Sortie ciné : Mad Max - Fury Road, de George Miller

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  • Mad Max (1979)
  • Mad Max 2 - The Road Warrior (1981)
  • Mad Max 3 - Au-delà du Dôme du Tonnerre (1985)

Traverser l'adolescence avec le fantôme de Mad Max impose des idées, des priorités, des rêves de longitude. Plus de 30 ans après l'ultime Mad Max 2, George Miller a pleinement compris la mythologie qu'il a lui-même créée et n'offre rien de moins que le film terminal en la matière, une fuite éperdue dans le désert, à la poursuite du grand néant, de la fuite salvatrice : du mouvement en lui-même.

Après des années bloqué en development hell et sur la seule base d'un storyboard hyper détaillé, Miller ne se soucie pas vraiment de la chronologie de son univers et nous envoie de plein fouet dans son nouveau Far West : Max conduit un V8 Interceptor dans le générique du film, pourtant détruite dans Mad Max 2, et comme ce fut souvent le cas dans la mythologie de la saga, peu importe à quel moment on retrouve notre drifter solitaire. Mel Gibson a passé le relai à Tom Hardy, et on remercie Miller d'avoir engagé un vrai badass pour succéder à Mad Mel. Conscient du poids de l'héritage qu'il reprend après un troisième épisode pas forcément pérenne, Miller s'emploie à retrouver les racines de ce qu'il a créé par le passé : un héros mutique et dépossédé de son humanité, qui cherche seulement à survivre dans un monde rendu fou. Si Mad Max 3 se déroulait après la Troisième Guerre Mondiale (suggérée, puis confirmée par Miller à l'époque), Fury Road n'a plus d'existence historique et se plonge dans l'anticipation la plus totale. Perdue dans le désert, une nouvelle civilisation émerge, sauvage et hors de contrôle. De cette cohue émerge un nouveau personnage, féminin, balaise et déterminée, Imperator Furiosa, qui va laisser quelques marques sur la pellicule.

Première rencontre entre Furiosa et Max

Très rapidement, le film n'est que mouvement, et on découvre au fur et à mesure des maigres répliques ce qui constitue l'histoire de chacun. Si on sait que nécessairement, Max reste un drifter survivant au jour le jour, l'alliance qu'il forme avec la nouvelle arrivante, Furiosa, ainsi qu'avec le reste des filles, est inattendue et forme le cœur du récit : Fury Road est avant tout l'histoire d'une femme qui en délivre d'autre d'un asservissement sexuel effroyable. Dépossédé de sa liberté dès les premiers instants du film, Max n'a aucune chance de réchapper vivant de sa situation de départ sans Furiosa. Et ce lone wolf n'y arrivera qu'en choisissant de faire confiance à un autre outsider. Même les jeunes femmes échappées de leur triste sort auront leur mot à dire à un moment ou à un autre, même si il faut admettre que la narration effrénée de Miller ne leur en laisse le temps qu'à travers certains cadres, expressions muettes et gestes symboliques. Avec Fury Road, George Miller réalise un blockbuster à tendance féministe, et rend en tous cas caduque Joss Whedon et ses Avengers de pacotille (cf. tous les articles sur Black Widow/Scarlett Johansson, écartée du marketing du film et moquée par ses collègues acteurs), et renvoie au vestiaire l'humour beauf bon enfant des Fast & Furious.

L'instant cuculte : Mad Max 3 - Au-delà du Dôme du Tonnerre, de George Miller et George Ogilvie (1985)

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  - Mad Max (1979)
  - Mad Max 2 - The Road Warrior (1981)

4 ans après The Road Warrior, Mad Max se voit offrir une nouvelle vie. Des 2 millions de dollars de budget pour Mad Max 2, ce troisième volet (une pure commande de studios), passe à 12 millions et se retrouve sous l'égide de Warner Bros qui entreprend de commercialiser le film en le rendant plus approprié aux spectateurs : le film se concentre davantage sur un groupe d'enfants survivants et écope naturellement d'un classement PG-13; Tina Turner tient l'un des rôles principaux et chante sur la bande originale du film (les saxophones 80's sont partout). Ceci dit, fidèle aux thématiques de son univers, Miller voyait en Tina Turner une survivante, laquelle avait vécu l'enfer d'un mariage violent et avait ensuite disparue dans la nature, se produisant dans des hôtels ou des cafés. Le rôle qu'elle tient dans Mad Max 3 est totalement à l'unisson avec son histoire personnelle, qu'on l'apprécie ou non.

L'instant culte : Mad Max 2, le défi (The Road Warrior), de George Miller (1981)

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Reprenant sur la lancée pessimiste du premier film, George Miller réalise Mad Max 2 dans un climat d'urgence. Mad Max premier du nom a été un succès colossal et s'est fait remarquer bien au-delà des frontières de l'Australie. Nanti d'un budget de 2 millions de dollars, Miller va maintenant pouvoir pousser ses fantasmes encore plus loin : bien que déjà largement suggéré auparavant, l'écroulement de la civilisation a bien eu lieu et le réalisateur use d'extraits et de la voix-off d'un mystérieux narrateur pour replacer Max dans le contexte de ce nouveau monde. Mad Max n'ayant bénéficié que d'une sortie limitée aux États-Unis à l'époque, il s'agit aussi d'un artifice pour mieux situer le personnage pour le public américain. Le film y est d'ailleurs baptisé The Road Warrior alors que partout ailleurs, on parle bien de Mad Max 2 (stupidement sous-titré en France "Le défi", comme ce fut le cas pour Batman Returns 10 ans après); mais la réalité est qu'on n'a pas vraiment besoin d'avoir vu le premier film pour en comprendre les enjeux du second : Max n'est défini que par ses actions.

Sortie ciné : It Follows, de David Robert Mitchell

It Follows commence comme un conte américain, un conte entre ados oubliés, délaissés par leurs parents, qui essaient de vivre malgré le fardeau de leur propre existence. Jay rêve d'avoir un petit ami et son souhait est exaucé lorsqu'elle rencontre Hugh. Mais après leur première relation consentie, Hugh révèle à Jay qu'il lui a transmis une malédiction, se manifestant sous la forme d'une présence suivant et traquant méthodiquement sa victime.

Avec son casting de jeunes ados, ses rues de banlieues résidentielles en prises avec l'automne et son synthé incessant, It Follows rappelle en premier lieu les inquiétantes incursions de John Carpenter (Halloween) et Wes Craven (Les Griffes de la nuit) dans l'horreur. Mais sous ses airs de slasher, It Follows est davantage une expérience sensorielle qui provoque une terreur diffuse, notamment parce que le réalisateur a choisi d'opter pour une réalisation calculée et très posée. Les plans larges et l'attente qui en résulte sont de très efficaces facteurs de suspense et forcent le spectateur à épier en permanence l'écran, aux aguets. Très simplement, le film en appelle à une terreur qui n'a plus besoin de faire peur dans le noir mais le fait n'importe où, dans le cadre de la vie ordinaire de ces adolescents de banlieues.

Classement ciné : 10 films (et plus) qui ont fait 2013

Avec cette première année passée totalement à l'étranger, à cheval entre deux pays (Nouvelle-Zélande et Australie), difficile d'avoir le même accès aux sorties telles que programmées en France. On propose donc un top encore plus disparate et hétérogène qu'à l'accoutumée, fait de ces moments de cinéma qu'on aura réussi à attraper. J'ai raté tellement de films (il y a des absences indécentes - Tarantino, Malick, Bigelow, PTA, Linklater) que je revisiterai ce top dans le futur ; en attendant le décompte est seulement là pour se faire plaisir. Il faut aussi en profiter pour relever l'incroyable présence et diversité des personnages féminins dans les meilleurs films de l'année, signe des temps sans doute...

11. John Dies at the End, de Don Coscarelli

On avait laissé Don Coscarelli en 2002 avec son joli Bubba Ho-Tep où l'on apprenait que Elvis et JFK n'étaient pas morts, et affrontaient une momie dans une maison de retraite. Seul signe d'activité du réal depuis, un épisode de l'anthologie Masters of Horrors en 2005.

Puis déboule John dies at the end, financé de façon indépendante, car on imagine mal le réalisateur arriver chez les studios, pitcher son scénario taré de drogue envoyant ses usagers à travers le temps et les dimensions. C'est un film bien monté, bien filmé, il est presque surprenant de revoir Don Coscarelli dans un film qui pète autant le feu, avec des concepts et des intrigues incroyables, qui auraient certainement mérité d'être mieux encadrés. Dans son humour et son rythme, le film rappelle parfois Detention de Joseph Khan, qui n'est pas le meilleur ami des critiques - sauf ici. Et Coscarelli fait appel à un humour de plus en plus navrant à mesure de son développement, pourtant, l'atmosphère est exemplaire : il s'y développe une empreinte à la bizarrerie assez originale et subtilement paranoïaque, un peu comme dans le They Live de Carpenter. Le film rappelle aussi volontiers le Cronenberg du Festin Nu ou de Existenz, avec ses lueurs blafardes de néons et de diners pourris et abandonnés. C'est un parent congénital dont on ne sait pas quoi faire, mais qui intrigue. Le récit s'empêtre malheureusement dans des incrustations d'effets spéciaux hasardeuses et des péripéties tellement grand-guignolesques qu'il en perd toute lucidité dans son dernier acte, mais le film a cette envie d'aller au-delà du pitch, du rythme, du montage, de créer sa propre narration, bref, il est étrange, imparfait et passionnant.

Sorti en France indéterminée (probablement jamais).

10. Pacific Rim, de Guillermo Del Toro 

Le blockbuster de l'année si on ne s'en contente que d'un. La déférence de fanboy inégalée et des idées de mise en scène bluffantes, toutes au service d'une jouissance régressive. Le film-concept de Del Toro se tient totalement et demande absolument de laisser tout cynisme à l'entrée de la salle. Les vrais savent. L'avis en entier ici.
Aussi considérés : Star Trek Into Darkness pour son côté fun et immédiat, Man of Steel pour son What if? assez gênant et Kevin Costner, Iron Man 3 pour sa verve totalement outrancière et son final incluant Pepper Potts.
Pas vu : The Lone Ranger, dont j'entends pourtant de très bonnes choses.

9. Frances Ha, de Noah Baumbach

C'est l'année du jeune adulte paumé ; ils sont partout et certains sont plus intéressants que d'autres. Frances Ha est indéniablement fascinante. Tourné en noir et blanc dans cet espèce de grain particulier, celui des souvenirs et peut-être de la mélancolie, le film suit Frances, 27 ans, pas vraiment mâture et en tous cas, aux choix indéfinis. Elle vit avec sa meilleure amie, Sophie, qui n'éprouve en fin de compte pas le même attachement qu'elle quant à leur amitié - elle souhaite aller de l'avant en s'engageant dans une vie d'adulte, ce qui est aussi perçu comme une trahison. 

Entre petites déceptions et fausses opportunités, le personnage tente d'avancer sans toutefois prendre les bonnes décisions. Et c'est parce que ce personnage est tellement vrai qu'on accepte toutes ces fantaisies : difficile de résister aux dialogues crues entre copines, à ces saynètes foirées de discussions embarrassantes, aux coups de têtes et autres petits jobs pour survivre. Les personnages ont tous leurs défauts et n'en sont pas vraiment conscients ; Sophie comme Frances ont des failles (des côtés égoïstes exacerbés) mais le processus de maturité, de se trouver et de décider de ce qui est bon pour soi n'arrive pas du jour au lendemain. Et c'est précisément parce qu'il n'essaie pas tant d'être malin qu'il l'est très naturellement, que le film de Noah Baumbach est aussi agréable à regarder, avec son atmosphère si particulière dans laquelle se lover.

Le film trouve au passage l'illustration la plus parfaite pour le Modern Love de David Bowie : une jeune fille un peu paumée, qui court et danse dans la rue.

8. Short Term 12, de Destin Cretton

Cela fait maintenant des années que je clame à qui veut l'entendre que Brie Larson est une grande actrice, et malheureusement l'annulation de la série United States of Tara trois ans auparavant ne lui a pas offert depuis de rôles substantiels, susceptibles de le prouver. C'est maintenant chose faite avec le rôle d'éducatrice qu'elle tient dans Short Term 12, où le personnage de Grace lutte au quotidien auprès d'enfants défavorisés pour leur offrir un foyer temporaire. Sans être trop forcé, le film est poignant et émouvant, avec un passage en revue d'un certain spectre de l'émotion humaine (on s'y brise le cœur comme on y trouve l'inspiration), témoigne de la détresse de ses pensionnaires, revisite la lutte infini contre les éléments et l'investissement personnel de jeunes adultes paumés incapables car trop humains, de se détacher de leurs protégés. Un petit film miraculeux porté à bout de bras par Brie Larson et tout un casting de jeunes premiers.
Sortie en France en avril 2014.

7. Silver Linings Playbook + American Hustle, de David O. Russell

Oui, je sais, c'est triché mais cette année nous a offert deux films de David O. Russell et comment dire, ce fut un plaisir. Dans le premier film, honteusement renommé Happiness Therapy "en français", l'intrigue est classique, mais l'exécution est parfaite. David O. Russell aime les récits de personnages et ça se voit : il offre à Bradley Cooper un premier rôle de haut vol, s'empare du prodige Jennifer Lawrence et la régule parfaitement. Le reste est à l'avenant, classique mais touchant avec des séquences de dialogues ultra-dynamiques : cette année, on a pas vu meilleur metteur en scène de brouhaha, agençant ses dialogues jetés à l'écran avec un sens parfait du rythme, gérant ses acteurs avec minutie et obtenant d'eux exactement ce qu'il veut.

American Hustle est aussi un gros film d'acteurs et de personnages, déguisé sous la reconstitution d'un New Jersey des années 70. Et attention les yeux, on croit assister un moment à un enfant monstrueux né des amours sordides de ce qui se faisait de mieux dans ses années folles. Christian Bale s'est détruit la santé pour le rôle, Bradley Cooper en fait des caisses (et ça passe), Amy Adams (partout en 2013) est phénoménale et Jennifer Lawrence compose un monstre bipolaire passionnant (vous l'aurez lu ici en premier : l'année prochaine, tout le monde parlera d'une certaine séquence rythmé par le Live and Let Die de Paul McCartney & the Wings). Chacun des membres du casting a droit en bonus à son petit moment capillaire très cocasse.

Le film tire un peu sur la corde mais un humour bizarre et constant rallie tous ses personnages et les situations, une constante incroyable vu ce qu'il se passe à l'écran, entre swag vintage incongrue, relations fusionnelles entre personnages paumés et ce désir brûlant qui guide tout un chacun, dans les errances et les doutes. Les reprises de chansons connues qui parsèment le film sonnent comme un écho aux arnaques du couple Adams/Bale et rappellent brièvement cette ligne de Jarvis Cocker : "A bad cover version of love / is not the real thing". David O. Russell est un putain de romantique !

Sortie française de American Hustle ("American Bluff" en français) le 5 février prochain.

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L'instant culte : Mad Max, de George Miller (1979)

L'affiche française frappée du sceau de l'infamie !

Quand le ciné local organise une projection du film culte qui a lancé la carrière de Mel Gibson au cinéma, on se rend compte comme le premier Max Mad a des kilomètres au compteur : premier jalon déviant d'un certain ciné australien alors en pleine ébullition dont Peter Weir s'est souvent fait le fer de lance à l'époque (The Cars That Ate Paris, Picnic at Hanging Rock dans les années 70), Mad Max a aussi inauguré un nouvel âge du héros solitaire, torturé, véritable personnage de bande-dessinées à la quête éperdue, ralliant les symboles et les idées en navigant entre les genres et les styles. Il y a des rendez-vous à ne pas manquer et cette projo en fait indéniablement partie - le film fait partie du folklore ici-bas (Canberra, Australie).
D'ailleurs, la salle est pleine d'aficionados ou de curieux, et il n'est pas sûr que le film draine toujours un tel public dans d'autres pays.

Max et son pote Goose, en des temps meilleurs

Réalisé en 1979 par George Miller, le film est un très petit budget monté en indépendant (350 000$ !) et tourné en 12 semaines autour de Melbourne. Dès ses premiers plans, George Miller travaille la carrure de son potentiel futur mythe. C'est  une silhouette au loin, une paire de bottes, des gants en cuir et des lunettes de soleil qui forment l'attirail du personnage - et ce n'est qu'après la puissante scène d'ouverture que l'on découvre enfin un jeune Mel Gibson dans le rôle de Max Rockatansky, dernier rempart contre les pourritures de la route.

Toujours classé R (interdit aux moins de 18 ans) en Australie, et classé X en France à sa sortie en 1980 (une classification depuis revue à la baisse, dieu merci), Mad Max survit au choc des années par son économie de moyens et son envie de toujours filer droit. C'est d'abord une histoire de violence et de vengeance dans un futur pas très distant (voire, passé), et une histoire d'amour au centre du film, montrant les relations de Max avec sa femme et son fils, à l'abri du monde dans lequel ils vivent. Si le pays reste volontairement indéterminé dans un souci d'universalité et de toucher à l'essence d'un genre - ici, le western dont Miller s'inspire (terrains arides, montures mécaniques, soif de justice, oiseaux de mauvais augure), on identifie malgré tout bien vite l'influence évidente du pays australien sur la pellicule.

Nature invasive, carcasses de voitures et perfecto : l'Australie.

En l'état, le film a certes vieilli mais il est symptomatique du contexte dans lequel il est produit : particulièrement remonté et avec une identité lui étant propre, avec cette envie de de rentrer dans le lard de Hollywood, filmé avec l'envie de créer un personnage hardcore, poussé à bout par les contraintes de son environnement. Le film devient subitement intéressant vu de l'étranger où chacun découvre un miroir de l'Australie, cette terre au-delà des mers : y est représenté avec force détails une certaine culture de l'engin mécanique, et déjà, un aperçu de son environnement aride et infini, qui prédestine la saga à quasiment un statut de road-movie si l'on développe le cheminement du personnage, de père de famille tranquille à guerrier des routes anonyme. L'homme contre son environnement est aussi une très forte thématique du film de George Miller où lassé de la violence qu'implique son travail, Max jette l'éponge avant d'y revenir plus violent que jamais.

Le héros est un solitaire à l'opposé de la figure du héros américain qui triomphe à la fin du film. Il y a quelque chose de brisé chez Max qui entreprend dans le développement du film, une errance sans but interrompue brutalement par le générique de fin. Le film est certes violent (et particulièrement efficace dans son utilisation du hors-champ, dérangeant), mais il est surtout extrêmement pessimiste. La spirale dans laquelle se jette Max n'a pas d'issue, sauf peut-être sa propre folie, chastement passée sous silence par le mutisme du héros.

Le film sera présenté en 1980 au Festival international du film fantastique d'Avoriaz où il remporte le Prix Spécial du Jury, et provoque un tel choc chez les spectateurs, que quand George Miller y revient en 1982 avec Mad Max 2 sous le bras, il y remporte à l'unanimité le Grand Prix. La remise du prix au film australien fait l'effet d'une bombe dans la presse et Mad Max 2 remporte un succès critique et public mérité en France à sa sortie durant l'été 82.

Une affiche épique qui survend du rêve (notez l'aigle au fond)

L'œil (9) vidéoludique : The Last of Us (PS3)

Première review d'un jeu vidéo, genre dans lequel je m'aventure trop peu au regard de l'extraordinaire expérience immersive que le genre peut offrir. Erreur corrigée avec possiblement la dernière surprise préparée sur PS3 avant l'arrivée des prochaines consoles nouvelle génération...

Introducing Ellie et Joel.

• La fille de l'homme

  C'est à la faveur de vacances en famille sur la côte que j'ai eu l'occasion de replonger dans le jeu vidéo ; pour tout dire, je n'ai jamais été un joueur assidu mais les innovations, progrès ou réinventions de ce médium un peu laissé pour compte ont souvent attiré mon attention. La reprise fut rude, faite par l'entremise d'une Playstation 3 et de son jeu phare actuel, The Last of Us, concocté par le studio Naughty Dog, auteur, de mémoire, de la saga Crash Bandicoot sur PS One (et probablement ma dernière incursion dans l'univers vidéoludique à date). C'est en compagnie du mari de ma cousine (un détail, mais important pour mon propre développement personnel) que j'ai fait mes premiers pas sur PS3, réalisant après un temps d'arrêt que je regardais non pas une cinématique mais bel et bien un gameplay en cours : alors qu'une mystérieuse épidémie décime l'humanité et change les hommes en monstres (un dérivé du zombie), une jeune fille immunisé semble porter en elle un dernier espoir. À nous, joueur et spectateur, de la convoyer via un homme bourru, à travers le chaos extérieur jusqu'à un groupuscule qui saura prendre les mesures adéquates.

Empruntant à tout va jusqu'à se poser comme un genre hybride entre cinéma et jeu vidéo, The Last of Us part sur les traces du roman de Cormac McCarthy, La Route, s'imposant comme une adaptation terminale du récit post-apocalyptique qui serait mâtinée de l'apprêté du film de Alfonso Cuaron, Les Fils de l'Homme. Le jeu navigue entre le blockbuster évènementiel pour sa reproduction chirurgicale d'un monde en berne, et le film d'auteur pour sa narration disloquée et ses a propos intimistes. On nous y fait incarner Joel, dur à cuire au trauma majeur (brillamment mis en scène dès l'introduction du jeu s'assurant notre coopération), survivant d'une bataille perdue d'avance à qui l'on jette dans les bras, bien malgré lui, le destin d'une adolescente. Plus largement, l'avenir de l'humanité semble être en jeu ; rien de grandiloquent cependant, puisque dès qu'on plonge dans l'histoire, tout n'est décidé que par suspicion (celui, toujours vague, d'un espoir : une ration dans un tiroir, des infectés pas trop costauds, une ronde de gardes qui s'arrêterait pile à l'endroit où l'on se cache)… mais le jeu ne parle vraiment que d'une chose : de l'amitié entre un père esseulé et une fille orpheline.

Coucher de soleil sur la ville défraîchie.

L'instant culte : Les Trois Visages de la Peur, de Mario Bava (1963)

  La dernière fois qu'on avait évoqué Mario Bava, c'était pour parler du merveilleux Danger: Diabolik! de 1968, un film dont le héros est une sorte de réponse négative aux James Bond tournés en grande pompe à l'époque. Si le film est un film d'action/d'espionnage, il est surtout un beau film d'auteur, siège de beaucoup d'expérimentations. Mais la manne de Mario Bava, c'est le film fantastique dont il sera l'un des plus beaux artisans, au cours d'une carrière particulièrement remplie.

En 1963, Mario Bava réalisait "Les Trois Visages de la Peur" (ou "I tre volti della paura" en italien), film à sketchs dont la terreur est le dénominateur commun. Un exercice de style où trois courts-métrages s'y disputaient l'attention, après que nous ayons été accueilli par un prestigieux maître de cérémonie en la personne de Boris Karloff (le Frankenstein original et tellement d'autres). Un point commun à ces trois essais : la présence de la femme et son rôle face au macabre, celle qui se précipite vers sa perte ou provoque celle des autres.

L'œil rivé sur l'écran (7)

Si ce blog a en partie pour vocation de parler de pellicules respectueuses, il est évident qu'on ne peut continuer à s'estimer aussi facilement (et faussement) vertueux sans entorses à la règle, pour la plupart référencées dans la catégorie "Déviance". J'en viens donc à ressusciter L'œil avec ces quelques brouillons. Histoire de commencer cette belle journée avec de la qualité.

Au programme cette semaine, 3 films célébrant la décadence et un bonus (de qualité) :

This Means War/Target, de McG
Du réalisateur/clippeur fanfaron des deux Charlie's Angels, fleurons instantanément kitch et fun des années 2000, il ne reste plus grand-chose de McG, cousin éloigné de Michael Bay sur l'échelle de la beaufitude pyrotechnique. Avec ce This Means War (Target en VF), pas plus d'originalité dans le projet où deux espions de la CIA se tirent la bourre pour les beaux yeux d'une fille, détournant tout leur attirail à destination de leurs propres fantaisies (comprendre, fantasmes) : mettre sur écoute la charmante jeune fille pour aller à la pêche aux infos ? Check. Pirater ses données virtuelles pour anticiper ses envies ? C'est parti. Malgré les têtes d'affiche (Chris Pine et Tom Hardy, dévoilé physiquement après les oripeaux de Bane et Bronson), Target est en fait un film typique estampillé "Reese Witherspoon", où l'actrice incarne dans ses premiers temps une femme active comblée - sauf sentimentalement - et trop occupée pour y penser, au point de faire la femme faussement réticente... comme un contrepoint à la suite du film, qui nécessairement, on ne sait pas trop pourquoi, la voit profiter de la situation, sous le prétexte faussement racoleur d'être une femme aussi libérée (comprendre déshinibée, d'après le scénario), que peut l'être un homme.

Le sens du rythme du réalisateur fait pourtant beaucoup dans le timing de comédie qui parcoure le film, malgré l'usante intrigue parallèle dont on se contrefout totalement. Et à défaut de réussir ses séquences d'actions (l'introduction du film est de ce point de vue totalement scandaleuse), il parvient à nous arracher quelques rires débiles grâce à ses personnages jouant au jeu de la séduction comme des enfants (la copine de Reese Witherspoon en fait des caisses, c'est merveilleux). Pourtant, quand le réalisateur se prend au jeu et arrive à disposer sainement de sa commande, il parvient à composer de jolis plans, dont quelques plans-séquences réjouissants. Le reste du film est assez triste, dans sa bataille rangée d'espions et ses effets publicitaires, son humour parfois bas du front et son imagerie publicitaire. Heureusement, la bromance entre Tom Hardy et Chris Pine (seul véritable enjeu du film), s'en sort indemne, à l'instar du politiquement correct, qui claque sur les doigts comme une porte battante en guise d'épilogue.
À noter que le film n'a de "comédie romantique" que la simple dénomination technique, puisqu'il n'est en fait qu'un apparat monstrueux à la concurrence entre copains pour tirer la belle, et se faire un high five satisfait en se refilant des photos le lendemain par Facebook. Et l'amour dans tout ça ?
Artificiel et glacé, feint, et au final à l'image si travaillée qu'il n'en paraît que plus faux.

Lock Out, de James Mather et Stephen St. Leger
Célébré lors de sa sortie dans les limites de la candeur qu'il provoquait, Lock Out sort tout droit de l'écurie Besson, qui une fois de plus part chasser sur les terres des américains, à la poursuite d'un fantôme perdu : celui de la bande d'exploitation  des années 80, véritable refuge des actionners de tous poils produits à l'époque. Un genre en soi dont l'essai est cette fois-ci très littéral et où sont conviés les fantômes de John Carpenter et de son anti-héros Snake Plissken, campé à l'époque (1981 !) par l'indémodable Kurt Russel. Ici, Guy Pearce remplace le mercenaire borgne mais le prétexte est le même : sous la contrainte, le barbouze est envoyé en territoire ennemi pour sauver la fille du Président. Même plus besoin de l'évoquer dans les détails tant la référence est évidente, New York 1997 de Big John ayant bercé les enfances de générations de cinéphiles, et instaurant en partie le règne de nouveaux personnages mythiques du même acabit dont l'inusable John McClane. Tout est ici repris sous le couvert de l'hommage routinier : muscles bandés, clope au bec, grosses pétoires et punchlines ironiques, jusqu'aux codes du buddy-movie où deux personnages fondamentalement différents se retrouvent à collaborer face aux évènements. Tout au plus manque-t-il à Guy Pearce le port du marcel dans cette parade vulgaire et gratuite, faisandée en grande partie par son envie d'en rester à la farce opportuniste, et plus intéressant dans ses thèmes et ses références que dans sa mise en chantier à proprement parler.

On pourrait décortiquer à l'envi les multiples sources qui étreignent le film, alors que celui-ci ne recherche que le plaisir ludique de revendiquer son héritage et d'en disposer sereinement. Bref, Lock Out est en perpétuelle jubilation de ses acquis, avec son psychopathe un temps inquiétant mais plutôt risible (Joseph Gilgun, doublure rescapée de la série Misfits), le rôle sans épaisseur échu au seul personnage féminin du film incarné par Maggie Grace (qu'on taxe bien vite d'action-woman depuis Taken 1 et 2), et l'envie du scénario de tutoyer les cieux en envoyant tout ce beau monde dans l'espace (Alien 3, Fortress et les autres ne sont pas loin). Malgré toute la bonne volonté du monde, les réalisateurs perdent clairement la main dès qu'il s'agit de développer leur histoire en dehors des séquences d'action, et le tout s'achève avec un ventre mou prévisible, alors que - miracle - la relation naissant entre Maggie Grace et Guy Pearce permettaient quelques scènes de comédie en tandem plutôt réussies, pour peu qu'on adhère à l'ambiance pouêt-pouêt du film...
Vous pouvez faire les malins mais Snake Plissken, lui, se rit de vous.



Drive Angry, de Patrick Lussier
C'est bon, c'est là ma limite (*geste de la main accompagnant*). Je vais le noter dans un coin, comme ça je m'en souviendrai pour la prochaine fois.
Drive Angry (ou Hell Driver en VF) est un film complètement gonzo où, chose étrange, toute l'équipe du film semble avoir pris la même substance au même moment pour proposer le spectacle le plus improbable possible. On ne compte plus les regards inquiets qu'on se lançait entre spectateurs pendant le visionnage du film... Qu'on ne ne s'étonne plus de retrouver Nicolas Cage (garant du bon goût) dans un rôle pareil, l'acteur a visiblement décidé d'accepter toutes les propositions de rôles qu'on lui offrirait. Et tout le reste du film est à l'unisson avec des rôles de rednecks consanguins, de policiers bouffis et d'extras bourrés sortant d'une secte, que dominent l'impérial William Fichtner (dans un rôle grotesque de démon toujours plus incroyable avec ses tours de passe-passe) et Amber Heard, à l'aise dans un rôle de garce badass (et c'est écrit gentiment). Il est d'ailleurs presque curieux de trouver un tel prototype de femme forte (toutes proportions gardées, c'est pas du ciné d'art et d'essai, on est d'accord) au croisement de pellicules aussi déviantes…

Le film dans son entier est un déferlement de mauvais goût ubuesque qui laisse hagard, à l'image d'une scène de fusillade dans une chambre de motel où Nic Cage, grand seigneur, sert le trois-pièces à madame en buvant une bouteille de Jack Daniel's au goulot, tout en démastiquant dans des ralentis dégueulasses une bande de gros bras. Qu'on le voit comme une série B décomplexé, pas de problèmes, mais le réalisateur est incapable de réaliser une séquence correcte (cadres, montage, bande-son, tout échoue) et semble s'être fourni chez la même boîte à effets spéciaux que Louis Leterrier sur Le Transporteur 2 : c'est du grindhouse sans le talent. Pour clôturer rapidement, le sens de la vulgarité particulièrement agressif du film est bien trop abrutissant pour pouvoir s'estimer réjouissant.
En d'autres termes, passer son chemin, c'est aussi recommandable.

Trois films, une seule conclusion :

Et moi, d'exiger un peu mieux pour un dimanche pluvieux,

comme le bonus ci-dessous :

Culte : Rosemary's Baby, de Roman Polanski (1968)
Premier film américain du monsieur, qui réalisait l'année d'avant Le Bal des Vampires, sublime fantaisie baroque toute européenne (Sharon Tate est pour toujours un fantasme, une pure illusion), Rosemary's Baby est un pavé dans la mare, une date dans le cinéma contemporain. Ici, Mia Farrow et un John Cassavettes insupportable de machisme déplacé jouent un couple déménageant à New-York, préparés, dans la logique des choses, à être de futurs parents comblés. C'était sans compter sur les histoires étranges et l'ambiance glauque régnant dans l'immeuble, les interventions des voisins séniles et des coupes de cheveux malheureuses. Bien qu'un poil longuet malgré des ellipses narratives intéressantes (le film suit 9 mois de la vie du couple), Rosemary's Baby est un modèle de suggestion paranoïaque, qui voit l'émergence de la forme de home invasion la plus radicale qui soit. Au final, un film d'horreur psychologique rondement mené, dévoré par son hors-champ insidieux, et plus particulièrement effrayant dans sa conclusion ravisée, après des décharges claustrophobes montant par paliers successifs. Le film semble amorcer dans la filmographie de Polanski un certain goût pour un fantastique ordinaire terriblement inquiétant, pointant le bout de ses cornes avec une régularité tenace, poursuivant des personnages esseulés jusqu'à les épuiser physiquement et psychologiquement (un acharnement illustratif à mettre en parallèle avec l'assassinat de sa femme, Sharon Tate, dans des circonstances liées au film, un an plus tard).
Un film qu'on recommande évidemment à toutes les femmes enceintes.

Jamais trop tard : 2011 en 10+ films

Cela fait 10 mois que j'y pense, et d'ailleurs, mon classement premier n'a pas vraiment évolué depuis la remise à zéro des compteurs en janvier dernier. Sans trop en faire et pour garder une trace, un humble top 10 (et plus) des films de 2011, un point sur les oublis et les rattrapages en cours.

1 - The Tree of Life (Terrence Malick)

Une première place méritée pour ce grand film. Devant l'ambition incroyable de celui-ci (entre autre, évoquer la vie d'une famille comme reflet de la Vie), Terrence Malick embrasse l'ensemble de ses thématiques casses-gueules à bras-le-corps et avec un sens touchant de la représentation, poussant aussi loin que possible la crédulité du spectateur face au spectacle désarmant, inouï et total qui s'affiche de façon tangible sur grand écran.
Une démarche héroïque et fragile, qui mérite d'être célébrée.

2 - Drive (Nicolas Winding Refn)

Empruntant au cinéma pulp ses codes et leur exposant un cadre différent où évoluer (pensez Brick), Nicolas Winding Refn magnifie un récit classique, par ses cadres et la façon dont il traite ses personnages. Les silences, ralentis et effets d'attente, de suspense, sont un modèle du genre. Aux frontières du réel avec ses effets appuyés, le montage imposé semble faire fi de tout compromis artistique, tout en restant singulièrement accessible. Contemplative face aux drames se tramant, la caméra ne lâche pas pour autant le blouson du chauffeur anonyme, et ses pas lourds.
Un prix de la mise en scène à Cannes pas volé, vu l'émotion créée par le réalisateur de Bronson en une poignée de cadres et de tentatives réussies de sortir du lot.

3- Shame (Steve McQueen)

Second film de Steve McQueen après Hunger, Shame s'attarde sur le quotidien d'un homme déconnecté émotionnellement, triste destin trouvant en Michael Fassbender une nouvelle incarnation dure et froide : rétrospectivement, ce personnage de Brandon qu'il incarne est un peu le Jason Bateman de Bret Easton Ellis qui se serait tourné vers d'autres plaisirs, et c'est ainsi toute la solitude du yuppie qui est méticuleusement étudiée.

Carey Mulligan est une nouvelle fois la femme de l'année grâce à ses rôles dans Drive et Shame, cantonnée à un rôle vierge de toute perversion et parvenant pourtant à subjuguer ses personnages, malgré son apparente simplicité (Jessica Chastain la talonne de peu, le rythme de sortie US aurait délogé la petite Carey, s'il était le même que dans nos contrées).

Et juste derrière...

L'instant culte: "Danger: Diabolik!" de Mario Bava (1968)

Voleur insaisissable, Diabolik est une sorte de James Bond corrompu, narguant les forces de police par ses vols de plus en plus audacieux. Aidé de sa partenaire, la sublime Eva, il met en échec toutes personnes s'attaquant à lui, avec une facilité déconcertante. 

 

Bijou pop des sixties, Danger: Diabolik met en scène un anti-héros masqué, créée à l'origine par les sœurs Giussani dans les pages d'un fumetti (équivalent de la bande dessinée italienne). Le personnage de Diabolik, ouvertement mauvais, fait alors basculer la BD dans une optique plus adulte, où les anti-héros se meuvent dans la violence et l'érotisme outrancier propre à cette époque.

Pour ce projet, Dino de Laurentiis produit le film en même temps que Barbarella, tourné dans le studio voisin par Roger Vadim. Une nécessité, car l'interprète de Diabolik, John Philip Law, joue dans les deux films et fait les allers-retours entre les plateaux. Pour l'adaptation de Diabolik, Dino de Laurentiis choisit Mario Bava, réalisateur qui a fait ses armes à l'époque du film d'horreur gothique italien avec notamment Le Masque du Démon (1960), référence matricielle du cinéma de Tim Burton : Sleepy Hollow (1999), en plus d'être un film hommage au cinéma britannique de La Hammer, a aussi beaucoup emprunté à Mario Bava.

Le Lycanthrope au cinéma : Une date, deux films

Avec le Wolfman de Joe Johnston qui apparaît enfin dans les plannings (ce 12 février aux États-Unis), il convient de revoir les classiques du film de loup-garou pour se tenir à jour. Car même si ce loup-garou version 2010 semble pulluler de plans numériques un peu tristes, le tout a l'air éminemment sympathique à la vue de son casting (Benicio Del Toro, Hugh Weaving et certes Anthony Hopkins), dans sa reconstitution et son baroque a priori barbare. Les dernières tentatives à la Van Helsing et Underworld étaient quelques peu vaines, on évitera donc d'imaginer ce qu'aurait pu donner le film si les studios en avaient laissés les rênes à Mark Romanek, comme il était initialement prévu (son travail de clippeur est recensé dans l'un des volumes de la série DVD "Work of Director" qui compte aussi les travaux de Spike Jonze et Michel Gondry).

Dans le film de loup-garou, 1981 tient une place intéressante si ce n'est indispensable.

Rapport à l'image : Blow Up + Peeping Tom

Le double programme d'aujourd'hui: Blow-Up, de Michelangelo Antonioni (1966) / Peeping Tom (Le Voyeur), de Michael Powell (1960)

Premier film tourné en langue anglaise par l'italien Michelangelo Antonioni, Blow Up est, 50 ans plus tard, toujours précédé d'une réputation flatteuse et est depuis étudié en école de Cinéma pour ses qualités intrinsèques. Le cadre, lui, est nettement plus charmant : Dans le Londres des années 60, un photographe de mode pense avoir été témoin d'un meurtre immortalisé sur pellicule. Difficile d'en dire plus même si le film ressemble au projet de fin d'études d'un étudiant essayant d'en mettre plein la vue à qui voudra bien visionner son film. Visionné au premier degré, le film devient étonnamment abscons alors que toutes les clefs sont posées pour un résultat bien plus... nerveux. Après une première heure parfaite où l'on suit la routine d'un photographe imbu de lui-même, les éléments criminels s'enchaînent (tout doucement), laissant penser qu'on pourrait d'un moment à un autre glisser vers l'enquête de fond, où un témoin dérangeant plonge tête la première dans une conspiration géniale. Même les codes semblent s'y prêter, avec notamment cette femme en détresse bien mystérieuse, qui retrouve notre héros sans jamais laisser filtrer son identité et la pression à laquelle elle est sujette.

Orgueil et Préjugés: Angleterre, ma douce aimée...

Juste après avoir conclu la saison 6 de The Shield dans le bruit et la fureur, je cherchais quelque chose susceptible de me faire poursuivre dans cette voie. Manque de bol j'ai égaré A bout portant avec Lee Marvin, mais je tombe par hasard sur l'adaptation du roman de Jane Austen, Orgueil et préjugés, toujours sous blister et qui me nargue.
Le changement de ton va être brutal.

Inconsciemment, j'en suis venu à ne pas apprécier les films en costume. Il y a quelque chose dans cette recherche d'authenticité qui me glace le sang et m'empêche de m'intéresser aux exaction de chacun. Même Sofia Coppola et son Marie-Antoinette (l'histoire avant tout d'une jeune fille dépassée par les évènements) n'aura pas réussi à me passionner.
Mais ici, c'est avec une franchise et une retenue toute anglaise que le film se prend à suivre les destins des filles Bennett, élevées avec un amour et un naturel semblant hérités du côté désargenté de la famille (un problème à cette époque). Pleines de vie et de fougue, les filles sont sans cesse encadrées par une mère qui croit bien faire en voulant à tout prix les marier avant la mort de leur père, pourtant bien présent (et spectaculairement moderne, ou tout simplement sain d'esprit). S'ensuivent roucoulades, bals typiques à teneur sociales et stratégies d'amour, où se distinguent du lot quelques histoires s'entrecoupant de tragédies.

Nostal-geek: Star Trek le film (1979)

Avec la roquette Star Trek balancée sur grand écran par ce fieffé J.J.Abrams, un relent geek se fait sentir et peut pousser à se tourner avec plus d'entrain vers cet univers jusqu'ici abscons pour une majorité du public, cartonnant outre-Atlantique depuis quasiment 50 ans (!). Mais impossible de se procurer correctement la série originale (et puis la flemme), c'est donc avec le premier film destiné au ciné qu'on peut commencer l'aventure, en embarquant avec joie à bord du NCC-1701 USS Enterprise.

Souviens-toi : que tu l'aimes ou pas, Georges Lucas sortait en 1977 le premier volet de La Guerre des Etoiles, qui a reconditionné toute l'industrie de l'entertainment depuis. Nouvelle percée de la science-fiction au ciné, effets spéciaux performants, blockbuster de calibre, rythme de progression rapide. Un nouveau modèle ?

Who hasn't read the Watchmen ?

L'offensive Watchmen a bel et bien eu lieu au cinéma, l'occasion pour Panini Comics, éditeur de BD US en France de reprendre en main ses ventes en frappant fort. Les plus chanceux ont leur édition Delcourt, maintenant introuvable et se vendant à prix d'or sur eBay (avec une traduction exemplaire d'époque), les autres comme moi pourront se tourner vers les nouvelles éditions sortant ce mois-ci : 2 éditions à prix coquin, qui poussent au vice et donnent envie de faire des cadeaux à des amis.

Ainsi, Panini Comics propose l'intégralité de Watchmen pour 15€ dans une édition souple petit format, ainsi qu'une version plus luxueuse, grand format et couverture en dur pour seulement 30€. Vu les pratiques habituellement abusives de l'éditeur en matière tarifaire, c'est plutôt une bonne nouvelle : plus d'excuses, il FAUT lire Watchmen !
Cette nouvelle édition propose une nouvelle traduction (certes sujette à contestation), mais aussi une recolorisation complète et des bonus sur l'édition Hardcover (celle en dur). Bref, les Watchmen n'ont jamais paru aussi jeunes que maintenant, il faut foncer !