sa chute annoncée. Le rôle de Billie (Marion Cotillard) encadre curieusement cette période, des rencontres jusqu'aux séparations, et ce, même si la description de son rôle se limite à être éprise de Johnny. Une perche tendue amenant cette réplique parfaite de son compagnon : "I like baseball, movies, good clothes, whiskey, fast cars... and you."
Et même si le film ne donne pas le temps à Johnny de se la couler douce aux bras de la française (qui loupe ses scènes une fois sur deux), on perçoit tout au long du film cette audace et cette assurance qui aurait pu leur réussir. Loin de se conformer au schéma vieillot type « grandeur et décadence » Michael Mann a vu biger than life sur une période trop courte : comme si John Dillinger n’avait jamais eu le temps.

Le titre Public Enemies fait aussi écho aux titres de la presse de l'époque et de la propagation de l'information. La séquence du "Regardez votre voisin" au cinéma montre que les grands moyens étaient mis en œuvre pour retrouver le fuyard, malgré le vote de sympathie de la population. Plusieurs rappels visuels et répliques ("We're not here for your money, we're here for the bank's") rappellent qu'en ces temps de disette, l'américain moyen n'a plus rien et se tourne vers des "héros" d'un genre nouveau. Un peu comme le graphic-novel From Hell de Alan Moore autopsiait les débuts de la presse écrite et ses répercussions, Public Enemies guette les réactions de son public et le fait qu'à tourner en dérision les services de police chargés de le capturer, John Dillinger renonce à son anonymat en même temps qu'il devient célèbre.

La précision de la reconstitution est impressionnante et redoutable, dans ses plans et ses profondeurs de champs, grâce à une captation parfaite en HD n’ayant d’équivalent que ce qu’œil pourrait voir. Mann en profite pour construire ses plans suivant des lignes fuyantes, perdant ses personnages dans l’impressionnante architecture de la ville, entre gratte-ciels et ligne de métro suspendus, attirant l’œil à tous les coups. Le rendu Haute Définition rend l'image de ce film d'époque quasi anachronique, une sensation à expérimenter toutes affaires cessantes ! Même les plus petits plans regorgent de détails dans leurs arrière-plans et l'effet "nu" de réel qui s'en dégage semble rendre tout trucage impossible : les décors embrassés par la caméra semblent aussi authentique que si on s’étaient transportés dans l’Amérique de la Grande Dépression. On connaît le perfectionnisme de Mann qui n’hésiterait pas à recréer des quartiers entiers en décors réels plutôt que de faire appel à des effets spéciaux…

Seule faute de goût, un plan de fin de règne qui sort de nul part et certainement pas d'un film de Michael Mann, retombant dans les travers du film américain déifiant sa victime, faux héros. Mais Michael Mann n'arrive pas à aller au-delà de ce qu'il veut montrer et on se demande si Depp n'est pas une erreur de casting.
De superbes séquences, il y en a un paquet dans ce Public Enemies, dont une montrant Dilinger furetant incognito dans les locaux de la police alors qu'il est recherché par tous. Une séquence traitée un peu trop à la cool, servant la soupe à sa star. Si Christian Bale, monolithique, arrive à représenter n'importe lequel des G-Men de l'époque, Depp reste Depp et on ne voit que lui. Après Johnny le pirate, Johnny le gangster...
Un côté gangster clairement assumé tout au long du film, où se mêlent robes longues et manteaux d’hivers typiques d’une époque à présent révolu. Au milieu de ce ballet reconstitué, quelques poursuites et beaucoup de fusillades, dont les balles résonnent encore aux oreilles : à croire que le film a été tourné à balles réelles tellement le résultat, visuel et sonore est bluffant de réalisme et de violence. Si la caméra HD ne percevait pas si bien les actions dans l’obscurité, on jurerait que ce sont les coups de feu qui éclairent les plans (et en fait, c'est bien le cas).

Malgré son choix classique de narration n’apportant rien à l’histoire, Mann trouve l’originalité dans son visuel, inédit, et nous offre un film qui sent bon la poudre de Thompson et le phosphore des appareils photos.

Les Sentiers de la Perdition est adapté d'un graphic-novel écrit par Max Allan Collins et dessiné par Richard Piers Rayner, paru en 1998. Prenant place en 1933, l'histoire suit la vengeance d'un homme de main forcé de s'en prendre à son employeur l'ayant trahit. Le graphic-novel original, entièrement en noir et blanc, est composé de trois parties distinctes où l'ordre établit change très vite, entre tragédies familiales (de sang et "recomposées" suivant l'ordre mafieux), menées par une fuite en avant et une quête vengeresse.
Dans l’adaptation ciné, réalisée par Sam Mendes, l'homme de main en question est incarné par Tom Hanks ; Choix curieux et discutable, Hanks tendant à représenter la part du gentil américain au cinéma depuis des années. Mais au début du comics comme du film, le personnage de Michael Sullivan est un père de famille à la façade travaillée, avant de basculer.

La petite histoire se confond très vite dans une certaine réalité historique, aux abords d'une même ville : Chicago, siège mafieux incomparable. Tom Hanks va d'ailleurs rendre visite à Frank Nitti, bras droit d'Al Capone dans la réalité, pour lui demander de l'aide. Si le graphic-novel se donne le luxe de représenter Capone lui-même (gêné par la vengeance de Sullivan), le film se gardera de le faire. Pour autant, Frank Nitti, personnage inévitable de l'époque, apparaît aussi dans Public Enemies, comme garant d'une certaine authenticité.

Réalisé académiquement par Sam Mendes, le film s'enrichit de quelques situations et du personnage de Jude Law, absent du comics. Il y campe un tueur, obsédé par la capture photographique des derniers instants des mourants, engagé pour liquider Sullivan. Un ajout intéressant permettant de contrebalancer le caractère omniprésent de Tom Hanks.

Cependant, le film de Mendes perd de son ambiguïté dans l'adaptation, le mal étant symbolisé par un seul homme aux torts bien soulignés (Daniel Craig), quand dans le comics, c'est un choix bien moins manichéen qui est mis en exergue. Sans doute pour ne pas se mettre à dos une partie du public, le film met en retrait l'importance de la religion au cœur de la communauté irlandaise dont est issu Michael Sullivan et son entourage. Le personnage perd beaucoup en âme dans le processus, notamment dans ses échanges avec son fils. Sa volonté à toute épreuve de ne pas impliquer son fils dans ses activités reste au centre des débats, malgré la mission qu’il essaie de finir en parallèle. Très souvent dans le comics, Michael Jr (son fils) cite la Bible, perdu entre son éducation et les actions auxquels ils assiste. Ses questions remettant en question les actes de son père sont pour la plupart boutées en touche faute de réponses satisfaisantes. Le duo, pour la plupart du temps silencieux, voyage en voiture pour rester mobile et échapper aux tueurs à leurs trousses.

L’une des qualités de la mise en scène de Sam Mendes est de rendre Tom Hanks virtuellement invincible. Sans tomber dans le vigilante grâce au contexte de l’époque, « l’ange de la mort » (surnom dans le comics, non réutilisé dans le film) s’affranchit de sa mission petit à petit. Impossible de douter de lui, même dans les actions discutables dans lesquelles il se lance.
Même si au final on croit peu à Tom Hanks dans le rôle d'un tueur appliquant sa vengeance, le film se déroule comme une toile de Hopper et les 20 dernières minutes apportent enfin un peu d'âme à cette reconstitution un peu trop parfaite.

- Public Enemies, de Michael Mann (cinéma)
- Les Sentiers de la Perdition, de Sam Mendes (DVD)
- Les Sentiers de la Perdition (comics), paru en France dans une version intégrale chez Delcourt.

Filmographie sélective - La vie, l'amour, les brunes : Liv Tyler en 12 films (1/2)

2009-07-21T00:17:00.001+02:00

- Un article composé à partir de vagues souvenirs, d'émotions sincères et de films récemment parcourus.
- Un prétexte évident pour chroniquer quelques films ayant comme dénominateur commun une jolie brune.

Liv Tyler est une fille qu'on a souvent croisée, on ne sait plus trop où même si certaines dates nous viennent en tête tout de suite. Première partie, non chronologique, des films à voir (ou pas)

Ce qui a provoqué l'écriture de ce post passionné, c'est le film Lonesome Jim (2005), diffusé récemment à une heure pas possible sur Arte. Un joli film de Steve Buscemi qui a coûté à peine 500.000$, dans lequel Casey Affleck retourne chez ses parents pour réfléchir à son avenir après un essai raté à New York (on connaît ça).
Sur place, il rencontre une infirmière du coin dont il s'entiche malgré le fils qu'elle traîne partout avec elle. Liv Tyler, plus du tout ado et complètement femme, donne corps à un personnage paumé, moins cliché que ce qu'on craignait. Le plus étonnant est ce que dégage sa présence, à la fois rassurante et apaisante. Un bon film qui nous tire des rires du pathétique de ses personnages et curieusement original dans ses scène d'une vie trop commune. Casey Affleck y est formidable, usant de son fameux timbre de voix étouffé, entre outre-tombe et murmure étranglé.

Retour sur un des premiers films de Liv Tyler, Empire Records, réalisé par Allan Moyle. [Bref aparté, Moyle avait tourné quelques années plus tôt Pump up the volume avec Christian Slater, qui y incarnait l'animateur d'une radio pirate balançant sur les élèves de son propre lycée. Un film adoré et défendu par le critique Yannick Dahan qui m'avait conseillé quand je l'avais rencontré, en écho au film, d'ouvrir ma gueule.]

Bienvenue chez Empire Records (1995), feel-good-movie typique sur une bande de jeunes bossant dans un magasin de disques sous la direction d'un adulte à peine plus compétent qu'eux. Dans un climat précaire quant à l'avenir de leur magasin, on suit les histoires de chacun, entre futurs incertains, projets d'avenirs, et problèmes quotidiens. Liv Tyler y incarne une jeune fille de bonne famille en chandail, jupe écossaise et Dr. Martens réservant sa virginité à Rex Manning, star fictive du film de passage en dédicace (on aperçoit au cours du film quelques extraits de son clip "Say no more, mon amour", très kitsch même pour l'époque).
Avec un bon score des années 90 pas posé très subtilement, Empire Records a pris un coup de vieux, mais reste conseillé à n'importe qui de nostalgique de ce type de production bon enfant, s'adonnant à la chronique adolescente dans la bonne humeur. J'ai franchement ri pas mal de fois, les jeunes du film étant quand même très portés sur le n'importe quoi.
- Note : Le Rex Manning Day est décrit par UrbanDictionnary comme étant "only the best day ever !!".

Cadeau : Pour coller à son actualité ciné très rock du moment, Liv a joué à la même époque dans le clip du titre Crazy, de son papa Steven Tyler (leader de Aerosmith), en compagnie de sa pote Alicia Silverstone (über-célèbre outre Atlantique pour le film Clueless que je préfère ne pas voir).
Voici le clip : Crazy - Aerosmith

Retour un peu en arrière, avec le très mignon That Thing You Do! (1996) de Tom Hanks, qui, nostalgique, s'est amusé à recréer une Amérique des années 60 dans laquelle émerge un groupe de rock à tendance très Beatles. Le film suit la rencontre et la consécration de ces petits jeunes se lançant dans l'aventure sous le nom des Wonders, et Tom Hanks s'y réserve même le rôle de manager du groupe.

Impossible de ne pas se sentir envieux d'une période pareille, retranscrite avec véhémence sur grand écran : La chanson titre du film me trotte encore dans la tête. Jouant une petite copine transie d'amour et peu à peu délaissée (un rôle qu'on retrouve beaucoup), la jolie Liv campe une fille de bonne famille suivant ses amis et son amour, par monts et par vaux. Un rôle qui ne donne pas l'occasion de donner dans l'interprétation inoubliable même si sa présence apporte au tout une fraîcheur inespérée. Tourné comme un film de vacances, le film de Tom Hanks reste très gentil avec ses personnages (la drogue ? connaît pas), suivant un schéma convenu : démarrages à tâtons, succès et coups durs précipitant la fin de l'aventure.

Divine mais dangereuse (2001), c'est un peu le film de la honte. Un véhicule commercial tout entier dévoué à sa cause (qu'elle a fort belle), mais sans l'ambition nécessaire. Autour de la Tyler changée en bombe anatomique, gravitent quatre larrons pas malins qui vont tous se faire berner en beauté : Matt Dillon (habitué à se faire entuber depuis Mary à tout prix), John Goodman, Paul Reiser et Michael Douglas (aussi producteur).

Une scène de lavage de voiture plus tard et le film est oublié. Curieusement, Liv ne sera plus jamais aussi bonasse et c'est bien pour ça qu'on l'aime : elle a quelque chose de commun qui est déjà follement excitant.
Le vilain trailer devrait vous décourager de vous lancer dans l'aventure, même si on y ouvre des bouteilles de bières à la bouche.

Je ne retiens pas grand chose de sa participation à la trilogie du Seigneur des Anneaux (2001-03), si ce n'est son adorable paire d'oreilles et cette fameuse catchphrase issue du trailer des Deux Tours : "There is still hope", susurré comme un dernier souffle de vie quittant son corps diaphane (2:40). La phrase n'avait malheureusement pas le même impact dans le film, le montage étant tout autre. Pour autant l'évanescente Arwen n'en était pas moins intrigante, entre devoir auprès de sa communauté (les elfes) et penchants mortels symbolisé par son amour pour le représentant d'une autre race. Peter Jackson lui réserve quelques plans magnifiques et un monologue d'Elrond (son père), lui expliquant qu'à son amour se substituera une peine insurmontable à la mort d'Aragorn.
Noyée dans le magma mythologique de Tolkien, étouffée par le décorum et l'ampleur de la reconstitution, le rôle d'Arwen perd pourtant en force mais représente symboliquement l'espoir et l'amour, de par sa relation avec Aragorn. C'est beau et on y a cru à raison pendant trois films.
Un trailer pour vérifier ?

On termine la première partie de cette rétrospective sur un bon film de victimes : Reign over me (2007), sorti en direct-to-DVD en France sous le titre A cœur ouvert, et qui prend bien trop de temps à raconter son histoire : Alan (Don Cheadle) est un dentiste à la vie rangée qui retrouve par hasard un ancien ami, Charlie (Adam Sandler), complètement dévasté depuis la mort de sa famille en avion (L'action se passe à NYC... c'est bon vous avez compris). Lequel Charlie nage dans son monde, mutique et réticent à l'ouverture. Alan va peu à peu se rapprocher de son ami et tenter de le tirer de sa détresse.

De jolies séquences de balades à New York de nuit, filmés en caméra numérique, restent la meilleure idée du film. Pour le reste, on nage en plein trauma classique avec sa horde de jolis clichés. Un film qui finit par atteindre ses objectifs lacrymaux, surtout avec toi, parce que tu es faible. Reléguée en second plan dans un rôle digne et posé de psychologue, Liv Tyler, pour sa première apparition, décoche un sourire, susurre quelques mots et se fond dans la neige new-yorkaise en nous laissant en plein désarroi. Et réapparaîtra, par-ci par-là pendant les presque deux heures du film en guise de bonus.

Reste Donald Sutherland qui fait une apparition impériale à la fin (dans les limites du scénario), et Saffron Burrows (vue dans Braquage à l'anglaise), très très fit, dont le rôle de névrosée devrait faire plaisir à la majorité de la population masculine.

Fin de la première partie, on revient bientôt avec des dates plus importantes, pas mal de textes et des photos flattant l'œil.

Interrogation Livres : Taschen est-il ton ami ?

2009-07-14T02:29:00.004+02:00

On dirait que oui.

Je sais, le suspense a été de courte durée mais il faut être clair dès le début, quant à mon ignorance en la matière : Peu habitué des ouvrages autres que certains poches chipés en libraires ou de la "simple" bande-dessinée (pourtant déclinée à toutes les sauces en ce 21ème siècle), je n'ai pas vraiment eu la présence d'esprit jusqu'à présent de me tourner vers d'autres types de publications "alternatifs". C'est chose faite.

Bien sûr, les ouvrages Taschen sur les films, notamment la série sur les décennies ("Films des 70's, 80's" etc) est ultra tentante, mais aussi pas mal répétitive quand on s'y connaît un minimum en ciné. Les illustrations notamment, sont des photos d'exploitations qu'on connaît déjà si on s'est intéressé à tel ou tel film. Niveau texte, ça tourne quand même pas mal autour de la fiche technique... Je n'ai jamais poussé plus loin, même si l'espèce de pavé consacré au film noir promettait d'être un véritable plaisir pervers à double tranchant (où se procurer à moindre coûts ses chefs d'œuvres inconnus ??).

Bref, le Taschen c'est plutôt cool, même si son effet de compilation constante d'infos m'évoquait plus la collection "Pour les nuls/For Dummies" que la publication hautement respectable. Et la collection Pour les nuls est sans doute très bien, c'est juste que l'iconographie ne me plaît absolument pas (pourtant dans le style épuré, je lis Le Routard sans peine).
Là où la démarche est bien vue, c'est que quitte à vouloir rendre son ouvrage encore plus accessible à la masse, autant l'éditer en plusieurs langues, au sein du même ouvrage. Du coup dans les Taschen, société d'édition allemande, les colonnes de textes au même contenu se succèdent, entre français, anglais et allemand. Ce qui en fait du coup un formidable outil de révision de cette langue étrangère depuis longtemps perdue : au lieu de se replonger dans son Apple Pie de 3ème (recyclés d'années en années dans mon lycée), on peut maintenant lire un texte nous intéressant vraiment. Car les thématiques grand-public sont nombreuses : art contemporain, peinture, photographie, design, architecture... De quoi se faire plaisir à moindre coût, Taschen ayant opté pour la démocratisation des bouquins consacrés à des thèmes pouvant s'avérer vite pointus.

Cette semaine j'ai testé pour vous mon premier achat dans cette collection, trouvé au hasard des rayons. C'est là que je me suis rendu compte comme on peut vite être conditionné par ce qu'on voit. Les vendeurs de la RNAC ont su comment faire monter la pression : alors que je tournais autour des Routards en vue d'un séjour québécois prochain, je suis tombé sur un pavé d'au moins 3 kilos, sobrement intitulé Taschen's New York, à la couverture Audrey Hepbrun-esque consacré aux hôtels/restaurants/boutiques de Manhattan... Il n'en fallait pas plus attirer mon attention, d'autant que la mise en page et le design du bouquins sont hyper soignés : c'est quasiment de l'objet d'apparat, scindé en catégories type trieur, bardé de photos classes et de lieux (maintenant) connus. Et puis merde, ce prix : 30€. Bordel ça fait envie.

Le sticker "25 ans" ne trompe pas : Taschen fait des prix sur ses livres pour fêter son quart de siècle d'existence, c'est le moment d'en profiter. Machinalement, je suis porté rayon ciné où une photo de McQueen en couverture me fait de l'œil. Il y a deux semaines, un docu posthume consacré à Steve McQueen diffusé sur Arte me rappelait à quel point cet acteur a la classe, entre grands rôles, investissement personnel et statuts iconiques. Je feuillette, c'est de l'inédit, un recueil photo regroupant des clichés pris dans les années 70, avec du texte l'accompagnant rédigé par l'auteur/photographe. Et puis merde, ce prix : 9,99€ pour un grand format hardcover à jaquette, c'est quasiment inédit.

Dans cet ouvrage, on trouve donc une sorte de rapport personnel sur l'acteur dans ces moments d'intimité, en dehors de la scène. Rien de révolutionnaire et pas de découvertes fantastiques, mais une superbe iconographie en noir et blanc très soignée et ce texte discret en trois langues qui situe les évènements. Et quelle classe que celle de Steve McQueen ! On lui retrouve un charisme inhérent à chacune de ses apparitions, même au naturel il a l'air cool, c'est dingue. Un ouvrage conçu par William Claxton, ami de longue date de l'acteur qui l'a suivi dans ces moments de calme, seul, sur engins motorisés (comme l'acteur adorait), ou à la ville. Un bien joli bouquin s'y on s'intéresse un peu au personnage, en tout cas un type de lecture que je n'avais jamais expérimenté.

Il est à noter que pour ses 25 ans, Taschen a réédité certains de leurs bouquins (dont celui-ci) avec une nouvelle couverture, les références diffèrent donc légèrement du site officiel.

De l'info, des photos et du feuilletage parce que là il fait trop chaud pour sortir : http://www.taschen.com/

Transformers 2 : Epilepsie, ma douce amie

2009-07-06T04:38:00.009+02:00

Même (le très moyen) Terminator 4 n'aura pu me sortir de ma torpeur ! Il fallait bien un film de Michael Bay pour ça...

Transformers 2 annonçait du très très lourd, conçu et réalisé avec classe (pour s'en convaincre, revoir la première bande-annonce, sans paroles mais avec des effets sonores prodigieux accompagnant les pugilats entre robots). L'après-séance est plus rude, entre mal de tête et kaléidoscope d'images criardes embrumant la vue, même si on se doute qu'on a assisté à quelque chose d'assez unique : au milieu de ce ballet d'effet spéciaux criards, on a discerné une vulgarité faite film et surtout, la vanité de l'entreprise.

Reste que Michael Bay semble aujourd'hui être le seul cerveau suffisamment malade pour concevoir des batailles rangées aussi dantesques entre géants métalliques. Fétichiste de l'armée américaine pour laquelle il a signé de belles pubs à peine déguisées en films (Pearl Harbor qui s'arrête après la vengeance US, The Rock), il a mis en image le film le plus improbable des années 90 avec Armageddon où une bande de pieds nickelés (et un putain de casting) est envoyé sur un astéroïde pour le faire imploser (WTF).
Bref Michael Bay a tout fait, tout réussi, et revient de loin.

Ici, la paire Spielberg/Bay reprend ses mauvaises habitudes et un casting déjà familier des lieux : Shia LaBeouf la joue Tom Hanks du cool, pendant que Megan Fox, vaguement badass mais surtout très bonne, joue des coudes pour exister. Le prétexte de la suite est l'occasion de multiplier le nombre de protagonistes robotiques (une quarantaine) et réécrire l'Histoire à sa convenance (les Pyramides de Gizeh? connaît pas), tout en cadrant les parties génitales d'un robot géant aspirateur. Yeah? FUCKYEAH!!
Un mauvais goût flagrant qu'on peut assumer tel quel, à condition d'être familier de ce genre de produit. Sinon ça coince, et la séance en devient d'autant plus pénible d'autant que dès que les robots tentent de s'exprimer, on patauge en plein marasme en terme de dialogues, entre léger patriotisme (pour une fois) et tentative d'instaurer une mythologie aux robots (le "Allsparks", laule)

Avec Shia LaBeouf, vrai coup de coeur parfaitement crédible et un scénario prétexte à tous les débordements mis bout à bout, Michael Bay ravive nos souvenirs pervers d'adolescents, en plaçant "toutes les bombasses dans le même dortoir", entre autres merveilleuses trouvailles du film. Megan Fox, elle, caracole dans toutes les tenues possibles et tire la bourre à une blonde extrêmement possessive. Un faux triangle amoureux qui dure le temps d'une scène, parfaitement réjouissante, avant de se faire emporter par le rythme du film, pourtant trop long.

Fidèle à ses habitudes, Bay nous pose des plans de pure frime californienne, entre poupées sexuelles toutes lèvres ouvertes, et Sam, esprit simple paumé dans une guerre entre robots. Une alchimie qui en emmerdera la majorité mais qui, abordé sous un angle autre que le divertissement immédiat, peut s'avérer être un fascinant outil de travail. Voire un film d'art et essai, pour les plus pervers. Entre collisions psychédéliques, prises de vues en scope ultra larges et dialogues d'une nullité abyssale, on assiste à l'incroyable pendant pas loin de 2h30 de long-métrage épuisant. Une déraisonnable ambition dont il a les moyens, sans parvenir à bien l'articuler pour en faire un spectacle qu'on aimerait passe-partout.

Entre espoirs douteux et vrai foi, on attendait beaucoup de ses retrouvailles. Après avoir jugé du produit fini, on imagine mal Steven Spielberg, parrain de Michael Bay depuis trois films, annoncer à celui-ci qu'il tient son meilleur film : à condition d'être sensible à ce type de spectacle, Bad Boys 2 tient toujours la dragée haute à tous ses concurrents, grand film dégénéré du début des années 2000.

Dommage, on aurait presque pu crier au génie.

6/10

Tu vas voir ma gueule, là jvais tout faire péter !!